4628 - 20160117 - BELGIQUE-HORNU - L'Homme, le Dragon et la Mort. La Gloire de saint Georges - 18.10.2015-17.01.2016


À travers les représentations de la légende de saint Georges dont l’épisode du combat avec le dragon reste le plus connu et le plus représenté, cette exposition ambitionne de montrer que la tradition de l’image de saint Georges et la connaissance historique que nous en avons offrent le singulier privilège d’être un puissant moteur de l’imaginaire.

L’exposition saint Georges proposera une sélection parmi les nombreuses peintures, sculptures, dessins, enluminures... ayant représenté de quelques manières le saint. Elle interrogera la façon dont saint Georges et le dragon se présentent, aux yeux de nos contemporains, comme le creuset des différents combats de l’homme contre des forces hostiles, mais aussi, et peut-être surtout, de l’homme contre lui-même dans l’affirmation de son destin.

Le succès du culte de saint Georges fut considérable et sa renommée s’est répandue dans toutes les parties du monde chrétien. Il est devenu l’emblème de pays  et régions d’Europe comme l’Angleterre ( St.George), le Portugal, la Catalogne et l’Aragon (Sant Jordi). Figure polysémique, saint Georges fut également le Saint patron de corporations (chevaliers, armuriers, selliers, laboureurs...), d’ordres en tous genres et de centaine de villes européennes qui se mirent sous sa protection. Il en résulte de multiples représentations peuplant les plus grandes collections européennes mais aussi de multiples évocations dans des traditions populaires constituant aujourd’hui encore un patrimoine immatériel que cette exposition souhaite par ailleurs aborder. Des commandes spécifiques seront faites à quelques artistes contemporains invités à présenter comment, aujourd’hui, ce mythe a conservé tout son sens. Parmis eux, David Claerbout, Giuseppe Penone, Angel Vergara Santiago et Luc Tuymans. Afin de préparer l’exposition et la publication qui l’accompagne, un important travail scientifique de recherche et de recensement d’œuvres d’art liées à la légende de saint Georges auprès de grandes institutions (musées et collections en Europe) permettra une mise à jour des connaissances que nous en avons en termes historiques et artistiques. Le catalogue de l’exposition offrira de plus la possibilité d’aborder par le biais de textes et de nombreuses planches la diversité iconographique du sujet.

MAC's - Musée des Arts Contemporains - Fédération Wallonie Bruxelles - site du Grand-Hornu
L'Homme, le Dragon et la Mort. La Gloire de saint Georges - 18.10.2015-17.01.2016

4627 - 20151011 - U.K. - LONDON - Painting Paradise: The Art of the Garden - 20.03.2015-11.10.2015


Whether a sacred sanctuary, a place for scientific study, a haven for the solitary thinker or a space for pure enjoyment and delight, gardens are where man and nature meet.

Painting Paradise: The Art of the Garden reveals the way in which gardens have been celebrated in art across four centuries.

Bringing together paintings, botanical studies, drawings, books, manuscripts and decorative arts, the exhibition explores the changing character of the garden from the 16th to the early 20th century. It includes works by Leonardo da Vinci, Maria Sibylla Merian and Carl Fabergé, and some of the earliest and rarest surviving depictions of gardens and plants.

The Queen's Gallery, Buckingham Palace - The Art of the Garden - 20.03.2015 - 11.10.2015

Website : Visit London    EN - FR - NED - DE - ESP - IT .......



4626 - 20160130 - BELGIË - ANTWERPEN - On the Job for Victory - 24.09.2015-30.01.2016


On the Job for Victory

American war posters from World War I

Affiches van de Division of Pictoral Publicity
Iedere Amerikaan, van klein tot groot, moet zijn bijdrage leveren. Het Committee on Public Information haalt alle middelen uit de kast om mensen daarvan te overtuigen. Veel werk wordt hierbij verzet door Charles Dana Gibson. Hij is een populair illustrator die voor LIFE Magazine werkt, en die de leiding krijgt over de Division of Pictoral Publicity, onderdeel van het Committee.
De expo ‘On the Job for Victory’ geeft een inzicht in de manier waarop affichekunstenaars als James Montgomery Flagg, Joseph Pennell, Herbert Paus, Joseph Christian Leyendecker en Howard Chandler Christy hun talent inzetten voor de propagandacampagnes. Hun prachtige, kleurrijke en efficiënte werk staat in schril contrast met de oorlogsrealiteit.

American war posters from World War I
In April 1917, The United States became actively involved in World War I. All resources were employed in order to finance the war efforts while making the Americans enthusiastic for the war. In a unique exhibition, dozens of posters from the Letterenhuis collection show how the Americans were urged to be frugal and to work hard on behalf of the war in faraway Europe.

The United States and World War I
The United States declared war on Germany in April 1917, thereby becoming actively involved in World War I. All resources were employed in order to finance the war efforts while whipping up enthusiasm for the war. Popular American illustrators and designers were brought in to make posters. They mainly aimed at an audience that didn’t read newspapers, go to meetings or to the cinema.

Laborers and soldiers
The propaganda builded on of patriotism and a sense of duty. A poster like ‘Be a U.S. Marine’ radiated a no-nonsense mentality that suited the Marines, a corps that can be deployed quickly.
Manpower was also needed to develop a fleet to bring soldiers and supplies for the troops to Europe. In one of the posters a workman, a marine and a soldier march together to a glorious victory. Laborers and soldiers are working as one is the message.

Liberty Bonds and frugality
Liberty Bonds were issued because the war cost billions of dollars. In the eyes of the campaign makers there were only two possibilities: ‘Fight or Buy Bonds!’ Every possible means was employed to convince everyone. Children were depicted in order to capitalise on sentiments and the enemy was portrayed as a monster that murdered, raped and plundered.
In addition to collecting money, the Red Cross focused on recruiting nurses. Women were also asked to help in factories or in agriculture, or to knit socks for soldiers.
As the war progressed, food scarcity increased. Intensive campaigns incited the population to be frugal with revealing slogans like ‘Food is ammunition!’ and ‘Don’t waste food while others starve!’.
Division of Pictoral Publicity
Every American, young and old, had to contribute. The Committee on Public Information pulled out all the stops to convince people of this. Charles Dana Gibson did a lot of work to this end. He was a popular illustrator who worked for LIFE Magazine and was put in charge of the Committee’s Division of Pictoral Publicity.
The exhibition ‘On the Job for Victory’ gives insight into the way that poster artists like James Montgomery Flagg, Joseph Pennell, Herbert Paus, Joseph Christian Leyendecker and Howard Chandler Christy used their talent for the propaganda campaigns

Letterenhuis - On the Job for Victory - 24.09.2015-30.01.2016


4625 - 20151115 - NEDERLAND - AMSTERDAM - Dick Bruna - 27.08.2015-15.11.2015


In celebration of the sixtieth birthday of Miffy the Rijksmuseum is presenting Dick Bruna. Artist, the first exhibition of the work of graphic designer and artist Dick Bruna (1927) in an international art-historical context. Prints and drawings of the artists who inspired Bruna: Henri Matisse, Fernand Léger, Willem Sandberg, H.N. Werkman and Bart van der Leck, will be on display alongside his own book covers, posters, collages and drawings. Naturally, Miffy is among the more than 120 items on show.

Dick Bruna. Artist presents the highlights of more than a half century of graphic design work. Bruna’s distinctive style of clearly drawn lines, primary colours and two-dimensional abstract forms shines through in the book covers he designed for detective novels like The Shadow (Havank) and Maigret (Georges Simenon) from the Zwarte Beertjes editions, posters for A.W. Bruna & Zn. publishers and the Nederlandse Melkunie, and designs for Miffy.

In interviews, Dick Bruna has often mentioned artists who have influenced him, such as Matisse, Léger, Werkman and members of De Stijl, but for the first time the spotlight is on the art-historical thread that runs through his work. The Rijksmuseum has researched the art-historical connections to these other artists and selected works from its own extensive collection of prints to highlight Bruna’s affinities with other artists. By juxtaposing Bruna’s creations with the work of artists who inspired him, we instantly see these influences and inspiration. Bruna combines techniques from the colourful French avant-garde, such as cut-out and abandoning perspective, with the pared-down imagery and colour palette of De Stijl. At the same time, Picasso, Rietveld and architect J.J.P. Oud admired the simplicity and clarity of Bruna’s book covers and posters.

With a total of 120 items on display, the exhibition also sheds light on the design process behind Miffy. Nowhere is Bruna’s craftsmanship, patience and skill at using colour to illustrate spatiality in two-dimensional space more evident than in his – at first sight simple - creation of the world-famous rabbit.

This exhibition has drawn from the long-term loan of 160 drawings, posters, prints and designs by Dick Bruna, which Mercis BV granted to the Rijkmuseum in spring 2011. The Rijksmuseum has also borrowed works from Centraal Museum Utrecht, Stedelijk Museum Amsterdam and Dick Bruna’s private collection.

Rijksmuseum - Dick Bruna - 27.08.2015 - 15.11.2015
Website & source : Rijksmuseum    NL - EN - DE - ESP - IT ........
Website : uit in Amsterdam    NL -EN - FR - DE - IT - ESP


4624 - 20151018 - BELGIQUE-MONS - Atopolis - WIELS @ MONS2015 - 13.06.2015-18.10.2015


Jef Geys, installation view, Atopolis, Mons 2015. Photo: Kristien Daem.

This contemporary art exhibition, organized by Wiels in collaboration with Mons 2015 – European Capital of Culture, will present a group of artists interested in phenomena of circulation, diaspora and cultural dislocation. The title alludes to the ideas of Edouard Glissant, the influential thinker of hybridisation and globalisation who argues in favour of fluid identities, unhindered exchanges and an ideal cosmopolitan openness, which he calls the ‘Relation’, interconnected and radically egalitarian.

Mons and the Borinage, once a historic epicentre of the early industrialisation on the continent – a cultural and social carrier synonym of modernity – was the hub of important work-related migrations toward a ‘better’ life, as well as the symbol of cultural and social intermix. Plural identities and similar subjects related to globalisation had a pioneering destiny in the region, which subsequently saw the emergence of multiple models of social utopia.

Touching upon notions of otherness and difference in the eye of globalisation, the exhibition also explores the specificity of a place and its history: the Manège de Sury - an ancient Civil Guard barrack -, and an old convent-school. Both formerly housed a kind of 'micro-city' or ideal community. The refurbished architectural complex will, in 2016, become a start-up incubator, an urban archipelago destined to serve a creative and technological future, fueled by the free exchange of information and data.

Twenty-three artists will temporarily install a proposal for an atopolis, or for an ideal city, connected to everyplace or anyplace.

WITH: Saâdane Afif, Nevin Aladağ, Francis Alÿs, El Anatsui, Danai Anesiadou, Yto Barrada, Walead Beshty, Huma Bhabha, Vincen Beeckman, Vlassis Caniaris, Abraham Cruzvillegas, Meschac Gaba, Jef Geys, Thomas Hirschhorn, Kapwani Kiwanga, David Medalla, Vincent Meessen, Adrian Melis, Benoit Platéus, Walter Swennen, Diego Tonus, Lawrence Weiner and Jack Whitten.

Manège de Sury - Atopolis - WIELS @ MONS2015 - 13.06.2015 - 18.10.2015

Website & source : WIELS  NL - EN - FR

Website : Mons  FR


4623 - 20151108 - DEUTSCHLAND - BERLIN - STADT/BILD. XENOPOLIS - 16.09.2015-08.11.2015


Laurence Bonvin: aus der Reihe "Blikkiesdorp", 2009 © Courtesy the artist

Als Kurator der bahnbrechenden Ausstellung „Afrika Remix“ (2004) hat Simon Njami den Blick auf die afrikanische Gegenwartskunst grundlegend verändert. Jetzt hat der in Paris lebende Autor und Kurator gemeinsam mit sechs internationalen Künstlern, die in Berlin leben, für die Deutsche Bank KunstHalle ein „Labyrinth der Wahrnehmungen“ konzipiert. In “Xenopolis” hallen die Vorstellungen von Stadt in all ihren Facetten nach. Den Ausgangspunkt für das Projekt bildet ein Gedanke von Roland Barthes. Der französische Philosoph postulierte, dass die Stadt zu ihren Bewohnern spricht, dass sie lesbar ist wie ein diskursiver Text, und eine ganz eigene Sprache hat. Auch die Bewohner kommunizieren mit ihrer Stadt und verändern ihre Sprache.


4622 - BELGIQUE-BARSY-FLOSTOY - Musée Monopoli - 01.03.2015-31.10.2015


Renato Monopoli

Ce Musée vous propose de découvrir un grand nombre d'automates, tant mécaniques qu'électriques.  Ce sont soit des automates d'animation pour vitrines afin de capter le regard des passants tels ce frappeur de vitres, le boulanger pétrissant son pain, le boucher hachant de la viande, l'avocat faisant sa plaidoirie... Il y a également des chats animés, une balançoire de poupées, le tanneur... mais il y a aussi des oiseaux chanteurs et autres magnifiques poupées animées d'un mouvement de tête vers le bas ou de gauche à droite... et tant d'autres...

Quand on parle de musée, on pense souvent au côté "poussiéreux" des antiques choses abandonnées. Face à ce type de préjugé qui peut aller jusqu'à dégoûter de fréquenter ces lieux pourtant garants de notre patrimoine, nombre d'établissements de renom ont depuis longtemps déjà restructuré les espaces, modifié les circulations, remodelé les lumières, repensé en somme toute la scénographie.

Et c'est dans cette perspective de rendre son musée toujours plus attractif que Renato MONOPOLI a dès l'origine pensé puis entretenu son espace d'exposition. Toutefois, la place lui est comptée. Pas question donc pour lui d'ouvrir telle ou telle nouvelle salle bien qu'il le souhaiterait.

C'est donc sous un autre angle, mais pas des moindres, qu'il a depuis toujours organisé l'ensemble de ses collections : la VIE.
En effet, dans son musée, tous les objets , ceux bien entendu qui sont susceptibles de fonctionner d'une façon ou d'une autre, tous les objets, disais-je, fonctionnent réellement.

Le musée Monopoli est ouvert gratuitement sur rendez-vous
du 1er mars au 31 octobre
Musée Monopoli
rue du Musée 9
5370 Barsy - Flostoy

4621 - FRANCE-METZ - Warhol Underground - 01.07.2015-23.11.2015


Andy Warhol and the Velvet Underground, Los Angeles, Californie, 1966 © Steve Schapiro, courtesy the A. Gallery ,Paris

Une relecture inédite de l’oeuvre du pape du pop art à travers ses liens avec la scène new-yorkaise underground : musique, danse, cinéma…
L’exposition Warhol Underground mettra en lumière l’influence de la scène musicale et de l’avant-garde chorégraphique new-yorkaises dans l’oeuvre d’Andy Warhol (1928-1987). Elle sera l’occasion de célébrer les cinquante ans de la rencontre de Warhol avec le groupe de rock new-yorkais The Velvet Underground, dont il devint le producteur.

« Je n’ai jamais voulu être peintre, j’ai toujours voulu être danseur de claquettes », déclarait Warhol, alors même que l’œuvre du pape du pop art est souvent réduite à sa dimension picturale. « Je ne peins plus. J’ai abandonné la peinture il y a à peu près un an et maintenant je ne fais plus que des films. La peinture était seulement une phase que j’ai traversée », ajoutait-il. Nombre de déclarations de l’artiste montrent combien son œuvre, extrêmement protéiforme, a dépassé la peinture, ainsi qu’il aimait lui-même à le penser.

Revenant sur la rencontre de Warhol avec le Velvet Underground cinquante ans auparavant, l’exposition montrera comment cette collaboration, souvent réduite à un vernis mondain, marque une véritable rupture esthétique dans l’œuvre de l’artiste. Largement ignoré en son temps, le Velvet Underground (1965-1970) est pourtant devenu l’un des groupes les plus influents de l’histoire du rock à partir de 1970 et ce, principalement grâce à son légendaire premier album paru en 1967, The Velvet Underground & Nico, produit par Warhol. Ce dernier avait offert au groupe à la fois un studio et une scène : la Silver Factory, ce célèbre atelier dont Warhol avait recouvert les murs de peinture argentée, le transformant ainsi en un miroir géant.

L’exposition évoquera également le microcosme de la « Fabrique », qui constitue alors pour les artistes un lieu de résidence ouvert à tous, à une époque où Warhol découvre avec une curiosité toujours renouvelée la scène musicale underground et s’essaie à produire des « Superstars ». La Silver Factory apparaît alors comme l’archétype du spectacle multimédia que Warhol met en scène pour le Velvet Underground dès 1965. Ces séances de « cinéma élargi », comme les qualifiait Jonas Mekas, mélange de performance artistique et de boîte de nuit où « le cinéaste devenait chef d’orchestre tenant sous sa baguette les divers éléments créatifs (dispositifs sonores, groupe rock, projecteurs de diapositives, projecteurs de cinéma, éclairage et autres) » constituaient des spectacles fascinants. Le goût certain de Warhol en matière de musique lui permet d’ailleurs d’incarner plastiquement les avatars les plus variés : pochettes de disques, portraits, mises en scène de spectacles, films, interviews et performances, dans une recherche d’œuvre d’art totale.

La danse, et plus particulièrement la programmation du Judson Dance Theater, joue également un rôle essentiel dans le modèle que Warhol transpose à la Factory. Dès 1958, la rencontre avec l’agent d’artistes Emile De Antonio, ami de John Cage et Merce Cunningham, Jasper Johns et Robert Rauschenberg, avait déjà propulsé Warhol dans les enjeux de la danse contemporaine. La série d’œuvres Dance Diagrams (1962), qu’il présente à même le sol, était accompagnée d’une affichette invitant les spectateurs à enlever leurs chaussures et à inscrire leurs pas dans ceux de tango ou de fox trot redessinés par Warhol sur la toile. Warhol s’approprie ainsi l’esthétique collective du Judson Dance Theater qu’il transpose dans le champ pictural. Au-delà de leur inscription dans les stratégies du Pop Art, ces danses ready made dévoilent les affinités que l’œuvre de Warhol entretient dès 1963 avec les recherches de la postmodern dance, plaçant au coeur de sa dialectique les notions de mouvement et d’immobilité, d’improvisation et de sérialité. Un des points d’orgue du parcours sera l’évocation de Rain Forest, 1968, chorégraphie de Merce Cunningham au cours de laquelle les danseurs se déploient dans les Silver Clouds de Warhol, nuages argentés comme les murs de la Factory.

L’exposition Warhol Underground est réalisée en partenariat avec le Musée Andy Warhol, l’un des quatre Carnegie Museums de Pittsburgh et la Tate Liverpool.

Centre Pompidou - Metz - Warhol Underground - 01.07.2015 - 23.11.2015

Website & source : Centre Pompidou - Metz   FR - EN - DE

Website : Metz - tourisme   FR - NE - EN - DE - ESP .......



4620 - 20160106 - BELGIË- LOUVAIN-LA-NEUVE - Hugo Pratt, Rencontres et passages - 02.10.2015-06.01.2016


La saison 2015/2016 s’annonce haute en couleur au Musée Hergé avec une exposition intitulée Hugo Pratt, Rencontres et passages.

C’est la première fois que le Musée Hergé accueille un autre grand maître de la bande dessinée : Hugo Pratt, auteur et narrateur hors norme qui, avec Corto Maltese, a créé le mythe de l’éternel aventurier.

Une exposition unique:
Cette exposition est réalisée en hommage à Hugo Pratt et à son oeuvre qui se poursuit avec la sortie du nouvel album de Corto Maltese Sous le soleil de minuit, signé du tandem espagnol Juan Díaz Canales (scénario) et Rubén Pellejero (dessin) (à paraître le 30 septembre prochain).

Musée Hergé - Hugo Pratt, Rencontres et passages - 02.10.2015 - 06.01.2016

Website & source : Musée Hergé     FR - EN - NL

Website : Louvain-la-Neuve   FR - NL - EN - DE - ES


4619 - 20151101 - FRANCE-GRANVILLE - Dior, la révolution du New Look - 06.06.2015-01.11.2015


Après avoir illustré les liens unissant Dior et l'art, le musée Christian Dior présente la révolution du New Look et la place exceptionnelle qu’elle occupe dans l’histoire de la mode.

Le 12 février 1947, Christian Dior révèle sa première collection de haute couture dans la maison qu’il vient de fonder, au 30 avenue Montaigne à Paris. Fait sans précédent dans la mode, Christian Dior, inconnu la veille, devient célèbre le lendemain de son défilé. La collection du New Look s’impose comme le manifeste fondateur du style Dior. Elle révolutionne l’esthétique de la mode des années quarante et préfigure le renouveau de l’élégance et de la sophistication des années cinquante. Le changement radical voulu par Dior répond au désir de métamorphose des femmes alors encore vêtues dans le style de la guerre. Dans cette période de reconstruction, Christian Dior invente une nouvelle esthétique tournée vers le futur. Il impose la restauration d’une féminité triomphante. A la silhouette rectiligne et masculine, il oppose le retour à la beauté de la courbe, de la séduction et du faste.

Au sein de cette collection mythique, un modèle concentre toutes les attentions, le fameux ensemble « Bar ». Ce tailleur d’après-midi habillé, avec sa coupe pure et architecturée, résume la quintessence du message de Christian Dior. Cette véritable icône du New Look s’inscrit dans la destinée artistique de la maison pour les décennies suivantes. Les directeurs artistiques qui succèderont au fondateur de la maison rendront régulièrement hommage à ce manifeste originel, tout en réécrivant, selon leurs propres talents, un style puissant, toujours en résonnance avec le présent.

L’exposition "Dior, la révolution du New Look" propose une traversée du monde de la création Dior de 1947 à 2015, fondé sur l'élan originel du tailleur Bar et du New Look. Le parcours thématique éclaire d’un jour nouveau cet événement fondateur du style de la maison, depuis une généalogie des hommages au tailleur « Bar »,  jusqu'à ses sources d’inspirations historiques et stylistiques, ses techniques de construction et sa signature plastique en éloge de la courbe. Il se construit autour de quatre-vingt créations de haute couture de Christian Dior jusqu’à Raf Simons, d’une trentaine de photographies, d’une cinquantaine de documents, souvenirs du New Look, manuscrits, dessins originaux, flacons du parfum Miss Dior, miniatures de tailleurs "Bar", poupées New Look, patrons et toiles « tailleur ».

Musée Christian Dior - Dior, la révolution du New Look - 06.06.2015 - 01.11.2015

Website & source : Musée Christian Dior   FR - EN

Website : Granville  FR - EN - DE



4618 - BELGIË-ANTWERPEN - Recent acquisitions - Recente aanwinsten - 14.08.2015-31.01.2016


The MUHKA-collection is always expanding. In our Recent acquisitions exhibition we present the recent purchases that help shape our existing collection. The basis for our acquisitions are: the avant-garde tradition in Antwerp from the 1960s onwards; the multipolarity of international relations; the importance of the ‘performative’ nature of art and the social engagement of contemporary art. The influence images have on our daily lives also plays a part in the acquisitions. In recent years our collection has been enriched by important works by Belgian-based artists, as well as artists from: Africa, Asia and North- and South America.

A number of key artists have been given a platform with the help of ARTtube, the online video channel lead by 15 Belgian and Dutch museums. The videos offer insight into the artistic process of these influential artists.

Recent acquisitions presents an overview of the M HKA-collection, an assemblage of works that is developed based on three main pillars: the image, the action and the society.

Artists: Victor Alimpiev & Marian Zhunin, Carla Arocha, Pedro Barateiro, Teresa Burga, Jan Cox, Jan De Cock, Jan De Lauré, Craigie Horsfield, Jean Katambayi, Maha Maamoun, Imran Quereshi, Ayman Ramadan, Bart Stolle, Narcisse Tordoir in collaboration with Alioune Bâ & Brehima Koné, Vanessa van Obberghen, Richard Venlet and Wout Vercammen.

Starting October 16th, recent acquisitions from Olga Chernysheva, Robert Filliou, Taus Makhacheva, Kerry James Marshall, Panamarenko, Rinus Van de Velde and Franz West are added to the exhibition.

MUKHA - Recent acquisitions - Recente aanwinsten - 14.08.2015-31.01.2016

Website & source : MUKHA   NL - FR - EN

Website : Visit Antwerpen   NL - FR - EN - DE


4617 - SWITSERLAND-BERN - Toulouse-Lautrec and Photography - 28.08.2015-13.12.2015

Henri de Toulouse-Lautrec, Im Moulin Rouge, Die Goulue und ihre Schwester, 1892. Farbige Lithographie (Ausschnitt)
© Sammlung E.W.K., Bern

For the first time ever, the Kunstmuseum Bern will be juxtaposing the work of the world-famous French artist Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) with the photography of his time. It will be confronting his paintings, drawings, lithographs, and posters with contemporary photographs that contain the same or very similar motifs, often having in fact served the artist as models for his work. 

None of the photographs were made by Toulouse-Lautrec. In fact he never took pictures himself, but did often commission his friends to do it for him.  Sometimes he would use these pictures as models or templates for his art, or sometimes he desired stage performances to be visually documented. Indeed, Toulouse-Lautrec had a profoundly photographic eye like hardly another artist of his epoch. Whatever he depicted and how he did so would have been inconceivable without photography. This is not only evidenced in his ingenious compositions with their cropped figures, but also his sketchy style is intrinsically linked to it: just as modern photography had as its goal, Toulouse-Lautrec, too, sought greatest spontaneity in capturing the fleeting moment. And who could have painted the artificial world of Paris’s red-light district Montmartre, its seductive delights and the downfalls or the ruin lurking behind its bright facades, as truthfully and matter-of-factly—as photographically—as Toulouse-Lautrec?

Henri de Toulouse-Lautrec's painting Madame Misia Natanson au piano (1897) belongs to the Kunstmuseum Bern Collection. Misia Natanson, wife of the publisher Thadée Natanson, was a much-admired personage in Parisian artistic circles. The exhibition is devoting a whole separate section to her and her illustrious circle. The painting will be mounted in the exhibition room alongside other paintings, prints, and photographs. The Kunstmuseum Bern Collection also owns a number of prints by Toulouse-Lautrec, and, in view of the pending exhibition, was able to accrue further prints in 2014.

The exhibition will be rounded off by a supplementary program comprising films, themed guided tours, and concerts—as well as a catalogue comprising research contributions and color plates.

Kunstmuseum Bern - Toulouse-Lautrec and Photography - 28.08.2015 - 13.12.2015

Website & source : Kunstmuseum Bern  DE - FR - EN

Website : Bern    DE - FR - IT - EN



4616 - BELGIË- BRUSSEL-ELSENE - Sarkis with Parajanov - 24.09.2015-24.01.2016


In the context of the commemoration, in 2015, of the Armenian Genocide centennial, the Boghossian Foundation presents an exhibition of two major artists of the Armenian contemporary culture.
Born in 1938, in Istanbul, Sarkis, studied French, painting and interior design before moving to Paris in 1964. In 1969, he is invited by the critic Harald Szeemann to take part in the known exhibition When Attitudes Become Form. Since the 1980s, Sarkis broke into the international scene with his striking plastic universe. Working with sculpture, installations, photography and cinema; he brings together objects from different cultures, questioning the memory politically and poetically.

In 2015, he is invited to represent the Turkish Pavilion with his work Respiro and to take part in the exhibition Armenity at the Armenian Pavilion at the 56th edition of the International Venice Biennial. He is also showcasing his work at the 14th edition of the Istanbul Biennial.

Born in 1924, Sergueï Parajanov, is considered as one of the major filmmaker of modern cinema. He became famous in 1964 with his movie Shadows of Forgotten Ancestors (Wild Horses of Fire). But it is truly in 1986, with his movie Sayat Nova, that the artist showed his poetic and allegoric writing, transmitted into a staggering visual beauty. This film was not considered as official art and thus was not distributed on the soviet territory. From 1973 to 1977, Parajanov was detained in a Soviet labour camp; this aroused the mobilisation of the artistic world. During his imprisonment, he created a singular work composed of collages, boxes, dolls and hats just like “condensed movies” he said. The essential of his production is conserved at the Museum of Yerevan (Armenia), who is dedicated to the artist.

He shot two other movies: Legend of Suram Fortress (1985) and Achik Kerib (1988), inspired by the cultural and ethnic diversity of the Caucasus. He passed away in 1990 on the shooting of the movie The Confession.

As a tribute, Sarkis has conceptualised for the Villa Empain, a facing of their respective works.

Presented for the first time in Belgium on the occasion of this exhibition, all of Parajanov’s works come from the Parajanov Museum of Yerevan (Armenia).

Sarkis is represented by the Galerie Nathalie Obadia (Brussels and Paris) who contributes considerably to this exhibition.

Curators: Diane Hennebert, Christophe Dosogne and Erik Bullot

The exhibition will be accompanied by a catalogue including a study of Erik Bullot and an original script of Sergueï Parajanov.

Boghossian Foundation - Villa Empain - Sarkis with Parajanov - 24.09.2015 - 24.01.2016

Website & source : Boghossian Foundation - Villa Empain   NL - FR - EN

Website : Brussel - Elsene    NL - FR


4615 - U.K.-LONDON - Audrey Hepburn - Portraits of an Icon - 02.07.2015-18.10.2015


This fascinating photographic exhibition will illustrate the life of actress and fashion icon Audrey Hepburn (1929-1993). From her early years as a chorus girl in London’s West End through to her philanthropic work in later life, Portraits of an Icon will celebrate one of the world’s most photographed and recognisable stars.

A selection of more than seventy images will define Hepburn’s iconography, including classic and rarely seen prints from leading twentieth-century photographers such as Richard Avedon, Cecil Beaton, Terry O’Neill, Norman Parkinson and Irving Penn. Alongside these, an array of vintage magazine covers, film stills, and extraordinary archival material will complete her captivating story.

Supported by Midge and Simon Palley

With support from the Bernard Lee Schwartz Foundation and the Audrey Hepburn Exhibition Supporters Group

Organised with support from the Audrey Hepburn Estate / Luca Dotti & Sean Hepburn Ferrer

National Portrait Gallery - Audrey Hepburn - Portraits of an Icon - 02.07.2015-18.10.2015

Website & source : National Portrait Gallery  EN

Website : Visit London   EN- FR - DE -ES ........



4614 - BELGIË-ANTWERPEN - Mijn Vlakke Land. Over fotografie en landschap - 26.06.2015-04.10.2015


 Mountains of Desire Arno Roncada, 2009


This summer, FoMu takes you on a visual journey through unspoiled nature and poses the question: Is it possible to recreate the sensation of hiking within the walls of a museum? When we go for a walk, we experience a succession of impressions that melt almost imperceptibly into each other. The exhibition Mijn Vlakke Land (My Flat Land) is a photographic montage that features works from 1856 to 2015 by over 50 artists from Belgium and abroad.


The ambivalence of landscape is at the heart of the exhibition, from safe haven to an experience of the sublime. Rather than a presentation of contemporary or historic points of view, the exhibition is conceived as an associative tour through nature. The only human presence is that of the photographer, who attempts to capture a personal vision of the natural scenery. Can an artist hold their own in such a poetic encounter with the elements?

Music lovers will recognise the reference to Jacques Brel in the title of this exhibition. Alongside the tribute to Brel’s lush ode to the Low Countries, flat also refers to an inevitable physical characteristic of photography. A photograph is a two-dimensional object on to which we project desires and expectations. The summer exhibition is thus more of a hymn to the romantic landscapes of our hearts and imaginations than to the actual Flemish countryside.

Deze zomer neemt het FoMu je mee op een visuele tocht door de ongerepte natuur. Kan de ervaring van de wandelaar ook binnen de muren van een museum plaatsvinden? Een wandeling is als een aaneenschakeling van indrukken die haast onmerkbaar in elkaar overvloeien. De tentoonstelling Mijn Vlakke Land is een fotografische montage met werk van meer dan 50 verschillende kunstenaars uit binnen- en buitenland, van 1856 tot 2015.
Centraal staat het ambivalente landschap, van toevluchtsoord tot sublieme ervaring. Eerder dan een hedendaags of historisch overzicht te schetsen is deze tentoonstelling opgevat als een associatieve rondgang door de natuur. De enige aanwezige is de fotograaf, die het natuurlijke landschap op persoonlijke wijze naar zijn of haar hand probeert te zetten. Is de kunstenaar in dit poëtisch treffen met de elementen bij voorbaat verloren?
Elke muziekliefhebber herkent in de titel van de tentoonstelling de knipoog naar Jacques Brel. Naast een  hommage aan deze kolkende lofzang op de Lage Landen is vlakte ook een onmiskenbaar kenmerk van elke foto. Een foto is een plat en tweedimensionaal vlak, waarop we verlangens en verwachtingen projecteren. Zo bezingt de zomertentoonstelling niet het fysieke Vlaamse landschap maar veeleer romantische landschappen die zich in ons hoofd en hart bevinden.
Met werk van Ansel Adams (US), Francis Alÿs (BE), Frères Bisson (FR), Paul Bogaers (NL), Dirk Braeckman (BE), Anna Collette (US), Armand Dandoy (BE), Michiel De Cleene (BE), Gino De Dominicis (IT), Misha de Ridder (NL), Babs Decruyenaere (BE), Thomas Demand (DE), Chloe Dewe Mathews (UK), Constant Dullaart (NL), Gilbert Fastenaekens (BE), Joan Fontcuberta (ES), Anne Geene (NL), Geert Goiris (BE), Yann Gross (CH), Michiel Hendryckx (BE), David Horvitz (US), William Henry Jackson (US), Adam Jeppesen (DK), Jan Kempenaers (BE), Mark Klett (US), Robert Knoth & Antoinette de Jong (NL), Alvin Langdon Coburn (US), Gustave Le Gray (FR), Jochen Lempert (DE), Albéric Lunden (BE), Robert Macpherson (UK), Michèle Matyn (BE), Andreas Mühe (DE), Asako Narahashi (JP), Bruno Roels (BE), Henning Rogge (DE), Arno Roncada (BE), Thomas Ruff (DE), Hans-Christian Schink (DE), Charles T. Scowen (UK), Liam Singelyn (BE), Berndnaut Smilde (NL), Dominique Somers (BE), Alfred Stieglitz (US), Thomas Struth (DE), Hiroshi Sugimoto (JP), William Henry Fox Talbot (UK), James Valentine (UK), Awoiska van der Molen (NL), Corinne Vionnet (CH), Robert Voit (DE), Ester Vonplon (CH), Charles Waldack (BE), Carleton E. Watkins (US), Edward Weston (US), Emma Wieslander (SE) en Masao Yamamoto (JP).
Curatoren: Maarten Dings en Joachim Naudts
FOMU - Mijn Vlakke Land. Over fotografie en landschap - 26.06.2015 - 04.10.2015

Website & source : FOMU    NL - EN - FR - DE

4613 - ÖSTERREICH-SALZBURG - Charlotte Salomon. Life? or Theatre? - 11.07.2015-18.10.2015


Life? or Theatre?, a cycle of gouaches by Charlotte Salomon (b. Berlin, 1917; d. Auschwitz, 1943), is a singular document of German-Jewish life in 1920s and 1930s Berlin. Comprising 1 325 works, it was created in France, where Salomon lived in exile, between 1940 and 1942; soon after its completion, the artist was deported and murdered at the age of twenty-six. A part of the cycle was on display at Documenta (13) in 2012; an opera adaptation of the work by Marc-André Dalbavie commissioned by the Salzburg Festival was performed in 2014, and a ballet version with music by Michelle DiBucci was premièred by the Musiktheater im Revier Gelsenkirchen, in 2015. The Museum der Moderne Salzburg shows a representative selection of 278 paintings from the cycle. No less captivating than its extraordinary history are the luminous colors of the gouaches and the way they interweave imagery, text, and music. Salomon herself described her work as a “Singespiel”; references to well-known pieces of music are scattered throughout the cycle. To reflect this aspect, many of the compositions selected by Salomon will be heard in the exhibition, complementing individual gouaches. A room dedicated to the opera will show photographs and costumes of the première at the Salzburg Festival 2014.

The consummate achievement of a life cut short, Life? or Theatre? draws on the history of Salomon’s family and her own experiences as a Jewish girl in Berlin. It consists of three parts: a preface about her teenage years in Berlin, a central section that tells the story of her love for the singing teacher Alfred Wolfsohn, and an epilogue sketching her life in exile in the south of France between 1939 and 1942. The gouaches are painted in an unrestrained and brightly colorful style that attests to the influence of various contemporary artists. A few dashed lines capture the distinctive features of the characters. The earlier scenes are executed in fairly great detail, but over time Salomon’s style grows increasingly nervous, as though she knew that she had not much time left. The compositions suggest a storyboard for a film, with several scenes integrated into a single picture, views from elevated vantages, and sudden close-ups.

In June 1943, Charlotte Salomon married the Austrian émigré Alexander Nagler. Both were deported a few months later; Salomon, who was pregnant, was murdered upon her arrival in Auschwitz. After the war, the cycle came into the possession of her father and stepmother, who had survived in the Netherlands; they donated it to the Jewish Historical Museum, Amsterdam, where it remains today.

The exhibition Charlotte Salomon. Life? or Theatre? was organized in cooperation with the Jewish Historical Museum, Amsterdam.

Curator: Beatrice von Bormann, Head of Collection; Curatorial Assistant: Barbara Herzog, Museum der Moderne Salzburg

Museum der Moderne Salzburg - Charlotte Salomon. Life? or Theatre? - 11.07.2015 - 18.10.2015

Website & source : Museum der Moderne Salzburg  DE - EN

Website : Salzburg  EN - DE - FR ......



4612 - BELGIË-BRUGGE - Zomerpresentatie met bruiklenen uit het Broelmuseum - 06.06.2015-18.10.2015


This summer, the Groeningemuseum is focusing on its own 18th and 19th century collection. Rococo, neoclassical, romantic, symbolist and naturalistic canvases are placed in the spotlight, along with a number of loans from the Kortrijk-based Broelmuseum. Besides works of Suvée, Odevaere and Dobbelaere, Kortrijk also loans an interesting 16th-century portrait of the Antwerp painter Adrian Key. This meticulously painted and highly detailed portrait wonderfully complements the Groeningemuseum’s own Renaissance collection.

Het Groeningemuseum focust deze zomer op de eigen 18de- en 19de-eeuwse collectie. Zowel rococo, neoclassicistische, romantische, symbolistische als naturalistische doeken worden in de kijker geplaatst, samen met enkele bruiklenen uit de Kortrijkse museumcollectie. Naast werken van Joseph Benoît Suvée, Josef Denis Odevaere en Henri Dobbelaere leent Kortrijk ook een interessant 16de-eeuws portret van de Antwerpse schilder Adriaan Key. Dit haarfijn geschilderd en uiterst gedetailleerd portret vormt een prachtige aanvulling op de eigen Renaissance-collectie.

Groeningemuseum - Zomerpresentatie met bruiklenen uit het Broelmuseum - 06.06.2015 - 18.10.2015

Website & source : Groeningemuseum    NL - FR - DE - EN - ES

Website : Brugge   NL - FR - DE - EN - ES


4611 - DEUTSCHLAND-BRÜHL - The World of Tim Burton - 16.08.2015-03.01.2016


Die Filme des amerikanischen Regisseurs, Produzenten, Autors und Künstlers Tim Burton (»Beetlejuice« (1988), »Big Fish« (2003), »Alice im Wunderland« (2010)) entführen seit über 30 Jahren in außergewöhnliche Welten an der Schwelle zwischen Traum und Realität. Seine Geschichten faszinieren und bewegen weltweit Millionen Menschen und machen ihn zu einem der eigenwilligsten Filmemacher in Hollywood. Während viele seiner Filme im populärkulturellen Bewusstsein tief verankert sind, ist sein bildkünstlerisches Werk weitestgehend noch zu entdecken.

Die Ausstellung »The World of Tim Burton« im Max Ernst Museum Brühl des LVR begibt sich nach Stationen in Prag, Tokio und Osaka zum ersten Mal in Deutschland auf eine Entdeckungsfahrt in die nichtfilmischen Ausdrucksformen des traumhaft-surreal arbeitenden Bild-Magiers. Über 500 Zeichnungen, Gemälde, Filmpuppen, Maquetten, Storyboards oder persönliche Dokumente breiten die Geschichten, Konzepte und Ideen der bizarren Vorstellungswelten dieses multimedial veranlagten Ausnahmekünstlers aus. Einer Reise in den Kopf des morbid-fantastischen Exzentrikers gleich, offenbart die groß angelegte Werkschau die Vielseitigkeit seines kreativen Schaffens und bietet einen spannenden Einblick in den künstlerischen Prozess seiner Ideenfindung.

Der Weg von der Kritzelei auf einer Serviette, über zahlreiche Konzeptzeichnungen bis hin zum Storyboard zeigt den sich oftmals über Jahre hinziehenden Entstehungsprozess von Figuren wie Jack Skellington oder Edward mit den Scherenhänden. Sie bilden das dichte Netzwerk, in dem sich Burtons Kreativität immer wieder eruptionsartig neu befruchtet. Die Hauptakteure – missverstandene Außenseiter, die gleichzeitig das Fundament für Filme wie »Batman« (1989) oder »Tim Burton’s The Nightmare before Christmas« (1993) bilden - bevölkern seinen häufig in düstere Farben und Stimmungen getauchten Bildkosmos. In ihnen begegnet man subversiven, spiegelbildlich-verzerrten Reflexionen über Popkultur, Andersartigkeit oder das Leben in amerikanischen Vorstädten.

Seltene Zeichnungen aus seiner Zeit bei Disney, Auseinandersetzungen mit der Psychologie von Mann, Frau und Geschöpf sowie eine Serie von Polaroidfotografien verdeutlichen die thematische und mediale Bandbreite seines Schaffens. Burtons Werke zu Themen wie dem Karnevalesken oder Feiertagen wie Weihnachten und Halloween demonstrieren die enge Verbundenheit mit populärkulturellen Inhalten. Sie lassen sich als Elemente eines einzigartigen Stils lesen, der weltweit als »burtonesk« bezeichnet wird. Gezeigt werden erstmals auch frühe Filme aus seiner Schul- und Studienzeit sowie seinen Jahren bei Disney, ergänzt durch Musikvideos, Werbeclips und die Animationsserie »The World of Stainboy«.

In seinen Zeichnungen und Gemälden vertraut Tim Burton seinem Gefühl mehr als seinem Intellekt. Das verbindet ihn mit den künstlerischen Strategien des Surrealismus, die den Kräften des Unbe-wussten nachspüren. Vor allem die Spontaneität im kreativen Prozess lässt an den von den Surrealisten genutzten Automatismus im Sinne der »écriture automatique« denken. Burtons Stil wurde mit dem Pop-Surrealismus, dem deutschen Expressionismus oder der Gothic-Kultur in Zusammenhang gebracht. Er selbst bekundet: »Ich mag es überhaupt nicht, den Dingen zu sehr auf den Grund zu gehen. Ich gebe einfach einem Gefühl nach, wo auch immer, wann auch immer. Deshalb versuche ich auch, stets ein Notizbuch dabeizuhaben.«

Timothy Walter »Tim« Burton wird am 25. August 1958 in Burbank, Kalifornien, geboren. Bereits im Teenageralter entwickelt er eine große Begeisterung für Horror- und Science-Fiction-Filme. Er dreht mit einer Gruppe gleichaltriger Kinoenthusiasten seine ersten Super-8-Filme. Ab 1977 wird er am California Institute of the Arts in Valencia, Kalifornien, zum Trickfilmzeichner ausgebildet. Er erhält eine Festanstellung bei Disney, wo er etwa an dem Zeichentrickfilm »Cap und Capper« (1981) mitarbeitet. Zur selben Zeit realisiert er dort die Kurzfilme »Vincent« (1982), »Hänsel und Gretel« (1983) sowie »Frankenweenie« (1984). 1984 verlässt er das Studio und widmet sich seiner Karriere als Filmemacher. In den folgenden Jahren entstehen Filme wie »Edward mit den Scherenhänden« (1990), »Mars Attacks! « (1996), »Sleepy Hollow« (1999) oder »Charlie und die Schokoladenfabrik« (2005).

Es erscheint ein Katalog mit 120 Seiten, zahlreichen, meist farbigen Abbildungen und Texten von Patrick Blümel, Tim Burton, Jenny He, Achim Sommer und Jürgen Wilhelm. Preis an der Museumskasse 24,80 €.

Die Ausstellung wird vom Max Ernst Museum Brühl des LVR und der unabhängigen Kuratorin Jenny He in Zusammenarbeit mit Tim Burton Productions organisiert.

Max Ernst Museum Brühl - The World of Tim Burton - 16.08.2015 - 03.01.2016

Website & source : Max Ernst Museum Brühl   DE

Website : Brühl   DE



4610 - BELGIË-LEUVEN - Plein Air - De School van Tervuren - 25.06.2015-13.09.2015


Lucien Frank. Bloeiende Boomgaard in Groenendaal © De Vrienden van de School van Tervuren

Vanaf 1870 is Tervuren een artistieke hotspot in onze streken. De Hertenberg, het hertogelijk kasteel, de holle bospaden en majestueuze dreven vormen er het gedroomde decor voor een nieuwe lichting kunstschilders: de School van Tervuren. Zij hertekenen de Belgische landschapsschilderkunst voorgoed. 

De vrije natuur in

Het Zoniënwoud, de prachtige natuur en de pittoreske vergezichten doen landschapsschilders hun atelier verlaten. Met palet en ezel trekken ze de open lucht in. Resoluut kiezen ze voor realisme.
“Vandaag kan je in Tervuren nog altijd wandelen langs de landmarks waar de schilders ooit hun schildersezel plaatsten.” 
Co-curator Marjan Debaene

Boulenger, de rijzende ster
Hippolyte Boulenger (1837, Doornik – 1874, Brussel) was de spilfiguur en baanbreker van de School van Tervuren. Zijn persoonlijke stemming merk je op zijn doeken. Dreiging, angst en paniek, maar ook vreugde en hartstocht stralen van de schilderijen.

Op deze overzichtstentoonstelling zie je doeken van Boulenger, Lucien Frank, Joseph Coosemans, Isidore Verheyden, Guillaume Vogels en andere uitblinkers.

Curatoren: Peter Carpreau, Marjan Debaene en Herman De Vilder
Museum M - Plein Air - De School van Tervuren - 25.06.2015-13.09.2015
Website & source : Museum M       NL - FR - EN
Website : Leuven   NL - EN - FR- DE

4609 - DEUTSCHLAND-BONN - Frank Auerbach - 04.06.2015-13.09.2015


Bild und Headerbild oben (Detail): Frank Auerbach, The Origin of the Great Bear 1967/68, Ölfarbe auf Holz, 114,6 x 140,2 cm, Tate Britain

Der 1931 in Berlin geborene und seit 1939 in Großbritannien lebende Frank Auerbach zählt gemeinsam mit Francis Bacon und Lucian Freud zu den zentralen Malerpersönlichkeiten der ‚School of London’, die, bei aller Unterschiedlichkeit ihrer Protagonisten, durch eine expressiv-gegenständliche Bildsprache charakterisiert werden kann. In Opposition zum modernistischen Dogma der Abstraktion hält gerade Auerbach an der Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit fest, deren Abbild dem Künstler nicht einfach zufällt, sondern in langen Arbeitsprozessen errungen werden muss. Das gilt für seine Stadtbilder – die sein Londoner Lebensumfeld festhalten –, vor allem aber für seine Menschen­darstellungen, seine Porträts, die im Zentrum des Werks stehen. Obwohl ihnen die Krise und die Ge­fährdungen des Subjekts anzusehen sind, gelingt es Auerbachs pastosen Porträts doch ein fragiles und ephemeres, gänzlich unheroisches Menschenbild zu skizzieren, was seiner Kunst ein zutiefst huma­nistisches Pathos verleiht. Ähnlich wie beim späten Rembrandt geht es darum, die Spuren eines gelebten Lebens zu bewahren, im Wissen um die Vergänglichkeit zäh gegen sie anzumalen.

Dass solch eine künstlerische Haltung durch die tragischen Ereignisse des 20. Jahrhunderts geprägt ist, steht ganz außer Zweifel. Nur knapp entgeht Auerbach als Kind dem Holocaust, dem seine Eltern zum Opfer fallen. In England findet er eine zweite Heimat, wo er einen - fast möchte man sagen ‘kontinentalen’ -, an Rembrandt und am Expressionismus geschulten Stil entwickelt. Erst in mittleren Jahren erfährt er eine breitere Rezeption, die sich unter anderem in der Verleihung des ‘Goldenen Löwen’ der Biennale von Venedig (1986) ausdrückt. Spätestens seit diesem Zeitpunkt ist Auerbach ein anerkannter und renommierter Künstler, der durch internationale Ausstellungen geehrt wird. In Deutschland allerdings waren seine Werke lange nicht zu sehen, ein Rezeptionsdefizit, das das Kunstmuseum Bonn nun durch eine große Überblicksausstellung ausgleichen wird.

Zur Ausstellung entsteht ein umfangreicher und reich illustrierter Katalog mit einem einführenden Essay von T.J. Clark.

Eine Ausstellung in Kooperation mit der Tate Britain.

Kunst Museum Bonn - Frank Auerbach - 04.06.2015-13.09.2015

Website & source : Kunst Museum Bonn    DE - EN

Website : Bonn   DE - FR - EN - ES



4608 - BELGIË- ANTWERPEN - The Welfare State - 29.05.2015-27.09.2015


Anne-Mie Van Kerckhoven, Coromandel, disturbed 1 and 2, 2015, photo M HKA, Collection of the artist and Zeno X Gallery, Antwerp
The welfare state is an abstract notion. But also very concrete. Political, but also bureaucratic. What does it have to do with art?
The welfare state operates with regulations, rights and obligations that apply to everyone in the same way, requiring individuals to identify themselves as members of society first and foremost. In this sense, the welfare state is the antithesis of art. Many artists support the welfare state in both theory and practice, and they are fascinated by rules as such, but they have little interest in following rules formulated by others than themselves …

The welfare state is an emancipatory political project, although it was first invented as a way of keeping class struggle and revolution at bay. It is hard to disassociate the European welfare state from the darker elements of recent history, such as militarism, colonialism and the degradation of the natural environment. Yet the welfare state, as a model for social cohesion and political stability, is now gaining ground in new parts of the world, notably in East Asia.

The exhibition The Welfare State does not look back with nostalgia at the welfare state in its ‘classical’ form as a utopian blueprint for an egalitarian (and homogenous) society in postwar Western Europe. It does not invite artists to ‘illustrate’ political and social engagement. But it does ask some fundamental questions. What is the ‘imaginary’ of the welfare state? Does it have a ‘form’? Can it be ‘shown’?

The Welfare State contains new and existing works by eight artists of different generations: Francisco Camacho Herrera (Colombia/The Netherlands, 1979), Josef Dabernig (Austria, 1956), Kajsa Dahlberg (Sweden, 1973), Róza El-Hassan (Hungary/Syria, 1966), Donna Kukama (South Africa, 1981), Artūras Raila (Lithuania, 1962), Anne-Mie Van Kerckhoven (Belgium, 1951) and Stephen Willats (England, 1943). It also contains visual and textual material from the four cultural archives in Flanders: Amsab and the Liberal Archive in Ghent, KADOC in Leuven and ADVN in Antwerp.

The exhibition is both explicitly and implicitly socio-political, and raises topics of relevance to the current situation in the world, such as the communication between citizens of different socio-economic status (Willats), the social implications of artificial intelligence (Van Kerckhoven), the changing status of labour (Dahlberg), the rise of the European far-right (Raila), the plight of refugees from the civil war in Syria (El-Hassan) or a possible shift to a non-monetary economy (Camacho Herrera).

The Welfare State
is accompanied by a printed publication, and by an ambitious discursive programme. During the spring of 2015 M HKA organises a series of public seminars in collaboration with the researchers at the Herman Deleeck Centre for Social Policy at the University of Antwerp. Public forums are organised on 30 May 2015 at Cinema Zuid in Antwerp, in collaboration with CAHF (Contemporary Art heritage Flanders) and in September in Brussels, in collaboration with the Flemish-Dutch House deBuren.

MUHKA - The Welfare State - 29.05.2015-27.09.2015

Website : MUHKA      NL - FR - EN

Website : Antwerpen


4607 - FRANCE-METZ - Leiris & Co. Picasso, Masson, Miró, Giacometti, Lam, Bacon…- 03.04.2015-14.09.2015


Francis BACON, Portrait of Michel Leiris, 1976
Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris
© The Estate of Francis Bacon / All rights reserved / ADAGP, Paris 2014
© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Bertrand Prévost

Au croisement de l’art, de la littérature et de l’ethnographie, l’exposition consacrée à Michel Leiris (1901-1990) est la première grande exposition dédiée à cet intellectuel majeur du xxe siècle. Pleinement mobilisé par les questionnements et idéaux de son temps, Leiris fut tout à la fois poète, écrivain autobiographe, ethnographe de métier et ami intime des plus grands artistes et écrivains de son temps.

À travers près de 350 œuvres dont de nombreux chefs-d’œuvre des artistes qui lui furent proches (Joan Miró, André Masson, Alberto Giacometti, Pablo Picasso, Wifredo Lam, Francis Bacon…), des objets et oeuvres d'art africains et antillais, ainsi qu’un riche corpus d’archives et documents originaux (manuscrits, livres, films et musique), il s’agit non seulement de rendre compte des multiples facettes de la figure de Leiris, de ses passions et de ses engagements, mais également de souligner le caractère novateur de son œuvre et la pertinence de sa pensée : Michel Leiris est devenu, dans le contexte de la mondialisation et des études postcoloniales, une référence contemporaine essentielle.

Influencé dès l’enfance par Raymond Roussel et se situant en marge du surréalisme, Leiris s’éloigne du mouvement pour rejoindre la revue dissidente Documents autour de Georges Bataille. La quête de sa propre identité s’associe à une soif de dépaysements et d’altérité. Il s’initie aux méthodes de la recherche ethnographique en participant, en tant qu’archiviste, à la première mission ethnographique française en Afrique, conduite par Marcel Griaule : la « mission Dakar-Djibouti » (1931-1933), au cours de laquelle il écrit L’Afrique fantôme, hybride de journal de terrain et de récit autobiographique. Après la guerre, il se rend aux Antilles en compagnie d’Alfred Métraux, qui lui fait découvrir les rites vaudou. Aficionado de corrida, il est tout autant passionné de jazz, d’opéra et de spectacle, qui sont pour lui des « terrains de vérité ». Devenu ethnographe professionnel, africaniste au Musée de l’Homme, il est à l’initiative du premier ouvrage sur la Création plastique de l’Afrique Noire.

Son œuvre littéraire compte parmi les plus novateurs du siècle dernier : auteur de L’Âge d’homme et des quatre volumes de La Règle du Jeu, Michel Leiris a révolutionné le genre de l’autobiographie.
Poète explorateur passionné des jeux de langage, il revendique aussi pour la littérature une esthétique du risque (« De la littérature considérée comme une tauromachie »). Engagé dès les premières heures dans la lutte anticoloniale et antiraciste, devenu homme public et militant, il reste avant tout écrivain solitaire. Michel Leiris est inclassable : figure libre éminemment complexe et paradoxale, sa modernité s’impose aujourd’hui encore plus qu’hier.

Un catalogue coédité par le Centre Pompidou-Metz et les éditions Gallimard accompagne l’exposition.

Un colloque organisé en collaboration avec le musée du quai Branly se tiendra les 10 et 11 septembre 2015 à Metz et à Paris.

L’exposition Leiris & Co. est réalisée en partenariat avec le musée du quai Branly et la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet.

Centre Pompidou-Metz - Leiris & Co. Picasso, Masson, Miró, Giacometti, Lam, Bacon…- 03.04.2015 - 14.09.2015


4606 - BELGIË- SINT-AMANDS - 'Fleurs fatales / Poëzie van de liefde' - 07.06.2015-29.11.2015


De liefdespoëzie neemt in het oeuvre van Emile Verhaeren (1855-1916) een heel aparte plaats in. Zij behoren tot zijn meest persoonlijke gedichten opgedragen aan zijn vrouw, de kunstenares Marthe Massin. Hij publiceerde drie bundels die een soort levenscyclus van de liefde vormen: Les Heures claires, Les Heures d'après-midi, Les Heures du soir. Deze tentoonstelling presenteert eerste drukken, bibliofiele uitgaven, vertalingen, partituren, foto's en precieuze documenten. Tegelijk worden de stillevens van Marthe Massin getoond.

Als contrapunt worden deze schilderijen samengebracht met een reeks van gebroken vazen gemaakt door fotograaf Jan Agten.

Provinciaal Museum Emile Verhaeren - 'Fleurs fatales / Poëzie van de liefde' - 07.06.2015-29.11.2015

Website & source : Provinciaal Museum Emile Verhaeren   NL - FR

Website : Sint-Amands   NL


4605 - SPAIN-VALENCIA - Constructing New Worlds - The historic avant-gardes in the IVAM Collection (1914 - 1945) - 12.03.2015-10.04.2016


Laszlo Péri | Raumkonstruktion nº 7 | 1922

This show offers a new view of twentieth-century art in the Permanent IVAM Collection, based on a careful selection of fundamental works of the historic avant-garde between 1914 and 1945.

As a result of their ground-breaking nature, after over a century these works still represent a paradigm of avant-garde art, establishing a new formulation of the conception and process of art.

The exhibition analyses the spirit and essence of the avant-garde and how it was expressed in the development of the theories of the various art movements that emerged during this period.

IVAM - Constructing New Worlds - The historic avant-gardes in the IVAM Collection (1914 - 1945) - 12.03.2015-10.04.2016


4604 - BELGIË-ELSENE-BRUSSEL - Henri-Victor Wolvens. From darkness to light - 25.06.2015-20.09.2015


 Henri-Victor Wolvens

Close to Ensor and Permeke, the painter Henri-Victor Wolvens (1896-1977) devoted his career to the infinite variations of light, colour and material.   At his Brussels debut, he was secluded in a monochrome world of dark and muted shades.  But the North Sea inspired an explosion of colour with an everlasting force.  A sparkling exhibition to dazzle your eyes this summer.

I painted a water jet, a large canvas where I finally summoned up this magic ...  something that goes beyond painting or water vapour, a crowning moment.  It was that part of the earth in all its glory, reaching to the sky then crashing, scattering.  Gleaming water trickling, dazzling firework water, luminescent.  A Eureka moment!  This was it, it was beyond painting, it was light. […] Oh light that makes everything beautiful!  ... The light ... Is it golden?  Blue?  Silver?  This is no colour ... It happens and transfigures.

Henri-Victor Wolvens
He loved clay, he liked the colour.  He loved life, the passing days, children, crowds.  He loved sunshine and the sea.
Throughout his life, Henri-Victor Wolvens painted the same subjects from a variety of starting points, pleasures and emotions.  And if in the beginning, he favoured dark tones, deep browns and blacks, his palette brightened as he travelled, inspired by the knowledge and excitement he found on the way.
Holidays in the South of France flooded his canvas with a frenzied exuberance reminiscent of Van Gogh, whom he admired.  From the North Sea he miraculously extracted the hidden shimmers of a radiant light.
As a colourist, Wolvens implied the essence of his subjects and was never afraid to confront the earth’s restless colours, aromas and spirit.
He viewed the crowds as mobile scenery on the beaches of the North Sea and appreciated them as much as the sky, sand, sun and summer sensations, exploiting tones and pulsations of changing light.  Wolvens was equally interested in off-season abandoned beaches with its solitary individuals, children and old men.
His portraits of the elderly date back to his early work, demonstrating the emotional gaze of those with an expression showing a life lived and a life passed by.
With his life ahead of him, he experienced his first conquered joys and learned to externalise jubilation in candid tones.
A painter at heart, Henri-Victor Wolvens was also, in essence, a painter of the soul.
His energetic paintings are evidence of a sensitive artist making his small and modest mark on the world, without any need for ostentatiousness.

Rohger Pierre Turine, curator

Museum van Elsene - Henri-Victor Wolvens. From darkness to light - 25.06.2015-20.09.2015

Website & source : Museum van Elsene    NL - FR - EN

Website : Elsene     NL - FR


4603 - GERMANY-HANNOVER - Mental Diary - 06.06.2015-23.08.2015

Dietmar Lutz »Parents (Still)«, 2014
Acrylic on canvas,
200 x 150 cm
In »Mental Diary« six artists from different generations reflect on their everyday lives in photographs, drawings, paintings, and films. Subjective observations and experiences are captured and archived in a range of different positions and transposed into individual artistic vocabularies. Through this interaction between »I« and the »world«, between individual perceptions and external reality, the exhibition presents different forms of engaging in and recording daily routine. These range from autobiographically intoned attempts to de-fine a given place or time—in which personal identity is negotiated through ordinary situations—to momentary impressions offering a view and commen-tary on a contemporary political, social, or cultural condition.

In the 1980s Sol LeWitt (*1928 in Hartford, USA / †2007 in New York) created a self-portrait by assembling photographs of the objects surrounding him in his home and studio; his artist book Autobiography (1980) is a 128-page typologi-cal archive of photographs that catalogue his immediate environment. LeWitt uses photography as a medium for a kind of stocktaking. The stringent formalism and serial organization of this work is also a reflection of his conceptual under-standing of art.

Like the work of LeWitt, the diary films of Jonas Mekas (*1922 in Biržai, Lithua-nia, lives in New York) function as key reference works that are reexamined in the context of the exhibition. Mekas is one of the most influential figures in twentieth-century experimental film. His film As I was moving ahead occasionally I saw brief glimpses of beauty (2000) is paradigmatic of his work, offering a cutback to the erratic, fragmentary memories of an over eighty-year-old artist, who has assem-bled this immediate visual documentation gathered with a hand-held camera over a period of almost 30 years into intuitive narratives—producing moments of fleet-ing beauty in the process.

The natural fusion of art and life also characterizes the paintings of Dietmar Lutz (*1968 in Ellwangen, lives in Düsseldorf). With the direct gaze of the flaneur, Lutz skillfully uses rapid strokes of the paintbrush to capture impressions of his social surroundings, studio, apartment, and travels on canvas. The artist produces meta-phorical snapshots of private realms. At the same time, his paintings are insightful observations that draw on art historical references and ultimately reflect on his own role in the world.

In his sharp-witted, anarchistic drawings made with an economy of line, Dan Perjovschi (*1961 in Sibiu, Romania) comments on random encounters and con-temporary events in local and international (cultural) politics. Using a range of humorous intonations, the painter reduces complex thoughts and perceptions to distilled visual commentaries, which he first recorded in notebooks and then trans-ferred to the walls of the Kunstverein.

The photographs of Ketuta Alexi-Meskhishvili (*1979 in Tiflis, Georgia, lives in Berlin) combine images from public and private contexts. The artist creates orna-mental arrangements using images of flowers, foliage, buildings, friends, and relatives. The resulting abstract compositions are impossible to fully decode and instead unfold their impact through an atmospheric quality. For the Kunstverein Hannover the artist has produced a poetic installation with printed curtains that play on the classical theme of the interior and its metaphorical significance.

In Christiane Möbus’ (*1947 in Celle, lives in Hannover) series of photographs “gestiefelte Katze” (Puss in Boots), which she has been developing since the 1970s, the artist records her feet and their immediate surroundings. A similar photographic notation of the everyday and personal geography is the work Bay-reuth (2000/05), which functions in dialogue with the site-specific floor work “Ansichtssache” (A Matter of Perspective) (2015), a world map suggesting a wealth of associations, in which letters of the alphabet float like icebergs as reflec-tions on the localization of the self and the Other.

The unique architecture and series of exhibition rooms in the Kunstverein provide an exhibition experience that offers as a rich, poetic path through diverse views on life as seen from six individual artistic positions shown in sequence.

Kunstverein Hannover - Mental Diary - 06.06.2015-23.08.2015

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