BELGIË - HASSELT - De kleren van de keizer. Kleding in sprookjes

.

Kleding is in sprookjes zeer belangrijk. Van de baljurk van
Assepoes tot de nieuwe kleren van de keizer. Illustratoren van sprookjesboeken besteden dan ook veel aandacht aan kleren.

Het Literair Museum ging nog een stapje verder en liet een aantal jurken en kostuums in het echt maken, onder leiding van modeontwerpster Anita Evenepoel. Deze kleren vormen het hart van de tentoonstelling, samen met de topillustraties van internationaal bekende illustratoren als Carll Cneut, Thé Tjong-Khing, Charlotte Dematons, Lisbeth Zwerger en Rébecca Dautremer.

De tentoonstelling is interessant voor kinderen én volwassenen.

Kinderen en jongeren gaan op ontdekkingstocht met een speurtocht, aangepast aan de leeftijd. Aan een kaptafel smukken zij zich op met de juiste accessoires en stappen zo in de rol van een echt sprookjesfiguur.

Tijdens de duur van de tentoonstelling worden er allerlei publieksevenementen gepland: voorstellingen, workshops, lezingen, ...

Literair Museum   20.11.2011 - 20.10.2012

Website & bron : Literair Museum

Website : Stad Hasselt

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - METZ - Ronan & Erwan Bouroullec, Bivouac

.

Pensée comme un Bivouac merveilleux, l’exposition consacrée aux designers Ronan & Erwan Bouroullec en Galerie 3 du Centre Pompidou-Metz présente sur plus de 1000 m² les réalisations et les recherches de près de quinze années de travail commun. Cette première grande exposition monographique en France souligne un parcours exceptionnel international, ponctué de collaborations avec les plus grands éditeurs de design, salué par une présence de leurs réalisations dans les collections publiques et distingué par de nombreux prix.

L’exposition – conçue comme un campement temporaire - est réalisée sans le support d’aucun élément scénographique autre que le travail des designers: elle est rythmée par des jeux d’échelle, de transparence et de superposition de leurs créations. Le visiteur est invité à déambuler librement dans cet espace, entre projets de recherche et objets finis, productions industrielles ou artisanales. Bivouac met en évidence la grande variété des créations, des économies de production et aborde des concepts clés de leur recherche: nomadisme, éphémère, modularité, inspiration organique, liberté des usages et des fonctions.

Loin d’être un bilan ou une rétrospective, cette présentation traduit l’état de leur travail et de leurs recherches, en constante évolution.

Cette première exposition monographique proposée par le Centre Pompidou-Metz met à l’honneur le design, une discipline fondamentale et féconde de la création contemporaine, territoire de recherche à la jonction de l’expérimentation et du quotidien. Elle souligne, dans la lignée du Centre Pompidou, la volonté d’embrasser « l’art sous toutes ses formes », pour permettre aux visiteurs de découvrir un large spectre de la création.

Centre Pompidou Metz      2011.10.07 - 30.07.2012

Website & source : Centre Pompidou Metz

Website : Ville de Metz

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - BRUGGE - Snapshot 1

.

Fotografe Daphne Titeca en het Brugse revuegezelschap Zonnestraal


‘Snapshot’ is een reeks foto-expo’s rond feestelijke gebeurtenissen, ambachtelijke vaardigheden, bijzondere traditities en andere vormen van Brugs immaterieel cultureel erfgoed.

De revue ontstond als genre in Frankrijk in de 19de eeuw. Ook in Brugge was het showgebeuren in het theater toen al populair. Het eerste echte revuegezelschap vloeide voort uit de toneelvereniging ‘Willen is Kunnen’. Tijdens het intermezzo van één van hun stukken in 1947 traden voor het eerst twee als vrouw verkleedde mannen op: Stiene en Stance. Hun satirische kijk op het Brugs sociaal gebeuren kende zo’n succes dat ‘Willen is Kunnen’ besloot op die weg verder te gaan: revue in het Brugs, met Brugse zangers, acteurs, volksfiguren en de Brugse actualiteit centraal.

Het ‘Brugs Narrenschip’ vanaf 1961, ‘Zonnestraal’ vanaf 1976 en ‘Phenix’ begin jaren ’80 lieten de revue bloeien. Vandaag brengt enkel ‘Zonnestraal’ het publiek nog aan het lachen met de huwelijksperikelen van Alida en Medard en hun bijzondere vrienden.

Daphne Titeca (°1981) studeerde aan het KASK in Gent. Haar foto’s vertellen een verhaal. Volgens haar zijn het de mensen en de kleine momenten die de revue maken: repeteren, kostuums passen, wachten en omkleden, de kou achter de coulissen, de gang tussen de kleedkamers en het podium, de stress vóór en de ontlading na de show. Haar foto’s zijn hier een weerspiegeling van.

Bruggemuseum-Volkskunde   10.12.2011 - 04.03.2012

Website & bron : Erfgoedcel Brugge - Bruggemuseum-Volkskunde

Website :Brugge

FIC123.BE een website met info en cultuur

DEUTSCHLAND - BRÜHL - Niki de Saint Phalle - Spiel mit mir

.

Niki de Saint Phalle, Monkey, um 1960/61, Sammlung Niki Charitable Art Foundation, Dauerleihgabe im Sprengel Museum Hannover, © 2012 NIKI CHARITABLE ART FOUNDATION, All rights reserved. Foto: © Laurent Condominas.





Niki de Saint Phalle (1930-2002) zählt mit ihrem umfangreichen Schaffenswerk wohl zu den bedeutendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. Sie hat ein faszinierendes Werk hinterlassen, dessen Einfalls- und Abwechslungsreichtum seinesgleichen sucht. Bereits die frühen Gemälde der 1950er Jahre, die sich u.a. an naiver Malerei orientieren, sowie die Assemblagen, in denen die Künstlerin Anfang der 60er Jahre alltägliche Gegenstände zu bunten Klebebildern kombiniert, sind Ausdruck dafür. Ausgehend davon entwickelt sie die sogenannten Schießbilder, in denen sie ihre bewegte Biografie verarbeitet. Die mit Farbbeuteln präparierten und mit einem Gewehr beschossenen Reliefs sind jedoch nicht nur ein aggressiver Akt der Zerstörung, sondern bilden zugleich Möglichkeiten neuer Bildfindungen.

„Ich umarmte die Kunst als meine Erlösung und Notwendigkeit." (Niki de Saint Phalle)

Nachdem Niki de Saint Phalle 1953 im Alter von 23 Jahren einen Nervenzusammenbruch erleidet, findet sie im Zuge der therapeutischen Behandlung zur Malerei und entscheidet sich, künstlerisch tätig zu werden. Fortan nutzt sie ihre Kreativität als Ventil, um ihre Erlebnisse auf unterschiedliche Weise zu verarbeiten. Ihre Kunst wird zu einem persönlichen Befreiungsschlag, aber auch zu einem fantastischen Spiel, in dem sich ihr Leben in bizarren Gestalten und traumhaften Welten widerspiegelt und für den Betrachter greifbar wird.

Das Max Ernst Museum Brühl des LVR zeigt in einer konzentrierten, retrospektiven Schau eine Auswahl der von Guido Magnaguagno in der Kunsthalle Würth in Schwäbisch Hall kuratierten Ausstellung „Niki de Saint Phalle – Spiel mit mir". Unter besonderer Berück-sichtigung des bislang wenig beachteten Frühwerks wird das fast 50 Jahre umfassende Œuvre der in Neuilly-sur-Seine/Paris geborenen und im kalifornischen San Diego gestorbenen Künstlerin exemplarisch beleuchtet. Niki de Saint Phalles kindlich verträumte Arbeiten vermögen den Betrachter auf Anhieb zu begeistern und in eine eigene Welt zu entführen.

„Ich glaube an eine große kreative Kraft, die größer ist, als wir uns vorstellen können." (Niki de Saint Phalle)

Im Titel der Ausstellung „Spiel mit mir", der eines ihrer ersten Bilder zitiert, spiegelt sich der Wunsch der Künstlerin wider, den Betrachter einzubeziehen. Er kann als eine Aufforderung an den Einzelnen verstanden werden, mit der Kunst in Kommunikation zu treten. In ihren Gemälden, Schießbildern und Assemblagen sowie Skulpturen, Graphiken und Architekturprojekten erforscht Niki de Saint Phalle auf vielseitige Weise ihre ganz individuellen Ausdrucksmöglichkeiten und prägt mit ihrer Formensprache unseren Blick auf eine „weibliche" Kunst. Insbesondere ihre Nanas verkörpern dabei die Suche nach einer ursprünglichen Repräsentation des Körpers der Frau und sind stark mit den frühesten erhaltenen Zeugnissen von Fruchtbarkeitsdarstellungen verbunden.

Max Ernst Museum  15.01.2012 - 03.06.2012

Website : Max Ernst Museum

Website : Brühl

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - ANTWERPEN - Esthétique Moderne

.

Heb je altijd al meer willen weten over de kunstproductie tijdens de belle époque en het interbellum? Of ben je benieuwd naar het productieproces van zilver? Dan is deze tentoonstelling beslist iets voor jou!

De tentoonstelling draagt het label “Made in Belgium”. Alle gepresenteerde zilveren creaties zijn van Belgische ontwerpers. De art-nouveau- en art-decovoorwerpen worden samen met modellen, ontwerpen en foto’s tentoongesteld en geven een nieuwe kijk op de periode 1885–1945. Een bijzonder woelige periode met de oprichting van Kongo-Vrijstaat, twee wereldoorlogen, een beurscrash, maar ook een tijd van technologische vooruitgang. Al deze gebeurtenissen hebben een impact op ontwikkelingen in de edelsmeedkunst.

Belgische zilverfirma’s verkopen hun producten niet alleen in eigen land, maar exporteren ze ook naar Duitsland, Frankrijk, Afrika en Amerika. Het Belgisch zilverdesign is bovendien goed vertegenwoordigd op internationale tentoonstellingen van Moskou over Milaan tot New York. Wist je trouwens dat de eerste Wereldtentoonstelling op het Europese vasteland in Antwerpen plaatsvond?!

Naast wereldtentoonstellingen komen commerciële netwerken, ateliers en ontwerpstudio’s aan bod. Zowel personeelsleden als vaste klanten van zilverfirma’s als Delheid, Wolfers en Wiskemann krijgen een gezicht. De tentoonstelling ‘Esthétique Moderne’ brengt de samenwerking tussen edelsmeden en kunstenaars uit andere disciplines, zoals beeldhouwkunst, architectuur en glaskunst, in beeld. Dit doen ze niet alleen in functie van de realisatie van zilveren voorwerpen, maar ook voor de inrichting van winkels en huizen. Bekende namen als Victor Horta en Henry van de Velde passeren daarbij de revue.

De tentoonstelling ‘Esthétique Moderne’ presenteert Belgisch zilverdesign van internationaal topniveau uit eigen collectie. Aan de hand van affiches, verkoopcatalogi, tekeningen en historische beelden gidst het Zilvermuseum Sterckshof je door de periode 1885–1945 waarin decor en design esthetisch, vernieuwend, modern of zelfs revolutionair zijn.

Zilvermuseum Sterckshof        18.10.2011 - 09.04.2012

Website & bron : Zilvermuseum Sterckshof

Website : Antwerpen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DENMARK - COPENHAGEN - Henri de Toulouse-Lautrec - The Human Comedy

.

Henri de Toulouse-Lautrec depicted people and modern city living of the late 19th century, particularly as it was played out at the Parisian entertainment venues. The exhibition presents a sharply focused image of an artist whose depictions of the Parisian entertainment scene dissected and commented on modern existence by means of striking and groundbreaking effects.

The comedy’s stage, scenery and stars
Over the course of an intense period spanning around fifteen years Lautrec let himself become fascinated with and engulfed by city life, particularly on the Montmartre scene. In his works he would stage representations of the various types he came across: The lecherous bourgeois gentleman, the flaneur, the bohemian, the prostitute, the pimp, and many more. These were types associated with modern urban life, with the emerging culture of consumption, and the ceaseless pursuit of pleasure and gratification.

Exaggerated and caricatured features
In his renditions of urban types and the range of characters acting out their parts on the Parisian entertainment scenes Lautrec would simplify and exaggerate their features and facial expressions, highlighting their theatrical personas and archetypal traits.

Humorous distance and a sensitive insight
The exaggeration often adds aspects of humour and irony to the works, but also generates tension between distance and intimacy. The characters are exaggerated, yet also possess a sensibility and sensitivity that reflects Lautrec’s insight into the world he described.

We focus on the graphic works
The exhibition focuses its attention on Lautrec’s work within graphic media, including his groundbreaking posters. Lautrec did not attribute greater artistic value to painting compared to graphic art, even though the latter occupied a lower ranking within the overall hierarchy of the arts at the time. Quite the contrary: It would seem that his experiments within graphic arts had a knock-on effect on his painting.

High culture and popular culture - Lautrec was both
His graphic work is also distinctive in another sense. Through his work with illustrations and advertisements Lautrec abolished the boundaries between popular and highbrow culture. This places him among those early avant-garde artists who reached beyond the boundaries traditionally accepted by the arts.

Statens Museum for Kunst     17.09.011 - 19.02.2012

Website & source : Statens Museum for Kunst

Website : Copenhagen City Guide

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - LIEGE - Frénésie vénitienne. Le verre espagnol du 16e au 18e siècle.

.

À travers les coloris les plus éclatants, les formes et les décors allant de la simplicité à l’extravagance, le verre espagnol surprend et détonne dans la production européenne du 16e au 18e siècle. Plus de 200 œuvres sont sélectionnées, issues majoritairement de collections privées et du Musée Grand Curtius de Liège. Trois musées catalans (le Musée Cau Ferrat de Sitges, le Musée du Château de Peralada, le Musée épiscopal de Vic), le Musée du Verre de Düsseldorf et la Cité de la Céramique de Sèvres font également honneur à cette manifestation en prêtant des pièces étonnantes.



 Dossier pédagogique

Le Grand Curtius       18.11.2011 - 20.05.2012

Website & source : Le Grand Curtius

Website : Liège

FIC123.BE een website met info en cultuur

CROATIA - ZAGREB - SOCIALISM AND MODERNITY: Art, Culture and Politics 1950 - 1974

.

The exhibition Socialism and Modernity focuses on art, culture, and politics from the beginning of the 1950s to the mid-‘70s. Through a collection of nearly 300 objects – from artworks to pony bikes, from the first, brilliantly edited and illustrated children’s encyclopaedia published after World War II, to documentary material on neglected and endangered highlights of modern architecture – the authors of the exhibition develop a story of a very important and still controversial episode from our recent past.

Seeking answers to the question of how the global political Cold War setting and the Yugoslav version of socialism influenced the notions of modernity, modern art, architecture, design, and popular culture in Croatia and Yugoslavia, the exhibition investigates what the phrase "to be modern" meant during that period in the cultural and geo-political space of South-East Europe. They also examine the way in which that meaning was built into the local projections of reality, how it was related to the visions of modernity in other European countries and finally, to what extent the specific characteristics of Yugoslav social order have been determined by the trajectories of the modernization process and its relationship with art, culture, and politics.

Using objects in the museum's collection and from about 30 other private and public collections, the authors stress the regional and international dimension of the Croatian post-war art scene, recalling the openness and cosmopolitan atmosphere of '60s, when Zagreb was probably the most interesting centre of modern art and culture in Central and South-East Europe. To justify such a claim, works of art, architecture and design produced by Croatian artists between 1950 and 1974 are brought together with the artwork of artists from other cultural centres of former Yugoslavia and, where this was necessary and possible, with the artwork of artists from other European countries. Almost all of the art objects by foreign artists are in the possession of Croatian museums and are valuable elements of their collections that serve as reminders of a period imbued with exceptional creativity and intense cultural exchange with the rest of the world
 
Popular visual culture is included in the second part of the exhibition and on its own terms – as a product of modern urban life, as a type of visual discourse contesting high modernism's elitist culture and as a reference to the social, political and cultural circumstances conditioning the rejection of a modernist system of values at the end of the ‘60s and the beginning of the ‘70s. A new set of social values framing popular culture is additionally documented by fragments of TV documentaries, ads and news reels that simultaneously depict the appearance of consumerism and the emergence of a new social phenomenon - a youth culture that would already by the mid '70s become a true alternative to the official, high culture.

The exhibition will be supplemented by a richly illustrated brochure and a catalogue, and in the course of its duration a series of panel discussions, talks, and lectures will be held at various locations in the Museum of Contemporary Art.

Museum of Contemporary Art    12.02.2011 - 02.05.2012

Website & source: Museum of Contemporary Art Zagreb

Website : Zagreb Tourist Board

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - BINCHE - Samba etc. Carnavals du Brésil

.

Du carnaval brésilien, on connaît la samba entêtante, les danseuses parées de plumes et de paillettes, le vaste Sambodrome où Rio élit chaque année ses meilleures écoles de samba. Mais est-ce là tout ce qu’on peut en dire? Bien au contraire! Au-delà de ce carnaval, il en existe un autre qui se joue dans les rues, où se mêlent les déguisements les plus simples dans une allégresse générale, où l’on aperçoit les Bate-Bolas, «clowns» aux costumes imposants, où chacun déambule à la rencontre des blocos, groupes carnavalesques alliant bonne humeur et liberté totale.

Et ce carnaval à multiples facettes est loin de se limiter à la seule Rio de Janeiro: São Paulo, Salvador de Bahia, Santa Cruz ou encore Recife ou Olinda s’ébranlent elles aussi aux rythmes de l’axé, de la marchinha et du frevo, pour ne citer que les airs les plus enivrants.

Entre envers du décor et déconstruction des clichés, le Musée du Masque vous invite au Brésil, pour une immersion dans son carnaval.

L’exposition «Samba etc. Carnavals du Brésil» vous invite à plonger au cœur des carnavals du Brésil. D’abord avec les écoles de samba carioca et ses images d’Epinal, danseuses «emplumées» et chars démesurés, ensuite avec les blocos qui sillonnent les rues des grandes villes brésiliennes et les carnavals, peut-être plus méconnus, du Pernambuco et de Bahia, notamment. Bon carnaval!

Musée International du Carnaval et du Masque     29.10.2011 - 18.03.2012

Website & source : MUM

Website : Ville de Binche

FIC123.BE een website met info en cultuur.

UNITED KINGDOM - LIVERPOOL - The Art Books of Henri Matisse

.

An exhibition of art books by one of the greatest artists of the 20th century, Henri Matisse (1869-1954), on public display for the first time in the UK.

The exhibition comprises 63 framed original illustrations with text from four of Matisse’s most significant books, including his famous 'Jazz' (1947), one of the most celebrated artists’ books in the history of modern art.

These works are part of Bank of America Merrill Lynch’s extensive art collection, and have been loaned to the Gallery through the company’s Art in our Communities ® programme as part of a commitment to share its artworks with the wider public.

Also on display will be a number of artists’ books from the Walker Art Gallery's permanent collection by artists such as Ed Ruscha, Derek Boshier, Gilbert & George, Tom Phillips and Jeff Nuttall.

Walker Art Gallery        21.10.2011 - 15.04.2012

Website & source: Walker Art Gallery

Website : City of Liverpool

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - HARELBEKE - Antoon De Clerck - Schilderijen - tekeningen - affiches

.

Antoon De Clerck (°Deinze, 15-02-1923 - † Aalter 10-12-2001) kreeg een opleiding aan de academies van Deinze (1931-1937) en Gent (1938-1943). In 1945 kreeg hij de prijs Jeune Peinture Belge. In de periode 1946-1947 woonde en werkte hij samen met Hugo Claus te Sint-Martens-Leerne, maar ten gevolge van ziekte staakte hij zijn artistieke bezigheden. Gedurende korte tijd was hij directeur van de academie van Deinze en vervolgens van 1949 tot 1983 leraar Plastische Opvoeding. Na enkele korte heropflakkeringen legde Antoon De Clerck zich vanaf 1965 -binnen het klimaat van de Nieuwe Visie- opnieuw voluit toe op zijn schildersactiviteiten. Deze vernieuwende zienswijze van zijn jeugdvriend Roger Raveel en een aantal jonge kunstenaars uit de Leiestreek vertoonde gelijkenissen met de popart, doch tegelijk gebeurde een projectie van de beelden uit de alledaagse werkelijkheid tegenover de tijd en de ruimte. Antoon De Clerck was nauw betrokken bij de doorbraak van de Nieuwe Visie op de Vlaamse kunstscène als ontwerper van de catalogus voor het project in de keldergangen van het kasteel van Beervelde (1966-67), als deelnemer aan de manifestatie Dulciakunst te Zottegem (1969) en als organisator van de tentoonstelling Kunst-School-Omgeving te Deinze (1970). In 1969 ontving hij de Hoogelandprijs - Prijs van de Provincie West-Vlaanderen. In 1971 kreeg hij een speciale vermelding tijdens de Internationale prijs voor schilderkunst van de stad Knokke en in hetzelfde jaar ontving hij de bronzen medaille van de Europaprijs van de schilderkunst van de stad Oostende.

Bij de uitzuivering van de beelden uit zijn vertrouwde omgeving spitst Antoon De Clerck de aandacht toe op bepaalde onderdelen. Hem interesseert vooral de ruimtelijke structuur, het vatten van de beeldcomponenten binnen hun kosmisch verband alsook het aanwezig stellen van hun onzichtbare dimensie. Als gevolg van zijn grotere aandacht voor een sterk realistische voorstelling vanaf 1972 catalogeerde men hem (enigszins verkeerdelijk) bij het hyperrealisme. De trend naar een zich steeds verder terugtrekken binnen zijn biotoop leidde vanaf het einde van de tachtiger jaren tot een grotere verdieping en vergeestelijking. De voorbije 50 jaar kreeg zijn authentieke visie op mens en maatschappij -waarbij hij vanuit zijn optimistische levensvisie het gebeuren van alledag omvormt tot een droomwereld- gestaag en consequent vaste vorm. Vanaf de jaren negentig begint hij opnieuw zeer intens te schilderen. Het kleine maar kwalitatief hoogstaand oeuvre dat de kunstenaar tot stand bracht heeft sinds lang een vaste plaats verworven binnen de rijke traditie van de Vlaamse schilderkunst.

Antoon De Clerck overleed thuis op 10 december 2001, ten gevolge van een hartaanval. Zijn stoffelijk overschot rust in het columbarium op het kerkhof van Aalter.

Schilderijen van Antoon De Clerck bevinden zich vooral in privécollecties (zowel particuliere als bankinstellingen), maar ook in museale collecties o.a. in het Stedelijk Museum voor Actuele Kunst in Gent, het Provinciaal Museum voor Moderne Kunst (thans Mu.Zee) te Oostende, het Museum voor Schone Kunsten te Oostende, het Provinciaal Museum voor Schone Kunsten te Hasselt en het Museum van Deinze en de Leiestreek te Deinze.

De trends in de schilderkunst vertonen een logische golfbeweging. Nu eens is dat genre heel erg in of out, maar alles wordt ooit herontdekt. 10 jaar na zijn overlijden is het tijd voor een herontdekking van het schilderkunstig en tekenkundig oeuvre van deze integere en bescheiden kunstenaar. Het grootste succes kende Antoon De Clerck met zijn zogenaamde hyperrealistische werken uit de jaren '70. Zogenaamd omdat De Clerck niet zo vasthield aan deze benaming en omdat de niet-geschilderde vlakken dat hyperrealisme voor een deel opheffen en een suggestie creëren, een witruimte om zelf in te vullen.

Deze tentoonstelling is geen retrospectieve. Er wordt wel een aardige poging ondernomen om diverse aspecten van zijn oeuvre te laten zien: schilderijen (vanaf het prille begin tot de laatste reeks Barragànschilderijen), tekeningen, litho's, schetsen... en ontwerpen voor affiches.

Bibliotheek Harelbeke    5.12.2011 - 21.01.2012

Website & bron : Bibliotheek Harelbeke

Website : Stad Harelbeke

FIC123.BE een website met info en cultuur.

NEDERLAND - AMSTERDAM - Rubens, Van Dyck & Jordaens - Vlaamse schilders uit de Hermitage

Van 17 september 2011 tot en met 16 maart 2012 presenteert de Hermitage Amsterdam een indrukwekkende selectie uit de verzameling Vlaamse kunst van de Hermitage St.-Petersburg. Een magistraal overzicht van 75 schilderijen en circa 20 tekeningen, waaronder talrijke meesterwerken van de grote drie van de Antwerpse school: Peter Paul Rubens, Anthonie van Dyck en Jacob Jordaens en werken van bekende tijdgenoten.

Met 17 schilderijen en vele tekeningen krijgt Peter Paul Rubens (1577–1640) extra veel aandacht in de tentoonstelling. Hij was immers de belangrijkste, begaafdste en meest invloedrijke zeventiende-eeuwse Vlaamse schilder. Bovendien gold hij als een beminnelijk edelman, diplomaat en verzamelaar en was zijn atelier een goed geoliede onderneming. Hij was een fenomeen in zijn tijd, een homo universalis. Zowel zijn religieuze als zijn profane werken illustreren Rubens' ongeëvenaarde talent. Een van de hoogtepunten is de beroemde Kruisafneming (ca. 1618), waarin Rubens overtuigend en vol dramatiek het lijden van Christus uitbeeldde. Dit schilderij is nooit eerder uitgeleend.

Ook zijn invloed en navolging komen in de tentoonstelling ruim aan bod. Zo nemen de elegante en geraffineerde portretten van Anthonie van Dyck (1599–1641), Rubens' beste leerling, een zeer belangrijke plaats in. Hij schilderde rond 1638 de Engelse koning Karel I en zijn echtgenote, de Franse koningsdochter Henriette Maria. Van Dyck was toen al enkele jaren hofschilder van de koning en inmiddels tot 'sir' Anthony geridderd.

De derde grote meester van de Vlaamse school, Jacob Jordaens (1593–1678), was geen leerling van Rubens maar werd wel door hem beïnvloed. In imposante schilderijen laat hij de beschouwer meegenieten van de sprankelende Vlaamse levenslust. Zelfs zijn historiestukken kregen een Vlaamse sfeer.

Kwetterende vogels, zojuist geschoten wild en fleurige boeketten sieren de stillevens van Frans Snijders, genrestukken met het leven van alledag maakten David Teniers de Jongere beroemd. Er is een ontroerend familieportret van Cornelis de Vos. En nog vele andere belangrijke schilderijen van Vlaamse meesters zijn in volle pracht te zien.

Deze uitgelezen collectie komt voor het eerst naar Nederland. Veel van de geëxposeerde werken zijn in de achttiende eeuw verworven door Catharina de Grote. Ze behoorden tot excellente verzamelingen als die van Pierre Crozat en Heinrich von Brühl, door Catharina in hun geheel opgekocht. De meeste schilderijen werden vervaardigd in opdracht van kerken en wereldlijke opdrachtgevers in Antwerpen en andere Europese steden. Ze ontstonden tegen de achtergrond van de Tachtigjarige Oorlog en de contrareformatie. Die katholieke tegenbeweging van de reformatie zette kerken en particulieren aan om op grote schaal religieuze kunst te bestellen. De imponerende barokstijl van Rubens en zijn tijdgenoten bleek uitstekende propaganda voor de katholieke kerk, de aristocratie en de rijke burgerij.

Aan de hand van een audiotour, een film en computerprogramma's worden in de tentoonstelling de Vlaamse kunst en de geschiedenis van de Vlaamse kunstcollectie in de Hermitage St.-Petersburg uitvoerig belicht. Het bruisende Antwerpen van de zeventiende eeuw komt tot leven op een speciale expositiewand, waar met beeld en tekst schildersateliers, kerken en monumenten zijn aangegeven. Er verschijnt een catalogus met bijdragen van Russische en Vlaamse auteurs.

De tentoonstelling is mede mogelijk gemaakt door het Ministerie van OCW en het Ministerie van Financiën vanwege het toekennen van indemniteit.

Hermitage Amsterdam   17.09.2011 - 16.03.2012

Website  & bron : Hermitage Amsterdam

Website : Amsterdam

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - CHARLEROI - Bird’s eye view of… Regards sur une ville et une collection

.

Le Musée des Beaux-Arts ouvre sa saison avec une exposition collective rassemblant les oeuvres de 15 artistes contemporains belges et internationaux, en dialogue avec des oeuvres d’artistes de sa collection.


“Charleroi pourrait évoquer tout. Un désordre fait de rouille et de cendres, rayonnant de mystères et d’ombres. Charleroi est un fantôme, une comptine cruelle, une insaisissable adolescente. Charleroi est un paradoxe qui tient bon. On a trop dit sur les collines, la sueur et les gens. On a dit et rien dit, on a fait des images. Elles s’agglutinent en un collage infini… Charleroi absorbe, assimile, se métamorphose. On vit à Charleroi comme on marche en forêt. En déséquilibre. Il faut être un peu savant, poète au quotidien, légèrement à distance. La ville est toujours ailleurs. De l’autre côté du miroir, elle tient pour elle le secret de la mélancolie.”
B.Dusart

Artistes représentés : Jacques Alsteen, Alain Bornain, Samuel Buckman, Andréas Bunte, Paul Casaer, Marie-Noelle Dailly, Félix de Boeck, Paul Delvaux, Audrey Finet, Agnès Geoffray, Jean De Lacoste, Marcel Leborgne, Karel Maes, René Magritte, Xavier Noiret-Thomé, Juan Paparella, Pierre Paulus, Mira Sanders, Emile Tainmont, Adrien Tirtiaux, Emmanuel Van Der Auwera, Hannelore Van Dijk, Raphaël Van Lerberghe, Fernand Verhaegen.

Organisée par l’espace d’exposition Incise en collaboration avec le Musée des Beaux-Arts de Charleroi, dans le cadre de Charleroi 1911-2011.

Musée des Beaux-Arts       14.10.2011 - 25.02.2012



Website & source : Charleroi Museum

Website : Ville de Charleroi

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - COLMAR - Sous les tilleuls, les modernes : de Monet à Soulages

.


Jacqueline De La Baume-Dürrbach, d'après Pablo Picasso, Guernica (1937), tapisserie de basse-lice, 1976, 3,30 x 7 m, musée Unterlinden, Colmar




L’accrochage «Sous les tilleuls, les modernes» met en lumière toute la richesse des chefs d’oeuvre des grands artistes de la collection d’art moderne et contemporain du musée Unterlinden. Un ensemble de 125 oeuvres est présenté, depuis la fin du XIXe siècle (Bonnard, Monet, Rodin) jusqu’au XXIe siècle, en passant par les représentants majeurs de l’abstraction d’après guerre (De Staël, Magnelli, Poliakoff, Soulages, Bram van Velde, Vieira Da Silva) et ceux de la figuration (Dubuffet, de Picasso et des surréalistes).

«Sous les tilleuls, les modernes» est l’ultime rendez-vous avec cette collection d’art moderne et contemporain avant l’inauguration de l’extension du musée colmarien, en novembre 2013. On pourra alors la redécouvrir dans l’écrin des anciens bains municipaux, dans la grande galerie et dans la nef contemporaine réalisées par le cabinet bâlois, Herzog & de Meuron.

Des impressionnistes à la seconde guerre mondiale
Du tournant du XXe siècle à la première guerre mondiale sont exposées des oeuvres d’artistes majeurs (Monet, Renoir, Rodin, Delaunay, Bonnard…) évoquant leur approche et leur conception nouvelles et singulières du corps, de la figure, de la nature et de l’art, mettant en avant leurs recherches sur la matière, la forme, lumière et la couleur. Les tensions engendrées par les grands conflits mondiaux suscitent des réflexions liées à l’identité humaine exprimées dans l’oeuvre et les portraits de certains des artistes de la collection du musée (Dix, Fautrier, Soutine, Zack…).

La tapisserie de Guernica
La tapisserie de Guernica, l’une des plus impressionnantes pièces des collections du musée Unterlinden, a été réalisée par Jacqueline de la Baume-Dürrbach d’après le chef d’oeuvre de Picasso.

Les dimensions des tapisseries sont inférieures (330 x 700 cm) à l’oeuvre peinte par Picasso (349 x 777 cm) pour s’adapter aux formats des métiers à tisser de l’époque.

Mise en regard avec d’autres peintres héritiers des cubistes (Baumeister, Bissière, Hélion, Léger), confrontée au Grand couple de Simone Boisecq et aux autres oeuvres de Picasso de la collection, la tapisserie de Guernica irradie par la puissance de son sujet et la force de sa réalisation.

Abstraits, surréalistes et héritiers du surréalisme, années 1970
Un espace est consacré aux artistes de la Nouvelle École de Paris (Manessier, Bazaine, Bissière) parmi lesquels figurent les peintres nationalistes qui se sont opposés pendant la guerre à l’idéologie nazie. Une autre section évoque les représentants de l’abstraction d’après guerre (Magnelli, Soulages, Atlan, Kupka, Vieira da Silva, Poliakoff), des surréalistes et de leurs héritiers (Victor Brauner, Boisecq, Lam, Alechinsky, Engelman…) et se termine avec les assemblages de Waydelich et Clavé qui témoignent de cette avant garde silencieuse, qui opère un retour à l’intime au début des années 1970. L’accrochage met en avant le fonds considérable d’oeuvres de Jean Dubuffet, entré dans les collections grâce au Legs Person en 2008.

Musée Unterlinden        1.10.2011 - 19.02.2012

Website & source : Musée Unterlinden

Website : Ville de Colmar

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - BRUXELLES - Bauhaus XX-XXI: Un héritage vivant - Photographies de Gordon Watkinson

.

Le Bauhaus

Fondé à Weimar le 1er avril 1919 par l'architecte Walter Gropius, le Bauhaus eut une influence considérable sur l'architecture et le design bien au-delà de la fermeture brutale de l'Ecole en 1933 et des frontières de l'Allemagne.

Rares sont les principes de création dans le domaine de l'architecture et du design, à avoir eu un impact aussi durable et à avoir autant imprégné notre quotidien.

Gropius et ses deux successeurs à la tête du Bauhaus : les architectes Hannes Meyer et Ludwig Mies van der Rohe, énoncèrent les principes qui allaient façonner le socle de l'architecture moderne.

Tous privilégiaient des formes classiques dépourvues d'ornementation superflue ; imprégnée de technique, leur approche visait à résoudre les problèmes posés alors par l'aménagement urbain, le logement et la production utilitaire en grande série.

Le dos résolument tourné à l'esthétique historiciste, le Bauhaus raisonnait bien au-delà des simples questions formelles ; le souci de fonctionnalité des objets et des réalisations architecturales, ainsi que le renoncement à tout détail ostentatoire, faisaient partie intégrante d'un programme de modernisation sociale qui cherchait aussi à abattre les barrières de classes.

L'exposition

L'exposition « Bauhaus XX-XXI: Un héritage vivant - Photographies de Gordon Watkinson » fait dialoguer une sélection des créations architecturales les plus emblématiques du Bauhaus, avec une série de projets réalisés par des valeurs montantes ou des ténors reconnus de l'architecture contemporaine, l'ensemble étant présenté sous la forme de séquences photographiques, signées par l'Américain Gordon Watkinson.

Au carrefour de l'architecture, du design et de la photographie, « Bauhaus XX-XXI » propose la première analyse à la fois théorique et visuelle de l'héritage du Bauhaus et pose un regard original sur les principes créatifs de ce mouvement, sur leur application à l'architecture et sur leur actualité dans le monde d'aujourd'hui – depuis l'emploi du préfabriqué pour un habitat abordable jusqu'aux prémices de l'architecture durable ou 'verte'.

À travers des images aux nuances bleutées, qui révèlent un attachement particulier pour les détails et les matières, le photographe Gordon Watkinson souligne l'exceptionnelle qualité des édifices construits entre 1923 et 1930, par Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Hannes Meyer, Georg Muche et Richard Paulick.

Écartant le superflu pour ne retenir de ses modèles que l'essentiel, Watkinson restitue le caractère intemporel de l'architecture moderne et met à jour des correspondances, tant formelles que conceptuelles, entre certaines des constructions les plus emblématiques du Bauhaus et des bâtiments récents, présentant une typologie similaire et conçus entre autres par les architectes : Allmann Sattler Wappner (Munich / Allemagne), Rolf Disch (Fribourg / Allemagne), Hanno Vogl-Fernheim (Innsbruck / Autriche), Galli & Rudolf (Zurich / Suisse), Graham Phillips (Denham, Royaume-Uni), RCR (Olot / Espagne), Sauerbruch Hutton (Berlin / Allemagne), Werner Sobek (Stuttgart / Allemagne) et Wingårdhs (Göteborg / Suède).

Le parti pris original adopté par Watkinson révèle tout ce que le XXIe siècle commençant doit encore aux idées et au langage formel du Bauhaus, 90 ans exactement après sa création.

Les photographies de Gordon Watkinson sont accompagnées de brefs textes théoriques et de dessins d'architecture. Une sélection de meubles et luminaires, rééditions du Bauhaus dessinées avant 1933 et encore fabriquées aujourd'hui, complète la présentation et permet au visiteur de juger sur pièce de l'intemporalité de ces objets du début du XXe siècle, dans un contexte contemporain.

L'exposition a été conçue par le photographe américain Gordon Watkinson, en collaboration avec Foto+Synthesis. Les douze bâtiments du Bauhaus ont été sélectionnés par Michael Siebenbrodt ; la sélection de leurs pendants contemporains a été confiée à Falk Jaeger qui a aussi rédigé les textes présentés dans l'exposition.

CIVA    23.10.2011 - 05.02.2012

Website & source : CIVA

Website : Bruxelles

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DANMARK - EBELTOFT - Venice. 3 Visions in Glass

.

Laura de Santillana - Bambu Vases




Venice, and in particular the island of Murano, is a place with strong traditions for glass making. For many centuries, the Italian maestros have kept secret and protected their knowledge about the many highly refined and demanding techniques, which characterize the world famous Venetian glass making.

Thus the three artists represented in the exhibition Venice. 3 Visions in Glass are extraordinary not only due to their distinctive work in glass but also for breaking from tradition. They work together with studios on Murano and are acknowledged worldwide for renewing form, aesthetics and techniques.

As Janet Koplos writes in the book, published in connection with the exhibition “each of the three [artists] brings to the work a non-standard approach: Laura de Santillana because she is a woman in what has been a man’s field. Yoichi Ohira because he is Japanese in Italy, and Cristiano Bianchin because he combines two contradictory materials. The artists thus escape convention in a way that few Murano craftsmen would choose to do – or even conceive of doing.”

Cristiano Bianchin was born in1963 in Venice. He graduated from Accademia di Belle Arti, Venice, in 1987, and made his first work in glass in 1992. Cristiano Bianchin combines glass with other materials and primitive figurines, inspired by African and native American culture. In his latest series of glass urns, he combines hand-blown glass with crocheted hemp and figurines into objects, which are both elegant and conceptual. Bianchin also makes large wall pieces, made from crocheted hemp, installations and works made of wood and paper.

Japanese born Yoichi Ohira (b.1946) has lived and worked in Venice for more than 35 years. He studied at Kuwasawa Design School in Tokyo, 1969, and Accademia di Belle Arti in Venice. His vessels combine Japanese aesthetics with traditional Italian techniques and colours into poetic pieces outside time and space. In his groundbreaking series Cristallo Sommerso he creates organic “torsoes” in clear glass.

Laura de Santillana (b.1955) was born in Venice and is the grandchild of the renowned founder of the Venini Glassworks, Paolo Venini. She graduated from the School of Visual Arts, New York, USA, 1975-77. Her blown objects in the series called Tokyo-ga are simple two or three coloured meditations on colour, form and surface, which are often compared with Mark Rothko’s abstracts paintings. Santillana’s works however, have a vibrancy which is not obtainable with canvas and paint. Lately she has developed a series of organic, metallic Meteors, which relate to fallen objects from the sky.

Venice. 3 Visions in Glass presents 91 works from the last 10 years made by three of the most significant contemporary artists working with glass today, made in collaboration with skilled craftsmen from Murano studios.

Cristiano Bianchin, Yoichi Ohira and Laura de Santillana are all represented in many international private and public collections and have received numerous prestigious awards for their groundbreaking works.

The exhibition has been arranged in collaboration with Barry Friedman Ltd., New York.

Glasmuseet Ebeltoft   15.10.2011 - 07.04.2012

Website & source : Glasmuseet Ebeltoft

Website : Ebeltoft Travel Guide

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Belgique - Hornu - Michel François 45.000 affiches. 1994-2011

.

Laurent Busine a choisi de consacrer l’exposition d’automne du MAC’s - Musée des Arts Contemporains du Grand-Hornu – à Michel François, artiste belge majeur présenté aujourd’hui dans le monde entier.

Les photographies de Michel François, et en particulier celles qu’il convertit en affiches disséminées à tous les vents et sans aucun commentaire, invitent le regardeur ou le passant à ne plus se suffire d’une connaissance de la vie par procuration, à troquer les images contre les sensations, la représentation contre l’expérience. Mettre la main à la pâte du monde, réinvestir les images de son propre regard.

La manifestation qui ne se veut pas rétrospective, est consacrée aux affiches grands formats qu’il réalise à partir de ses photographies. En effet, depuis 1994, à chaque nouvelle exposition une affiche est produite et offerte au public.Pour la première fois en Belgique, le musée a choisi de les rééditer dans leur ensemble, soit quelque 45 images (180 x 120 cm) tirées à 1000 exemplaires. Fidèle à la philosophie de l’artiste de permettre au public d’emporter avec lui des multiples de ses oeuvres, le MAC’s offre à chaque visiteur une des affiches exposées.

MAC's       23.10.2011 - 29.01.2012

Website & source : MAC's

Website : Hornu

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - BADAN-BADEN - Anselm Kiefer

.

Mit der Ausstellung im Museum Frieder Burda stellt Anselm Kiefer zum ersten Mal seit seiner Übersiedlung nach Frankreich in seinem ehemaligen Heimatland Baden-Württemberg aus. Anselm Kiefer gilt als einer der national wie international wichtigsten Künstler unserer Zeit. 1945 in Donaueschingen/Baden-Württemberg geboren, verbrachte er seine Schulzeit in Rastatt, wo heute in der städtischen Galerie Fruchthalle eine monumentale Holzschnittinstallation von ihm zu sehen ist. Er studierte Bildende Kunst an den Akademien in Freiburg, Karlsruhe und Düsseldorf. Von 1993 bis 2006 lebte und arbeitete er in Barjac im südfranzösischen Département Gard. Seit 2007 ist Anselm Kiefer in Paris ansässig, wo er 2010 als Professor an das Collège de France berufen wurde. 1999 wurde ihm in Tokyo der renommierte Praemium Imperiale verliehen. 2008 erhielt er den Friedenspreis des deutschen Buchhandels.

Gezeigt werden ausgewählte Arbeiten aus der Sammlung Hans Grothe: 33 großformatige Bilder aus 30 Jahren, mit Schwerpunkt auf dem letzten Jahrzehnt. Erstmals öffentlich gezeigt wird die Arbeit „Essence“ aus der aktuellen Serie der Alpenlandschaften. Die Verbindung zum Museum Frieder Burda stellt das Werk „Böhmen liegt am Meer“ (1995) her, das sich schon seit vielen Jahren in der Sammlung Frieder Burda befindet.

Im Fokus der Ausstellung steht das monumentale Bild „Der fruchtbare Halbmond“ (460 x 760 cm), eine Arbeit aus dem Jahr 2010, die auf die Zusammenführung von Abendland und Morgenland verweist und zum ersten Mal in Deutschland gezeigt wird. Kiefer thematisiert hier den Turmbau zu Babel und die Wiege unserer Kultur im fruchtbaren Zweistromland. Der Turmbau entzweite die Religionen und Sprachen, aber Kiefer glaubt an das ursprünglich Einigende: Die Grundmauern sind nicht mehr nur zerstört, sie sind auch im Aufbau begriffen. Die einstigen Kräfte des fruchtbaren Landes können belebt werden, der Zusammenhalt der unterschiedlichen Kulturen ist möglich.

Bei den Werken, die für die Ausstellung ausgewählt wurden, steht nicht die sonst oft als charakteristisch dargestellte Aufarbeitung deutscher Vergangenheit im Mittelpunkt, Hierzu erläutert der Kurator Walter Smerling, dass es „vielmehr die christlich-jüdischen, die mythologischen Themen sind, die dominieren. Auch das oftmals beschriebene Pathos in Kiefers Werken erscheint eigentümlich gebrochen, zurückgenommen und neutralisiert. Die Sammlung beeindruckt, ohne zu überwältigen, und lädt ein zur analytischen Reflexion.“ Von Anfang an bewegt sich Kiefers malerisches Werk zwischen Abstraktion und Figuration. Symbolträchtige Verbindungen entstehen aus Blei, Beton, getrockneten Pflanzen, Glas, Stacheldraht und anderen heterogenen Materialien. Durch zahlreiche pastose, farbig zurückhaltende Schichten erhält die Bildoberfläche eine reliefartige Struktur und führt damit zu einer fast skulpturalen Plastizität der Bilder.

Von den Werken Anselm Kiefers hat sich Hans Grothe auch nach dem Verkauf seiner umfangreichen Kunstsammlung nicht getrennt. Seine ersten Kiefer-Bilder erwarb er aus reiner Faszination und emotionaler Berührung; denn inhaltlich-rational haben sie sich ihm zunächst nur schwer erschlossen. Die Sammlung enthält Werke aus drei Jahrzehnten, die unverwandt durch ihre einzigartige Materialität, ihre stringente Aussagedichte und ihre auratische Intensität faszinieren, die sich insbesondere in der Gegenüberstellung der Arbeiten vermittelt.

Die Ausstellung entstand in enger Kooperation zwischen dem Museum Frieder Burda und der Stiftung für Kunst und Kultur e.V. Bonn.

Museum Frieder Burda       7.10.2011 - 15.01.2012

Website & source : Museum Frieder Burda

Website : Baden-Baden

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - OOSTENDE - Hedendaagsekunst in dialoog met Jean Brusselmans

.

Jean Brusselmans in dialoog met Jef Geys, Francis Picabia, Rodney Graham, Valérie Mannaerts, Jochen Lempert, Marc Nagtzaam, Christopher Williams, Philip Guston, Carol Bove, Marcel Broodthaers, Eugène Atget, Daniël Buren, Marc Camille Chaimowicz, Raoul De Keyser, Olivier Foulon, René Heyvaert, Pierre Klossowski, Sol LeWitt, Édouard Manet, Lucy McKenzie, Edward Krasinski, Jean-Luc Moulène, Charles & Ray Eames, Luigi Ghirri, Fischli & Weiss, Manfred Pernice, David Hockney, Walter Swennen, Alexandre de Wemmel en Willem Oorebeek.


Het zelfportret, het huis en de seizoenen brengt een nieuwe selectie schilderijen van Jean Brusselmans in dialoog met moderne en hedendaagse kunst. Na de solotentoonstelling deze zomer gaat Mu.ZEE verder met een onderzoek naar Brusselmans’ visie.

In deze groepstentoonstelling kijken we naar de bouwstenen van deze visie en het aanverwante onderzoeksveld van hedendaagse kunstenaars: genreoverschrijdende composities, het oeuvre als zelfportret en de gelaagde betekenis van kunst en individu, abstractie binnen het realisme, autonomie en anekdotiek, geometrie en allegorie, het grafische in verhouding tot het kleurenpalet, motieven versus herhalingen en het steeds weer naast elkaar plaatsen en (her-)structureren van elementen, de intuïtieve ervaring van fenomenen en een meetbare analyse van de werkelijkheid etc.

Met Het zelfportret, het huis en de seizoenen nodigen we iedereen uit om de actualiteit van Brusselmans’ visie te toetsen aan het onderzoek van hedendaagse kunstenaars, van de schilderijen van Raoul De Keyser, Philip Guston, Walter Swennen en Francis Picabia over de tekeningen en het grafische werk van Marc Nagtzaam, Lucy McKenzie, David Hockney, en Pierre Klossowski, tot en met documenten en publicaties gewijd aan Édouard Manet, Sol LeWitt en Edward Krasinski. De tentoonstelling brengt het werk van dertig verschillende kunstenaars samen. Daaronder bevinden zich bijzondere bruiklenen, zowel uit publieke als privécollecties. Mu.ZEE combineert ze met de presentatie van recente aanwinsten van onder meer Anne Daems, Jan Vercruysse, Valérie Mannaerts en Herman Van Ingelgem.

MuZEE      17.09.2011 - 15.01.2012

Website & bron : MuZEE

Website : Stad Oostende

FIC123.BE een website met info en cultuur

FRANCE - PARIS - Ilone et George Kremer, Héritiers de l'Âge d'Or hollandais

.

L'exposition L'Âge d'Or hollandais, organisée à la Pinacothèque de Paris à l'automne 2009 autour des trésors des collections royales hollandaises, avait permis de mettre en lumière cette période unique en Europe au cours de laquelle une révolution humaine importante avait eu lieu un siècle et demi avant celle de la France.

L'Âge d'Or hollandais désigne une période faste qui a vu l'avènement au pouvoir politique d'une classe de marchands. Ce pays, qui, au XVIIe siècle, repose sur une richesse économique fulgurante, est l'un des seuls lieux en Europe où ne règne pas la guerre, l'inquisition et l'intolérance religieuse. Il devient un refuge pour les artistes, les écrivains et les philosophes qui ne trouvent nulle part ailleurs le moyen de s'exprimer librement.

Un extraordinaire mouvement artistique se développe alors, soutenu par une nouvelle catégorie de collectionneurs : les marchands et les bourgeois. Collectionner n'est plus à cette époque, en Hollande, l'apanage des aristocrates, comme ailleurs en Europe.

La collection exceptionnelle rassemblée par Ilone et George Kremer depuis plus de seize ans est à ce titre symbolique : comme si ce couple descendait directement de cette nouvelle catégorie de marchands collectionneurs. Tout comme leurs aînés, Ilone et George Kremer ont fait fortune dans le commerce international. Ce sont des collectionneurs passionnés, érudits, connaissant sans doute mieux leurs œuvres et les artistes hollandais que nombre de spécialistes et d'historiens d'art.

Le couple a constitué une collection unique de maîtres hollandais, de Rembrandt à Frans Hals en passant par Pieter de Hooch, Gerrit Dou et Gerrit van Honthorst. Ils ont également accordé une place importante aux maîtres aujourd'hui moins connus, mais tout aussi essentiels à l'époque.

La Pinacothèque de Paris présente un ensemble de cinquante-sept œuvres exceptionnelles qui privilégient la technique du clair-obscur, développée et largement diffusée durant l'Âge d'Or hollandais. Le parcours de l'exposition se concentre sur les scènes de genre et les rapports sociaux entre les différents métiers au XVIIe siècle hollandais et révèle également l'avénement de la bourgeoisie dans le monde des amateurs d'art et des collectionneurs. L'exposition présente aussi des natures mortes et des paysages représentatifs de cette période.

Découvrez le site de la Collection Kremer

La Pinacothèque       27.10.2011 - 25.03.2012

Website & source : La Pinacothèque

Website : Ville de Paris

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - LA LOUVIERE - Helvetica, Céramiques suisses d'aujourd'hui

.

L'exposition rassemble des céramistes suisses dont l'œuvre sort du champ traditionnel de la céramique. Leurs démarches résolument contemporaines relèvent d'avantage de la sculpture et de l'installation plutôt que de l'objet. Travaillant pourtant la faïence, la porcelaine ou le grès, par coulage ou estampage, ils développent des œuvres tridimensionnelles voire conceptuelles. Celles-ci témoignent d’orientations audacieuses : déformation de la figure humaine (qui plus est historique) par Christian Gonzenbach ; interprétation de l’objet quotidien par Caroline Andrin ; rapport au corps chez Jean-Gabriel Cruz ; travail de citation et de relecture formelle de moules Art Déco par Philippe Barde ; rapport à l’espace cartographié par Margareta Daepp ou synthétique par Brigitta Briner. Deux sculptures puissantes d’Arnold Annen témoignent des limites du medium dans son utilisation sculpturale. Les œuvres sont mises en perspectives par un travail photographique de Matthieu Lavanchy.

Parallèlement, la Musée royal de Mariemont présente les collections du Musée historique et des Porcelaines de Nyon du 28 octobre 2011 au 12 février 2012. Fort de sa collection de porcelaines de Tournai, le Musée royal de Mariemont a noué des liens avec une Institution sœur qui possède également une importante collection de porcelaines du XVIIIème siècle. Présenté d'une manière contemporaine, cet ensemble dévoile un aspect peu connu de la tradition de la porcelaine en Europe.
Les photographies de Valérie Belin et Mathieu Lavanchy offrent un point de vue original de cet art ancien. Bettina Ammann et Fanny Liberek ponctuent ce patrimoine de leurs créations céramiques actuelles.
 
 

Musée Ianchelevici       29.10.2011 - 08.01.2012

 
 
Website & source :  Musée Ianchelevici
 
Website : Ville de La Louvière
 
FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - HAMBURG - Max Liebermann. Pioneer of Modern Art

.

Max Liebermann (1847 - 1935), Der Papageienmann, 1902, Öl auf Leinwand, 102,3 x 72,3 cm, © Museum Folkwang, Essen




Max Liebermanns (1847-1935) is credited with introducing Modernism to German painting. For the first time, a new exhibition at the Hamburger Kunsthalle presents a comprehensive retrospective revealing how this process took place and the impressive oeuvre Liebermann was executing at the time.

Disillusioned by German academia, the young Berliner turned to France and Holland where he immersed himself in the progressive trends of the day. Liebermann studied outdoor painting in Barbizon, the cradle of naturalism; in Paris he came into contact with French Impressionism and in Holland he met supporters of The Hague School. In taking what he absorbed there and allowing it to flow into his work, Liebermann entered new territory both stylistically and in terms of subject. Liebermann's rendition of simple rural labor without literary and historical references drew harsh criticism at first, eventually culminating in the epithet "filth painter." In Berlin, Liebermann became the engine of an oppositional movement opposing the Prussian-Wilhelmine art policy. This comprehensive retrospective unites over one hundred key paintings from all phases of his creative development. They range from rustic, rural subjects to depictions of bourgeois leisure activity to his unerring portraits and the late, color-drenched garden paintings. Complementing the Hamburger Kunsthalle's large holdings are several other key pieces on loan from national and international museums, supplemented by work generously loaned from private collectors. The show is rounded off with examples of work by Liebermann's influences Mihaly Munkácsy, Adolph Menzel, Paul Cezanne and Auguste Renoir.

Accompanying the exhibition is a catalogue.

The exhibition was realized in cooperation with the Art and Exhibition Hall of the Federal Republic of Germany in Bonn.
Curators in Bonn: Dr. Robert Fleck, Agnieszka Lulińska, Marie-Amélie zu Salm-Salm
Curator of the exhibition: Dr. Jenns Howoldt

Galerie der Gegenwart, Sockelgeschoss - Hamburger Kunsthalle     30.09.2011 - 19.02.2012

Website & source : Galerie der Gegenwart, Sockelgeschoss - Hamburger Kunsthalle

Website : Stadt Hamburg

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - BRUSSEL-ELSENE - Pierre Lahaut, hommage

.

De tentoonstelling brengt een hommage aan deze ondergewaardeerde kunstenaar, die tot onze vreugde deel uitmaakt van onze permanente verzameling. Ze vindt plaats naar aanleiding van zijn tachtigste verjaardag en de publicatie van een aan hem gewijde monografie.

Tijdens zijn schildersloopbaan experimenteerde hij met allerlei technieken – potlood, pastel, aquarel - uit, maar zijn voorliefde voor olieverf bleef een constante in zijn werk. In de loop der jaren evolueerde zijn kunst naar een andere, abstracte beeldtaal, die niettemin toegankelijk en gevoelig bleef.

Zijn universum confronteert ons met een fluwelige, raadselachtige, stille en poëtische wereld.

Koppig, met een nerveuze onrust maar ook met een duidelijk plezier, heeft Pierre Lahaut gebouwd aan een uiterst origineel oeuvre dat de innerlijke wereld openbaart van een schilder die trouw is gebleven aan zichzelf en die onvermijdelijk ooit door de profane wereld omarmd zal worden.
Uit F. Lalande, Pierre Lahaut. Portrait et autoportraits (Portretten en Zelfportretten). In het boek over Pierre Lahaut, Mercatorfonds

Pierre Lahaut is in 1931 geboren. Op zijn eenentwintigste beslist hij schilder te worden. Ondanks de economische problemen die het beroep met zich meebrengt, blijft hij trouw aan zijn keuze. Hij is vader van zes kinderen, wordt leraar, maar de overheid heeft het moeilijk met zijn originaliteit. Hij verblijft een poos in Parijs waar hij zich vervolmaakt in de gravurekunst en krijgt na zijn terugkeer en de nieuwe wind van mei 68 een vaste aanstelling. In 1969 wordt hij aan de beroemde Ecole supérieure des arts visuels (Hogeschool voor Visuele kunsten) van Ter Kameren benoemd tot leraar ‘tekenen en grafische verbeelding’. In 1980 richt hij het ‘atelier tekenen en grafische stimulering’ op, dat hij tot 1995 leidt. Hij trekt zich terug in Frankrijk waar hij, wars van enige mode, voortwerkt aan zijn originele oeuvre.

Op de tentoonstelling is een overzicht te zien van Lahauts werk tussen 1956 en 2008. Zijn oeuvre hoort niet thuis in een of andere categorie, het evolueert voortdurend, en met zijn scheppende kracht laat het zich in geen enkel systeem opsluiten. Het balanceert op de grens van abstractie en figuratie en maakt gebruik van wisselende technieken, van olieverf tot pastel. Pierre Lahaut openbaart een geheimzinnige, nu eens kalme en dan weer beangstigde wereld die door grote vrijheid gekenmerkt wordt

 

Museum van Elsene  20.10.2011 - 22.01.2012

 

 
Website & bron : Museum van Elsene
 
Website : Elsene
 
FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - BERLIN - From Rembrandt's Time. The Art of Drawing in Holland's Golden Century

.

Hendrik Avercamp Eisvergnügen, um 1615-20 Wasserfarben und Feder in Braun; 27,4 x 40,1 cm
 © bpk / Kupferstichkabinett, SMB / Jörg P. Andersend of legend
 

With Dutch art from the 17th century, frequently referred to as the 'golden century', one usually thinks of paintings of landscapes and burlesque genre scenes with farmers, of Rembrandt's biblical scenes and of the still interiors of Vermeer. Dutch drawings seem to figure far less often in our general consciousness.

Great artists such as Rembrandt applied themselves with great dedication to creating works in pencil and ink, as did less well known, but nonetheless gifted artists, all of them producing works of the highest order. Important landscape artists such as Jan van Goyen and Jacob van Ruisdael, famous genre painters such as Adriaen and Isaac van Ostade all drew, either to make preparatory sketches for their paintings, play around with pictorial ideas or create separate small works for the market. In addition to their number, numerous amateurs also proved to be expert draughtsmen, including statesmen such as Constantijn Huygens Jr., or military engineers such as Valentin Klotz. These masters of the art are surprising for the timeless appeal of their private images of town and country.

There are only a few collections in the world in which this unusually rich period of the art of drawing is represented as systematically, clearly and in such great quality as in Berlin's Kupferstichkabinett, whose collection boasts not only works by the great masters from this era, but also from widely varying schools. Only here can one find, for instance, the tender plant studies of Pieter Saenredam, otherwise renowned as a painter of church interiors. A selection of 100 works, entirely taken from our own collection, provides a comprehensive overview of this alluring epoch. The exhibition spans from the pioneers who paved the way for the 'golden century' to the great masters as its heyday drew to a close around 1680.

Kupferstichkabinett   28.10.2011 - 26.02.2012

Website & source : Kupferstichkabinett

Website : Visit Berlin
 
FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - ANTWERPEN - Circuito dos Diamantes

.

Het Antwerpse Diamantmuseum wil een licht werpen op een eerder somber hoofdstuk uit de Antwerpse diamantgeschiedenis. De 18de eeuw was een periode vol verandering voor de diamantsector door de ontdekking van ruwe diamant in Brazilië rond 1714.

Zeker toen de Nederlanders het monopolie verwierven om Braziliaanse diamanten te kopen, beleefde de sector in Antwerpen een moeilijke periode. Toch konden de lokale slijpers hun talent tonen omdat onze noorderburen hen de lastigste diamanten doorschoven. De toevoer van Braziliaanse diamant in Antwerpen is vooral te danken aan James Dormer (1707-1758) - an Englisman abroad - die een heus zakenimperium stichtte, gebaseerd op de handel in Braziliaanse diamant. De tentoonstelling vertelt het opmerkelijke levensverhaal van James Dormer, toont buitengewone Braziliaanse mineralen en edelstenen, en uitzonderlijke pronkstukken uit onder meer de collectie van het Portugese koningshuis, de toenmalige kolonisator van Brazilië.

Diamantmuseum Antwerpen    20.10.2011 - 10.01.2012

Website & bron : Diamantmuseum Antwerpen

Website : Antwerpen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DANMARK - HUMLEBAEK - Klee & Cobra

.

Two focal points of 20th century art, Paul Klee and the Cobra group, were fundamentally inspired by the creative power of children. Now, for the first time, the exhibition at Louisiana presents this surprising and important relationship.

When Paul Klee rediscovered his own childhood drawings in the attic of his parents’ home in Bern, it would prove to be a revelation for the young Swiss artist. Aged 23 at the time and longing to free himself from all classical restrictions and conventions, Paul Klee found in these drawings exactly the kind of authenticity and power of expression, that he was on the look-out for. Indeed Klee (1879-1940), one of the great classics of 20th century art, would remain deeply fascinated with and very directly inspired by the artistic creativity of children for the rest of his life.

In turn, Klee and this lifelong passion of his would become an important source of inspiration for the Cobra group, formed by artists from Denmark, Belgium and The Netherlands. After the devastations of World War II, this shortlived, but highly influential artistic movement (1948-1951), sought new ground, wishing “to start all over just like a child,” as one of its members, Karel Appel, stated. Cobra artists perceived Klee as a sort of father figure: “he has touched the innermost essence of art and made something come alive for us.” They explored the origins of art, as found a.o. in the pictures of children, in a collective and political spirit, often creating works that radiate a sense of freedom and childlike joy.

The exhibition at Louisiana brings together about 120 works by Klee and a similar number of works by Cobra artists, arranged into five key themes: children, acrobats, animals, war and masks – each highlighting a surprising amount of parallels and points of contact between the two parties.

Louisiana Museum of Art      30.09.2011 - 08.01.2012

Website & source :Louisiana Museum of Art
 
Website :Humlebaek
 
FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - HASSELT - Architecture of Fear

.

Jill Magid - A Reasonable Man in a Box, 2010




Architecture of Fear kijkt naar hoe onze hedendaagse mediamaatschappij gedomineerd wordt door angstgevoelens. In de media worden we dagelijks gebombardeerd met sensationele berichtgeving, als burger worden we geconfronteerd met steeds toenemende veiligheidseisen en controle.

De oorzaak van de angst lijkt voortdurend te verschuiven. Vaak gaat het om ongrijpbare of zelfs onzichtbare fenomenen (terreur, virale ziektes, de klimaatopwarming, het onveiligheidsgevoel, de financiële crisis).

Eerder dan een emotionele overlevingsstrategie wordt angst een diffuus gevoel op de achtergrond dat zich aan een veelheid van gegevens kan vastklampen om deze tot potentiële bedreiging uit te roepen. Hierdoor gaan we ons in een permanente staat van uitzondering bevinden waar angst de basis wordt van een nieuwe globale infrastructuur van veiligheid, preventie en risico management.

De tentoonstelling Architecture of Fear brengt een selectie internationale kunstenaars en ontwerpers die op diverse manieren reflecteren op de maatschappij van de angst en haar emotionele, sociale of ruimtelijke mechanismen.

Kunstenaars: Bureau D'Etudes, De Geuzen, Floris Douma, Laurent Grasso, Ilkka Halso, Susanna Hertrich, Charlotte Lybeer, Jill Magid, Jennifer and Kevin McCoy, Tracey Moffatt, Trevor Paglen, Marie Sester, Kin Wah Tsang en Els Vanden Meersch.

Z33 Huis voor actuele kunst      02.10.2011 - 31.12.2011

Website : Z33

Website : Hasselt

FIC123.BE een website met info en cultuur.

SWEDEN - STOCKHOLM - Turner, Monet, Twombly - Later Paintings

.

J. M. W. Turner (1775-1851), Claude Monet (1840-1926) and Cy Twombly (1928-2011) are three of the greatest painters of the last 150 years. This groundbreaking exhibition focuses on their later work, examining not only the art historical links and affinities between them but also the common characteristics of and motivations underlying their late style.

While it proposes the modernity of Turner and Monet it also demonstrates the strong lure of classicism in the painting and sculpture of Twombly. A continuing interest in romanticism and the sublime, which far from ceasing in the mid-nineteenth century prevails today, are among the sub-themes of this show.

All three artists were considered radical in their time and met with negative comment when pushing the boundaries of the conventions of painting. Their late work has a looseness and an intensity that comes from the confidence of age, when notions of finish and completion are modified. A review of earlier preoccupations and a strong sense of mortality are also common characteristics of this period of life. By judicious juxtaposition the exhibition will not only illuminate the practice of each artist but will be informative about late creativity.

It is not simply the combination of Turner, Monet and Twombly that is groundbreaking. This will be an exhibition that examines each artist in some depth, and will introduce their work to new audiences in new ways.

Moderna Museet       08.10.2011 - 15.01.2012

Website & source : Moderna Museet Stockholm

Website : Stockholm

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - DEINZE - Joost Colpaert - Heterotopie

.

Joost Colpaert zag het levenslicht in 1965 in Oudenaarde, waar hij tot op vandaag woont en werkt. We kunnen zijn oeuvre opdelen in een aantal vrij uiteenlopende reeksen van werken. Het vroege werk laat zorgvuldig opgebouwde kluwens van langwerpige gebogen volumes zien en heeft verwantschap met de geometrische abstractie. Een volgende reeks bestaat uit fictief samengestelde plattegronden van potlood op kalkpapier, deels in kleur opgehoogd met een kronkelende lijn die geïnspireerd is op een waterloop. Aansluitend volgt een serie van werken op doek, gebaseerd op luchtfoto's, die interessante patronen in de opdeling van het landschap weergeven. Een recente reeks van werken zijn dan weer gebaseerd op een videostill van waterdruppels die hij op verschillende manieren benadert. Het belang van het element water en de picturale weergave van de kronkelende lijn blijven twee belangrijke factoren binnen zijn werk.

Museum van Deinze en de Leiestreek     08.10.2011 - 27.11.2011

Website & bron :Museum van Deinze en de Leiestreek

Website : Deinze

FIC123.BE een website met info en cultuur.

U.K. - LONDON - Postmodernism

.

Grace Jones in a maternity dress designed by Jean-Paul Goude and Antonio Lopez, 1979 © Jean-Paul Goude







Of all movements in art and design history, postmodernism is perhaps the most controversial. This era defies definition, but it is a perfect subject for an exhibition. Postmodernism was an unstable mix of the theatrical and theoretical. It was visually thrilling, a multifaceted style that ranged from the colourful to the ruinous, the ludicrous to the luxurious.

What they all had in common was a drastic departure from modernism’s utopian visions, which had been based on clarity and simplicity. The modernists wanted to open a window onto a new world. Postmodernism, by contrast, was more like a broken mirror, a reflecting surface made of many fragments. Its key principles were complexity and contradiction. It was meant to resist authority, yet over the course of two decades, from about 1970 to 1990, it became enmeshed in the very circuits of money and influence that it had initially sought to dismantle.

Postmodernism shattered established ideas about style. It brought a radical freedom to art and design, through gestures that were often funny, sometimes confrontational and occasionally absurd. Most of all, postmodernism brought a new self-awareness about style itself.

Presence of the past
The 1960s and 1970s saw widespread experimentation with architectural styles from the past. This tendency was attacked by hostile critics as a retreat, as pastiche or as merely ironic. But historicism could be radically expansive and optimistic, or inspired by an elegiac sense of the past that modernism had excluded. Postmodernism lived up to its central aim: to replace a homogenous idiom with a plurality of competing ideas and styles. That wide embrace was reflected in Hans Hollein’s façade for the Venice Biennale in 1980, which had as its centrepiece a ‘street of styles’ named the Strada Novissima. Hollein designed a set of columns that reprise the history of architecture, from the primitive garden through classical ruin to a modernist skyscraper. This extraordinary set piece is recreated in the V&A exhibition at full scale.

V & A     24.09.2011 - 15.01.2012

Website & source : V & A

Website : London City Guide

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - ANTWERPEN - Palazzo Rubens - De meester als architect

.

Peter Paul Rubens was een echte architectuurkenner. Dat ziet u op heel wat van zijn schilderijen. Maar hij werkte ook mee aan spraakmakende Antwerpse bouwprojecten. Het bekendste is zijn eigen woning: het Rubenshuis.

In 1610 kocht Rubens dit huis met extra grond op de Wapper nabij de Meir, de chicste straat van de stad. Het werd grondig verbouwd volgens zijn eigen ontwerp. Het huis kreeg er een barokke portiek, een schildersatelier en een tuinpaviljoen bij. In dit ontwerp liet Rubens zijn artistieke idealen zien: de klassieke oudheid en de Italiaanse kunst. Door zijjn ingrepen kreeg het de uitstraling van een echt palazzo. Het verbouwde huis was een absolute bezienswaardigheid in Antwerpen. De portiek is nu nog steeds een van de pronkstukken van het museum Rubenshuis.

Als architect vond Rubens inspiratie bij de grote Italiaanse schildersarchitecten zoals Michelangelo en Giulio Romano. Ook in Italiaanse architectuurboeken deed hij ideeën op. Rubens publiceerde zelf trouwens een boek over architectuur. Daarmee wilde hij moderne voorbeelden van goede architectuur aanreiken, zoals hij die zelf in Italië had gezien.

In ‘Palazzo Rubens. De meester als architect’ ontdekt u het veelzijdige architectuurtalent van Rubens: gedreven kenner, bouwheer, ontwerper en uitgever!

Rubenshuis  10.09.2011 - 11.12.2011

 
 
Website & bron : Rubenshuis
 
Website : Antwerpen
 
FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - CASSEL - Fascination baroque - La sculpture baroque flamande dans les collections publiques françaises

.

Guillaume Kerricx le Vieux (attribué à)

 Notre-Dame de la Victoire portant l'Enfant Jésus



Cette exposition, qui rassemble plus de soixante oeuvres des plus grands sculpteurs flamands des XVIIe et XVIIIe siècles, témoigne de cet engouement en France, plus ou moins récent, pour la sculpture baroque flamande.

En Flandre, l'explosion du Baroque, marquée par le génie de Peter Paul Rubens, se traduit dans la sculpture par une émulation artistique sans précédent. Sous l'impulsion de la Contre-Réforme, les commandes affluent et les églises regorgent de sculptures des plus grands maîtres. Que ce soit pour les confessionnaux, les chaires ou les jubés, le talent est mis au service de l'exaltation de la foi. Ce mouvement se traduit par l'exacerbation des sentiments, des sens avec un raffinement dans les poses élancées. Les sujets antiques, qui possèdent un caractère dramatique, deviennent des sujets de prédilection.

Plusieurs musées et églises françaises possèdent de véritables petits trésors peu connus du grand public à l'instar de cette sublime Vierge en ivoire du musée diocésain de Lille. A travers un parcours thématique, c'est tout le processus de création qui est mis en exergue avec les étonnantes terres cuites et les extraordinaires dessins préparatoires. Une exposition sous le signe du Beau et du Sublime !

Le commissariat de cette exposition est assuré par Alain Jacobs, spécialiste de la sculpture baroque flamande.

Musée de Flandre    15.10.2011 - 28.01.2012

Website & bron : Musée de Flandre

Website : Cassel


FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - BRUSSEL - Vlaamse miniaturen

.

Voor het eerst brengen de Koninklijke Bibliotheek van België en de Bibliothèque nationale de France hun collecties samen en bundelen ze hun krachten om de bloeitijd van de Vlaamse miniatuurkunst in het volle daglicht te zetten.

Ze organiseren een dubbeltentoonstelling van internationale allure die opent in Brussel (van oktober tot december 2011) en daarna een vervolg krijgt in Parijs (van maart tot juli 2012). Het publiek krijgt op elke plaats verschillende handschriften te zien.

Dit gemeenschappelijk project is het resultaat van het onderzoek dat sinds meerdere jaren in beide instellingen wordt gevoerd en dat reeds verwerkt werd in een aantal wetenschappelijke catalogi.

In totaal worden maar liefst 140 van de meest prestigieuze verluchte handschriften aan het publiek voorgesteld. Sommige zijn al meer dan 50 jaar niet meer getoond, andere zijn onbekend.

De originele scenografie zal niet alleen oog hebben voor de stukken zelf, maar ook de context waarin die stukken tot stand zijn gekomen zal uitgebreid aan bod komen.

Zo dringt de bezoeker pagina na pagina steeds dieper door in een middeleeuwse fantasiewereld die wordt bevolkt door helden en legenden en waar we Alexander de Grote, Karel de Grote, Lancelot en de fee Melusine zij aan zij vinden met Reinaart de Vos, gevleugelde draken en aardige eenhoorns.

Dit evenement, een echte uitwisseling tussen twee nationale instellingen, biedt een uitzonderlijke en unieke kans om een deel van de verzamelingen van Belgische en Franse handschriften tentoongesteld te zien. Waardevolle miniaturen uit de Bibliothèque nationale de France zullen worden tentoongesteld in Brussel en vice versa. Zo krijgt de bezoeker de kans om handschriften te ontdekken die hij later niet meer zal kunnen bewonderen…

Koninklijke Bibliotheek van België   30.09.2011 - 31.12.2011

Website & bron : Koninklijke Bibliotheek van België

Website : Brussel

FIC123.BE een website met info en cultuur.