FIC123 CultuurBox

BELGIË - MECHELEN - Expo Dick Bruna

2012-02-14T09:27:00.002+01:00

Dick Bruna (°1927) is de geestelijke vader van nijntje, het meest populaire konijntje ter wereld. Het eerste prentenboek verscheen in 1955. Sindsdien heeft nijntje de harten van kinderen uit alle werelddelen veroverd. Vandaag worden de boekjes in meer dan 50 talen vertaald en wereldwijd verspreid. Minder bekend bij het grote publiek zijn de boekomslagen die de Nederlander ontwierp voor de uitgeverij van zijn vader, zoals de covers voor Maigret, Havank en de Saint in de bekende zwarte beertjes-serie. De ontwerpen zijn stuk voor stuk pareltjes van vormgeving.

Dick Bruna is een internationaal icoon op vlak van grafische vormgeving. Jong en oud worden geraakt door de kracht van zijn stijl. Zijn werk werd reeds tentoongesteld over heel de wereld, van Europa tot Japan, van China tot de Verenigde Staten. Het cultuurcentrum brengt de eerste overzichtstentoonstelling van Dick Bruna in België met heel wat origineel werk.

Een creatief en speels bezoek aan de tentoonstelling

Ouders en kinderen ontdekken de wereld van Dick Bruna via een kijk- en doeparcours. De speelse werkstations van ABC - uitgerust met boeken, beelden, creatieve opdrachten en tekenmateriaal ndoigen jong en oud uit om zelf aan de slag te gaan. Een begeleider van ABC helpt waar nodig.

Expo Dick Bruna is een coproductie van Cultuurcentrum Mechelen, Mercis bv, ART BASICS for CHILDREN & MMMechelen vzw

Cultuurcentrum Mechelen 18.02.2012 - 03.06.2012

Website & bron : Cultuurcentrum Mechelen

Website : Stad Mechelen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - STUTTGART - Turner, Monet, Twombly - Later Paintings

2012-02-14T09:18:00.000+01:00

Until 28 May 2012, the Staatsgalerie Stuttgart will present approximately seventy late works – some quite large in scale – by William Turner, Claude Monet and Cy Twombly. The outstanding loans will serve to illuminate similarities and interrelationships between the works and exemplify their common characteristics

In his landscapes and seascapes, the English painter William Turner (1775–1851) developed an abstract pictorial language which was adopted by the Impressionists.

Claude Monet (1840–1926) translated the motifs of that harbinger of abstraction into series with differing light atmospheres. With Cy Twombly (1928–2011) the exhibition will extend the spectrum to encompass the present: an important of exponent of Abstract Expressionism, the American developed the poetic pictorial language further in his monumental paintings.

Staatsgalerie Stuttgart 11.02.2012 - 28.05.2012

Website & source : Staatsgalerie Stuttgart

Website : Stuttgart

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - KEMZEKE-STEKENE - Dear Verbeke Foundation

2012-02-07T09:10:00.000+01:00

Dit jaar viert de Verbeke Foundation haar vijfde verjaardag. Hoewel de Foundation vlak na haar opening op 1 juni 2007 nog totaal onbekend was, ontvangt ze vandaag elke dag brieven en emails van kunstenaars uit de hele wereld die met haar wensen samen te werken. De profielen van elk van deze kunstenaars zijn erg uiteenlopend: van bekend tot onbekend, amateurs, studenten of reeds gevestigde professionele kunstenaars met al dan niet een eigen website. Ook hun voorstellen zijn erg verschillend. Zo willen sommige kunstenaars hun bestaand werk tentoonstellen en vragen anderen hulp om nieuwe werken te creëren. Soms blijven de vragen beperkt tot het organiseren van transport of om aankoop van werken. Nog andere kunstenaars willen dan weer in residentie kunnen verblijven.

In functie van haar middelen probeert de Verbeke Foundation projecten te steunen passen binnen haar visie en werking rond kunst en natuur. Werk waarbij het hedendaagse ecologische vraagstuk centraal staat, recyclage, biotechnologie en de studie en het begrip van levende organismen zijn voor de stichting belangrijke aandachtspunten. Dear Verbeke Foundation..., de vijfde wintertentoonstelling in de expositieruimte te Kemzeke, brengt werken samen van verschillende kunstenaars die in 2011 steun hebben gekregen van de stichting om hun nieuwe projecten te realiseren.

Ouverte le 1er juin 2007, la Verbeke Foundation fêtera son cinquième anniversaire. Inconnue à l'étranger à ses débuts, elle reçoit aujourd'hui chaque jour plusieurs lettres et courriels d'artistes du monde entier désireux de collaborer avec elle. Inconnus ou célèbres, amateurs, étudiants ou professionnels confirmés, détenteur d'un site web ou non : les profils de chacun de ces artistes diffèrent du tout au tout. Leurs propositions également : si certains souhaitent exposer des travaux existants, d'autres préfèrent solliciter de l'aide pour la création de nouveaux projets. Aux propositions de vente de pièces succèdent les demandes de résidence ou de transport.

La Verbeke Foundation essaie dans la mesure de ses moyens de soutenir les projets de ceux dont la démarche coïncide le plus avec son propre mode de fonctionnement, basé sur l'emploi de matériaux de recyclage, et ses centres d'intérêts : prise en compte de la problématique écologique contemporaine et du développement des biotechnologies, goût pour l'étude et la compréhension des organismes vivants. Cinquième exposition d'hiver sur le site de Kemzeke, Dear Verbeke Foundation... présente les travaux d'artistes ayant obtenu en 2011 une réponse positive à leur demande de soutien.

Kunstenaars/Artistes:

Frank Borst (NL)
Cécile Colle}{Ralf Nuhn (FR)
Christoph De Boeck (BE)
Ronald De Winter (BE)
Jef Faes (BE)
Sven Fritz (NL)
Ivan Henriques (BR)
Egied Simons (NL)
Steven Tevels (BE)
Timothy Segers (BE)
Michiel Van Overbeek (NL)

Verbeke Foundation 20.11.2011 - 20.05.2012

Website & source : Verbeke Foundation

Website : Kemzeke-Stekene

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - BERLIN - Jürgen Mayer H - RAPPORT. Experimentelle Raumstrukturen

2012-02-07T08:52:00.002+01:00

Jürgen Mayer H. (*1965), founder of the Berlin architectural office J. MAYER H., gained a national and international reputation for his innovative buildings, objects and interventions into space. His team works at the interface between drafts and free dynamic forms. The experimental space structures offer new insights into his interdisciplinary approach. For the museum’s 10-metre high entrance area J. MAYER H. has developed a walk-in installation. Walls and floor are clad in carpeting, on which data security patterns are printed in black and grey. The work’s space-consuming concept negates the strict geometry of the entrance hall. The considerably enlarged, repeating patterns produce a flickering impression and transform the white cube into a playful scenario of interpermeating forms and structures. Supplementary three-dimensional models translate the two-dimensional patterns into concrete forms.

A catalogue will be appearing for the exhibition including various illustrations, explanatory texts and a commented biography.

The exhibition is being facilitated with generous support from the Berliner Stadtreinigung as part of the initiative Trenntstadt Berlin.

The installation will be realised by Vorwerk Teppichwerke.

Berlinische Gallerie 16.09.2011 - 09.04.2012

Website & source : Berlinische Gallerie

Website : Berlin

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - LA LOUVIERE - L'estampe, un art pour tous - des suites Prisunic à Catherine Putman

2012-02-01T09:01:00.001+01:00

En 1967, Jacques Putman lançait le concept de l’estampe originale à coût très mesuré, produite dès la première édition par des artistes de renom -Alechinsky, Lam, Matta, Messagier, Reinhould et Bram van Velde-, et commercialisée dans les grands magasins Prisunic.

Les éditions successives de ces révolutionnaires Suites Prisunic (1967-1972), tirées à 300 exemplaires et vendues au prix de 100 Francs, accueillirent de plus en plus de nouveaux artistes…

En 1976, Catherine Béraud rejoignit Jacques Putman. Sous d'autres formes, mais avec une vitalité renouvelée, leur activité éditoriale poursuivit plus de 30 ans, au-delà même de la disparition de Jacques en 1994, pour nous offrir aujourd'hui le panorama entier de la modernité.

Nourrie d'amitiés et d'échanges avec les plus grands comme avec des imprimeurs d'une vraie exigence, cette aventure prolongée jusqu'à la mort de Catherine Putman, en 2009, témoigne de ce qu'est aujourd'hui ce métier étroitement lié aux nécessités de la création.

Le Centre de la Gravure et de l'Image imprimée 28.01.2012 - 29.04.2012

Website & source : Centre de la Gravure

Website : La Louvière

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DANMARK - KOBENHAVN - Phantom Limbs - benandsebastian

2012-02-01T08:46:00.001+01:00

benandsebastian. Foto: STAMERS KONTOR

Phantom Limbs take shape when an individual continues to be able to feel his or her limbs after they have been amputated. Coupling psychic presence with physical absence, phantom limbs reveal the complex and intertwined relationship between the internal spaces of the mind and the external spaces that we inhabit.

benandsebastian erect elaborately-crafted architectural constructions whose materiality houses inbuilt physical and conceptual absences. In one work, gaping holes in an oversized, overturned staircase make the structure hover between romantic ruin and urban construction site. Such absences create portals that inspire projection, playing on memory, familiarity and longing as ways of filling in the gaps. While taking inspiration from architecture, the duo considers their art as referring to the spaces of the mind, and to the body images through which we negotiate our surroundings. Their works posit¬ the body as necessarily incomplete, continually changing, and forever haunted by its own phantoms.

Rather than considering the museum as a logically ordered collection, benansebastian invite us to view it as a bizarre assemblage of dismembered objects that have been ‘amputated’ from their heterogeneous cultural contexts. Playing close to the institution’s existing typology, they have introduced their works as prostheses to the museum’s permanent collection. A series of nine framed texts accompany the projects, weaving connections between the artworks and the artefacts they are coupled with, using the body as a common framework in a dialogue between artist and museum. Poking out from their glassless vitrines, the artworks pose open questions about themselves and the body of the collection of which temporarily form part.

Design Museum Danmark 15.11.2011 - 15.04.2012

Website & source : Design Museum Danmark

Website : Kobenhavn

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - HASSELT - De kleren van de keizer. Kleding in sprookjes

2012-01-23T10:38:00.000+01:00

Kleding is in sprookjes zeer belangrijk. Van de baljurk van
Assepoes tot de nieuwe kleren van de keizer. Illustratoren van sprookjesboeken besteden dan ook veel aandacht aan kleren.

Het Literair Museum ging nog een stapje verder en liet een aantal jurken en kostuums in het echt maken, onder leiding van modeontwerpster Anita Evenepoel. Deze kleren vormen het hart van de tentoonstelling, samen met de topillustraties van internationaal bekende illustratoren als Carll Cneut, Thé Tjong-Khing, Charlotte Dematons, Lisbeth Zwerger en Rébecca Dautremer.

De tentoonstelling is interessant voor kinderen én volwassenen.

Kinderen en jongeren gaan op ontdekkingstocht met een speurtocht, aangepast aan de leeftijd. Aan een kaptafel smukken zij zich op met de juiste accessoires en stappen zo in de rol van een echt sprookjesfiguur.

Tijdens de duur van de tentoonstelling worden er allerlei publieksevenementen gepland: voorstellingen, workshops, lezingen, ...

Literair Museum 20.11.2011 - 20.10.2012

Website & bron : Literair Museum

Website : Stad Hasselt

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - METZ - Ronan & Erwan Bouroullec, Bivouac

2012-01-23T10:14:00.000+01:00

Pensée comme un Bivouac merveilleux, l’exposition consacrée aux designers Ronan & Erwan Bouroullec en Galerie 3 du Centre Pompidou-Metz présente sur plus de 1000 m² les réalisations et les recherches de près de quinze années de travail commun. Cette première grande exposition monographique en France souligne un parcours exceptionnel international, ponctué de collaborations avec les plus grands éditeurs de design, salué par une présence de leurs réalisations dans les collections publiques et distingué par de nombreux prix.

L’exposition – conçue comme un campement temporaire - est réalisée sans le support d’aucun élément scénographique autre que le travail des designers: elle est rythmée par des jeux d’échelle, de transparence et de superposition de leurs créations. Le visiteur est invité à déambuler librement dans cet espace, entre projets de recherche et objets finis, productions industrielles ou artisanales. Bivouac met en évidence la grande variété des créations, des économies de production et aborde des concepts clés de leur recherche: nomadisme, éphémère, modularité, inspiration organique, liberté des usages et des fonctions.

Loin d’être un bilan ou une rétrospective, cette présentation traduit l’état de leur travail et de leurs recherches, en constante évolution.

Cette première exposition monographique proposée par le Centre Pompidou-Metz met à l’honneur le design, une discipline fondamentale et féconde de la création contemporaine, territoire de recherche à la jonction de l’expérimentation et du quotidien. Elle souligne, dans la lignée du Centre Pompidou, la volonté d’embrasser « l’art sous toutes ses formes », pour permettre aux visiteurs de découvrir un large spectre de la création.

Centre Pompidou Metz 2011.10.07 - 30.07.2012

Website & source : Centre Pompidou Metz

Website : Ville de Metz

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - BRUGGE - Snapshot 1

2012-01-17T11:04:00.000+01:00

Fotografe Daphne Titeca en het Brugse revuegezelschap Zonnestraal

‘Snapshot’ is een reeks foto-expo’s rond feestelijke gebeurtenissen, ambachtelijke vaardigheden, bijzondere traditities en andere vormen van Brugs immaterieel cultureel erfgoed.

De revue ontstond als genre in Frankrijk in de 19de eeuw. Ook in Brugge was het showgebeuren in het theater toen al populair. Het eerste echte revuegezelschap vloeide voort uit de toneelvereniging ‘Willen is Kunnen’. Tijdens het intermezzo van één van hun stukken in 1947 traden voor het eerst twee als vrouw verkleedde mannen op: Stiene en Stance. Hun satirische kijk op het Brugs sociaal gebeuren kende zo’n succes dat ‘Willen is Kunnen’ besloot op die weg verder te gaan: revue in het Brugs, met Brugse zangers, acteurs, volksfiguren en de Brugse actualiteit centraal.

Het ‘Brugs Narrenschip’ vanaf 1961, ‘Zonnestraal’ vanaf 1976 en ‘Phenix’ begin jaren ’80 lieten de revue bloeien. Vandaag brengt enkel ‘Zonnestraal’ het publiek nog aan het lachen met de huwelijksperikelen van Alida en Medard en hun bijzondere vrienden.

Daphne Titeca (°1981) studeerde aan het KASK in Gent. Haar foto’s vertellen een verhaal. Volgens haar zijn het de mensen en de kleine momenten die de revue maken: repeteren, kostuums passen, wachten en omkleden, de kou achter de coulissen, de gang tussen de kleedkamers en het podium, de stress vóór en de ontlading na de show. Haar foto’s zijn hier een weerspiegeling van.

Bruggemuseum-Volkskunde 10.12.2011 - 04.03.2012

Website & bron : Erfgoedcel Brugge - Bruggemuseum-Volkskunde

Website :Brugge

FIC123.BE een website met info en cultuur

DEUTSCHLAND - BRÜHL - Niki de Saint Phalle - Spiel mit mir

2012-01-17T10:47:00.003+01:00

Niki de Saint Phalle, Monkey, um 1960/61, Sammlung Niki Charitable Art Foundation, Dauerleihgabe im Sprengel Museum Hannover, © 2012 NIKI CHARITABLE ART FOUNDATION, All rights reserved. Foto: © Laurent Condominas.

Niki de Saint Phalle (1930-2002) zählt mit ihrem umfangreichen Schaffenswerk wohl zu den bedeutendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. Sie hat ein faszinierendes Werk hinterlassen, dessen Einfalls- und Abwechslungsreichtum seinesgleichen sucht. Bereits die frühen Gemälde der 1950er Jahre, die sich u.a. an naiver Malerei orientieren, sowie die Assemblagen, in denen die Künstlerin Anfang der 60er Jahre alltägliche Gegenstände zu bunten Klebebildern kombiniert, sind Ausdruck dafür. Ausgehend davon entwickelt sie die sogenannten Schießbilder, in denen sie ihre bewegte Biografie verarbeitet. Die mit Farbbeuteln präparierten und mit einem Gewehr beschossenen Reliefs sind jedoch nicht nur ein aggressiver Akt der Zerstörung, sondern bilden zugleich Möglichkeiten neuer Bildfindungen.

„Ich umarmte die Kunst als meine Erlösung und Notwendigkeit." (Niki de Saint Phalle)

Nachdem Niki de Saint Phalle 1953 im Alter von 23 Jahren einen Nervenzusammenbruch erleidet, findet sie im Zuge der therapeutischen Behandlung zur Malerei und entscheidet sich, künstlerisch tätig zu werden. Fortan nutzt sie ihre Kreativität als Ventil, um ihre Erlebnisse auf unterschiedliche Weise zu verarbeiten. Ihre Kunst wird zu einem persönlichen Befreiungsschlag, aber auch zu einem fantastischen Spiel, in dem sich ihr Leben in bizarren Gestalten und traumhaften Welten widerspiegelt und für den Betrachter greifbar wird.

Das Max Ernst Museum Brühl des LVR zeigt in einer konzentrierten, retrospektiven Schau eine Auswahl der von Guido Magnaguagno in der Kunsthalle Würth in Schwäbisch Hall kuratierten Ausstellung „Niki de Saint Phalle – Spiel mit mir". Unter besonderer Berück-sichtigung des bislang wenig beachteten Frühwerks wird das fast 50 Jahre umfassende Œuvre der in Neuilly-sur-Seine/Paris geborenen und im kalifornischen San Diego gestorbenen Künstlerin exemplarisch beleuchtet. Niki de Saint Phalles kindlich verträumte Arbeiten vermögen den Betrachter auf Anhieb zu begeistern und in eine eigene Welt zu entführen.

„Ich glaube an eine große kreative Kraft, die größer ist, als wir uns vorstellen können." (Niki de Saint Phalle)

Im Titel der Ausstellung „Spiel mit mir", der eines ihrer ersten Bilder zitiert, spiegelt sich der Wunsch der Künstlerin wider, den Betrachter einzubeziehen. Er kann als eine Aufforderung an den Einzelnen verstanden werden, mit der Kunst in Kommunikation zu treten. In ihren Gemälden, Schießbildern und Assemblagen sowie Skulpturen, Graphiken und Architekturprojekten erforscht Niki de Saint Phalle auf vielseitige Weise ihre ganz individuellen Ausdrucksmöglichkeiten und prägt mit ihrer Formensprache unseren Blick auf eine „weibliche" Kunst. Insbesondere ihre Nanas verkörpern dabei die Suche nach einer ursprünglichen Repräsentation des Körpers der Frau und sind stark mit den frühesten erhaltenen Zeugnissen von Fruchtbarkeitsdarstellungen verbunden.

Max Ernst Museum 15.01.2012 - 03.06.2012

Website : Max Ernst Museum

Website : Brühl

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - ANTWERPEN - Esthétique Moderne

2012-01-10T08:27:00.000+01:00

Heb je altijd al meer willen weten over de kunstproductie tijdens de belle époque en het interbellum? Of ben je benieuwd naar het productieproces van zilver? Dan is deze tentoonstelling beslist iets voor jou!

De tentoonstelling draagt het label “Made in Belgium”. Alle gepresenteerde zilveren creaties zijn van Belgische ontwerpers. De art-nouveau- en art-decovoorwerpen worden samen met modellen, ontwerpen en foto’s tentoongesteld en geven een nieuwe kijk op de periode 1885–1945. Een bijzonder woelige periode met de oprichting van Kongo-Vrijstaat, twee wereldoorlogen, een beurscrash, maar ook een tijd van technologische vooruitgang. Al deze gebeurtenissen hebben een impact op ontwikkelingen in de edelsmeedkunst.

Belgische zilverfirma’s verkopen hun producten niet alleen in eigen land, maar exporteren ze ook naar Duitsland, Frankrijk, Afrika en Amerika. Het Belgisch zilverdesign is bovendien goed vertegenwoordigd op internationale tentoonstellingen van Moskou over Milaan tot New York. Wist je trouwens dat de eerste Wereldtentoonstelling op het Europese vasteland in Antwerpen plaatsvond?!

Naast wereldtentoonstellingen komen commerciële netwerken, ateliers en ontwerpstudio’s aan bod. Zowel personeelsleden als vaste klanten van zilverfirma’s als Delheid, Wolfers en Wiskemann krijgen een gezicht. De tentoonstelling ‘Esthétique Moderne’ brengt de samenwerking tussen edelsmeden en kunstenaars uit andere disciplines, zoals beeldhouwkunst, architectuur en glaskunst, in beeld. Dit doen ze niet alleen in functie van de realisatie van zilveren voorwerpen, maar ook voor de inrichting van winkels en huizen. Bekende namen als Victor Horta en Henry van de Velde passeren daarbij de revue.

De tentoonstelling ‘Esthétique Moderne’ presenteert Belgisch zilverdesign van internationaal topniveau uit eigen collectie. Aan de hand van affiches, verkoopcatalogi, tekeningen en historische beelden gidst het Zilvermuseum Sterckshof je door de periode 1885–1945 waarin decor en design esthetisch, vernieuwend, modern of zelfs revolutionair zijn.

Zilvermuseum Sterckshof 18.10.2011 - 09.04.2012

Website & bron : Zilvermuseum Sterckshof

Website : Antwerpen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DENMARK - COPENHAGEN - Henri de Toulouse-Lautrec - The Human Comedy

2012-01-10T08:08:00.001+01:00

Henri de Toulouse-Lautrec depicted people and modern city living of the late 19th century, particularly as it was played out at the Parisian entertainment venues. The exhibition presents a sharply focused image of an artist whose depictions of the Parisian entertainment scene dissected and commented on modern existence by means of striking and groundbreaking effects.

The comedy’s stage, scenery and stars
Over the course of an intense period spanning around fifteen years Lautrec let himself become fascinated with and engulfed by city life, particularly on the Montmartre scene. In his works he would stage representations of the various types he came across: The lecherous bourgeois gentleman, the flaneur, the bohemian, the prostitute, the pimp, and many more. These were types associated with modern urban life, with the emerging culture of consumption, and the ceaseless pursuit of pleasure and gratification.

Exaggerated and caricatured features
In his renditions of urban types and the range of characters acting out their parts on the Parisian entertainment scenes Lautrec would simplify and exaggerate their features and facial expressions, highlighting their theatrical personas and archetypal traits.

Humorous distance and a sensitive insight
The exaggeration often adds aspects of humour and irony to the works, but also generates tension between distance and intimacy. The characters are exaggerated, yet also possess a sensibility and sensitivity that reflects Lautrec’s insight into the world he described.

We focus on the graphic works
The exhibition focuses its attention on Lautrec’s work within graphic media, including his groundbreaking posters. Lautrec did not attribute greater artistic value to painting compared to graphic art, even though the latter occupied a lower ranking within the overall hierarchy of the arts at the time. Quite the contrary: It would seem that his experiments within graphic arts had a knock-on effect on his painting.

High culture and popular culture - Lautrec was both
His graphic work is also distinctive in another sense. Through his work with illustrations and advertisements Lautrec abolished the boundaries between popular and highbrow culture. This places him among those early avant-garde artists who reached beyond the boundaries traditionally accepted by the arts.

Statens Museum for Kunst 17.09.011 - 19.02.2012

Website & source : Statens Museum for Kunst

Website : Copenhagen City Guide

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - LIEGE - Frénésie vénitienne. Le verre espagnol du 16e au 18e siècle.

2012-01-03T08:48:00.001+01:00

À travers les coloris les plus éclatants, les formes et les décors allant de la simplicité à l’extravagance, le verre espagnol surprend et détonne dans la production européenne du 16e au 18e siècle. Plus de 200 œuvres sont sélectionnées, issues majoritairement de collections privées et du Musée Grand Curtius de Liège. Trois musées catalans (le Musée Cau Ferrat de Sitges, le Musée du Château de Peralada, le Musée épiscopal de Vic), le Musée du Verre de Düsseldorf et la Cité de la Céramique de Sèvres font également honneur à cette manifestation en prêtant des pièces étonnantes.

Dossier pédagogique

Le Grand Curtius 18.11.2011 - 20.05.2012

Website & source : Le Grand Curtius

Website : Liège

FIC123.BE een website met info en cultuur

CROATIA - ZAGREB - SOCIALISM AND MODERNITY: Art, Culture and Politics 1950 - 1974

2012-01-03T08:26:00.003+01:00

The exhibition Socialism and Modernity focuses on art, culture, and politics from the beginning of the 1950s to the mid-‘70s. Through a collection of nearly 300 objects – from artworks to pony bikes, from the first, brilliantly edited and illustrated children’s encyclopaedia published after World War II, to documentary material on neglected and endangered highlights of modern architecture – the authors of the exhibition develop a story of a very important and still controversial episode from our recent past.

Seeking answers to the question of how the global political Cold War setting and the Yugoslav version of socialism influenced the notions of modernity, modern art, architecture, design, and popular culture in Croatia and Yugoslavia, the exhibition investigates what the phrase "to be modern" meant during that period in the cultural and geo-political space of South-East Europe. They also examine the way in which that meaning was built into the local projections of reality, how it was related to the visions of modernity in other European countries and finally, to what extent the specific characteristics of Yugoslav social order have been determined by the trajectories of the modernization process and its relationship with art, culture, and politics.

Using objects in the museum's collection and from about 30 other private and public collections, the authors stress the regional and international dimension of the Croatian post-war art scene, recalling the openness and cosmopolitan atmosphere of '60s, when Zagreb was probably the most interesting centre of modern art and culture in Central and South-East Europe. To justify such a claim, works of art, architecture and design produced by Croatian artists between 1950 and 1974 are brought together with the artwork of artists from other cultural centres of former Yugoslavia and, where this was necessary and possible, with the artwork of artists from other European countries. Almost all of the art objects by foreign artists are in the possession of Croatian museums and are valuable elements of their collections that serve as reminders of a period imbued with exceptional creativity and intense cultural exchange with the rest of the world

Popular visual culture is included in the second part of the exhibition and on its own terms – as a product of modern urban life, as a type of visual discourse contesting high modernism's elitist culture and as a reference to the social, political and cultural circumstances conditioning the rejection of a modernist system of values at the end of the ‘60s and the beginning of the ‘70s. A new set of social values framing popular culture is additionally documented by fragments of TV documentaries, ads and news reels that simultaneously depict the appearance of consumerism and the emergence of a new social phenomenon - a youth culture that would already by the mid '70s become a true alternative to the official, high culture.

The exhibition will be supplemented by a richly illustrated brochure and a catalogue, and in the course of its duration a series of panel discussions, talks, and lectures will be held at various locations in the Museum of Contemporary Art.

Museum of Contemporary Art 12.02.2011 - 02.05.2012

Website & source: Museum of Contemporary Art Zagreb

Website : Zagreb Tourist Board

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - BINCHE - Samba etc. Carnavals du Brésil

2011-12-27T09:05:00.001+01:00

Du carnaval brésilien, on connaît la samba entêtante, les danseuses parées de plumes et de paillettes, le vaste Sambodrome où Rio élit chaque année ses meilleures écoles de samba. Mais est-ce là tout ce qu’on peut en dire? Bien au contraire! Au-delà de ce carnaval, il en existe un autre qui se joue dans les rues, où se mêlent les déguisements les plus simples dans une allégresse générale, où l’on aperçoit les Bate-Bolas, «clowns» aux costumes imposants, où chacun déambule à la rencontre des blocos, groupes carnavalesques alliant bonne humeur et liberté totale.

Et ce carnaval à multiples facettes est loin de se limiter à la seule Rio de Janeiro: São Paulo, Salvador de Bahia, Santa Cruz ou encore Recife ou Olinda s’ébranlent elles aussi aux rythmes de l’axé, de la marchinha et du frevo, pour ne citer que les airs les plus enivrants.

Entre envers du décor et déconstruction des clichés, le Musée du Masque vous invite au Brésil, pour une immersion dans son carnaval.

L’exposition «Samba etc. Carnavals du Brésil» vous invite à plonger au cœur des carnavals du Brésil. D’abord avec les écoles de samba carioca et ses images d’Epinal, danseuses «emplumées» et chars démesurés, ensuite avec les blocos qui sillonnent les rues des grandes villes brésiliennes et les carnavals, peut-être plus méconnus, du Pernambuco et de Bahia, notamment. Bon carnaval!

Musée International du Carnaval et du Masque 29.10.2011 - 18.03.2012

Website & source : MUM

Website : Ville de Binche

FIC123.BE een website met info en cultuur.

UNITED KINGDOM - LIVERPOOL - The Art Books of Henri Matisse

2011-12-27T08:46:00.000+01:00

An exhibition of art books by one of the greatest artists of the 20th century, Henri Matisse (1869-1954), on public display for the first time in the UK.

The exhibition comprises 63 framed original illustrations with text from four of Matisse’s most significant books, including his famous 'Jazz' (1947), one of the most celebrated artists’ books in the history of modern art.

These works are part of Bank of America Merrill Lynch’s extensive art collection, and have been loaned to the Gallery through the company’s Art in our Communities ® programme as part of a commitment to share its artworks with the wider public.

Also on display will be a number of artists’ books from the Walker Art Gallery's permanent collection by artists such as Ed Ruscha, Derek Boshier, Gilbert & George, Tom Phillips and Jeff Nuttall.

Walker Art Gallery 21.10.2011 - 15.04.2012

Website & source: Walker Art Gallery

Website : City of Liverpool

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - HARELBEKE - Antoon De Clerck - Schilderijen - tekeningen - affiches

2011-12-20T08:54:00.000+01:00

Antoon De Clerck (°Deinze, 15-02-1923 - † Aalter 10-12-2001) kreeg een opleiding aan de academies van Deinze (1931-1937) en Gent (1938-1943). In 1945 kreeg hij de prijs Jeune Peinture Belge. In de periode 1946-1947 woonde en werkte hij samen met Hugo Claus te Sint-Martens-Leerne, maar ten gevolge van ziekte staakte hij zijn artistieke bezigheden. Gedurende korte tijd was hij directeur van de academie van Deinze en vervolgens van 1949 tot 1983 leraar Plastische Opvoeding. Na enkele korte heropflakkeringen legde Antoon De Clerck zich vanaf 1965 -binnen het klimaat van de Nieuwe Visie- opnieuw voluit toe op zijn schildersactiviteiten. Deze vernieuwende zienswijze van zijn jeugdvriend Roger Raveel en een aantal jonge kunstenaars uit de Leiestreek vertoonde gelijkenissen met de popart, doch tegelijk gebeurde een projectie van de beelden uit de alledaagse werkelijkheid tegenover de tijd en de ruimte. Antoon De Clerck was nauw betrokken bij de doorbraak van de Nieuwe Visie op de Vlaamse kunstscène als ontwerper van de catalogus voor het project in de keldergangen van het kasteel van Beervelde (1966-67), als deelnemer aan de manifestatie Dulciakunst te Zottegem (1969) en als organisator van de tentoonstelling Kunst-School-Omgeving te Deinze (1970). In 1969 ontving hij de Hoogelandprijs - Prijs van de Provincie West-Vlaanderen. In 1971 kreeg hij een speciale vermelding tijdens de Internationale prijs voor schilderkunst van de stad Knokke en in hetzelfde jaar ontving hij de bronzen medaille van de Europaprijs van de schilderkunst van de stad Oostende.

Bij de uitzuivering van de beelden uit zijn vertrouwde omgeving spitst Antoon De Clerck de aandacht toe op bepaalde onderdelen. Hem interesseert vooral de ruimtelijke structuur, het vatten van de beeldcomponenten binnen hun kosmisch verband alsook het aanwezig stellen van hun onzichtbare dimensie. Als gevolg van zijn grotere aandacht voor een sterk realistische voorstelling vanaf 1972 catalogeerde men hem (enigszins verkeerdelijk) bij het hyperrealisme. De trend naar een zich steeds verder terugtrekken binnen zijn biotoop leidde vanaf het einde van de tachtiger jaren tot een grotere verdieping en vergeestelijking. De voorbije 50 jaar kreeg zijn authentieke visie op mens en maatschappij -waarbij hij vanuit zijn optimistische levensvisie het gebeuren van alledag omvormt tot een droomwereld- gestaag en consequent vaste vorm. Vanaf de jaren negentig begint hij opnieuw zeer intens te schilderen. Het kleine maar kwalitatief hoogstaand oeuvre dat de kunstenaar tot stand bracht heeft sinds lang een vaste plaats verworven binnen de rijke traditie van de Vlaamse schilderkunst.

Antoon De Clerck overleed thuis op 10 december 2001, ten gevolge van een hartaanval. Zijn stoffelijk overschot rust in het columbarium op het kerkhof van Aalter.

Schilderijen van Antoon De Clerck bevinden zich vooral in privécollecties (zowel particuliere als bankinstellingen), maar ook in museale collecties o.a. in het Stedelijk Museum voor Actuele Kunst in Gent, het Provinciaal Museum voor Moderne Kunst (thans Mu.Zee) te Oostende, het Museum voor Schone Kunsten te Oostende, het Provinciaal Museum voor Schone Kunsten te Hasselt en het Museum van Deinze en de Leiestreek te Deinze.

De trends in de schilderkunst vertonen een logische golfbeweging. Nu eens is dat genre heel erg in of out, maar alles wordt ooit herontdekt. 10 jaar na zijn overlijden is het tijd voor een herontdekking van het schilderkunstig en tekenkundig oeuvre van deze integere en bescheiden kunstenaar. Het grootste succes kende Antoon De Clerck met zijn zogenaamde hyperrealistische werken uit de jaren '70. Zogenaamd omdat De Clerck niet zo vasthield aan deze benaming en omdat de niet-geschilderde vlakken dat hyperrealisme voor een deel opheffen en een suggestie creëren, een witruimte om zelf in te vullen.

Deze tentoonstelling is geen retrospectieve. Er wordt wel een aardige poging ondernomen om diverse aspecten van zijn oeuvre te laten zien: schilderijen (vanaf het prille begin tot de laatste reeks Barragànschilderijen), tekeningen, litho's, schetsen... en ontwerpen voor affiches.

Bibliotheek Harelbeke 5.12.2011 - 21.01.2012

Website & bron : Bibliotheek Harelbeke

Website : Stad Harelbeke

FIC123.BE een website met info en cultuur.

NEDERLAND - AMSTERDAM - Rubens, Van Dyck & Jordaens - Vlaamse schilders uit de Hermitage

2011-12-20T08:24:00.000+01:00

Van 17 september 2011 tot en met 16 maart 2012 presenteert de Hermitage Amsterdam een indrukwekkende selectie uit de verzameling Vlaamse kunst van de Hermitage St.-Petersburg. Een magistraal overzicht van 75 schilderijen en circa 20 tekeningen, waaronder talrijke meesterwerken van de grote drie van de Antwerpse school: Peter Paul Rubens, Anthonie van Dyck en Jacob Jordaens en werken van bekende tijdgenoten.

Met 17 schilderijen en vele tekeningen krijgt Peter Paul Rubens (1577–1640) extra veel aandacht in de tentoonstelling. Hij was immers de belangrijkste, begaafdste en meest invloedrijke zeventiende-eeuwse Vlaamse schilder. Bovendien gold hij als een beminnelijk edelman, diplomaat en verzamelaar en was zijn atelier een goed geoliede onderneming. Hij was een fenomeen in zijn tijd, een homo universalis. Zowel zijn religieuze als zijn profane werken illustreren Rubens' ongeëvenaarde talent. Een van de hoogtepunten is de beroemde Kruisafneming (ca. 1618), waarin Rubens overtuigend en vol dramatiek het lijden van Christus uitbeeldde. Dit schilderij is nooit eerder uitgeleend.

Ook zijn invloed en navolging komen in de tentoonstelling ruim aan bod. Zo nemen de elegante en geraffineerde portretten van Anthonie van Dyck (1599–1641), Rubens' beste leerling, een zeer belangrijke plaats in. Hij schilderde rond 1638 de Engelse koning Karel I en zijn echtgenote, de Franse koningsdochter Henriette Maria. Van Dyck was toen al enkele jaren hofschilder van de koning en inmiddels tot 'sir' Anthony geridderd.

De derde grote meester van de Vlaamse school, Jacob Jordaens (1593–1678), was geen leerling van Rubens maar werd wel door hem beïnvloed. In imposante schilderijen laat hij de beschouwer meegenieten van de sprankelende Vlaamse levenslust. Zelfs zijn historiestukken kregen een Vlaamse sfeer.

Kwetterende vogels, zojuist geschoten wild en fleurige boeketten sieren de stillevens van Frans Snijders, genrestukken met het leven van alledag maakten David Teniers de Jongere beroemd. Er is een ontroerend familieportret van Cornelis de Vos. En nog vele andere belangrijke schilderijen van Vlaamse meesters zijn in volle pracht te zien.

Deze uitgelezen collectie komt voor het eerst naar Nederland. Veel van de geëxposeerde werken zijn in de achttiende eeuw verworven door Catharina de Grote. Ze behoorden tot excellente verzamelingen als die van Pierre Crozat en Heinrich von Brühl, door Catharina in hun geheel opgekocht. De meeste schilderijen werden vervaardigd in opdracht van kerken en wereldlijke opdrachtgevers in Antwerpen en andere Europese steden. Ze ontstonden tegen de achtergrond van de Tachtigjarige Oorlog en de contrareformatie. Die katholieke tegenbeweging van de reformatie zette kerken en particulieren aan om op grote schaal religieuze kunst te bestellen. De imponerende barokstijl van Rubens en zijn tijdgenoten bleek uitstekende propaganda voor de katholieke kerk, de aristocratie en de rijke burgerij.

Aan de hand van een audiotour, een film en computerprogramma's worden in de tentoonstelling de Vlaamse kunst en de geschiedenis van de Vlaamse kunstcollectie in de Hermitage St.-Petersburg uitvoerig belicht. Het bruisende Antwerpen van de zeventiende eeuw komt tot leven op een speciale expositiewand, waar met beeld en tekst schildersateliers, kerken en monumenten zijn aangegeven. Er verschijnt een catalogus met bijdragen van Russische en Vlaamse auteurs.

De tentoonstelling is mede mogelijk gemaakt door het Ministerie van OCW en het Ministerie van Financiën vanwege het toekennen van indemniteit.

Hermitage Amsterdam 17.09.2011 - 16.03.2012

Website & bron : Hermitage Amsterdam

Website : Amsterdam

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - CHARLEROI - Bird’s eye view of… Regards sur une ville et une collection

2011-12-13T09:13:00.001+01:00

Le Musée des Beaux-Arts ouvre sa saison avec une exposition collective rassemblant les oeuvres de 15 artistes contemporains belges et internationaux, en dialogue avec des oeuvres d’artistes de sa collection.

“Charleroi pourrait évoquer tout. Un désordre fait de rouille et de cendres, rayonnant de mystères et d’ombres. Charleroi est un fantôme, une comptine cruelle, une insaisissable adolescente. Charleroi est un paradoxe qui tient bon. On a trop dit sur les collines, la sueur et les gens. On a dit et rien dit, on a fait des images. Elles s’agglutinent en un collage infini… Charleroi absorbe, assimile, se métamorphose. On vit à Charleroi comme on marche en forêt. En déséquilibre. Il faut être un peu savant, poète au quotidien, légèrement à distance. La ville est toujours ailleurs. De l’autre côté du miroir, elle tient pour elle le secret de la mélancolie.”
B.Dusart

Artistes représentés : Jacques Alsteen, Alain Bornain, Samuel Buckman, Andréas Bunte, Paul Casaer, Marie-Noelle Dailly, Félix de Boeck, Paul Delvaux, Audrey Finet, Agnès Geoffray, Jean De Lacoste, Marcel Leborgne, Karel Maes, René Magritte, Xavier Noiret-Thomé, Juan Paparella, Pierre Paulus, Mira Sanders, Emile Tainmont, Adrien Tirtiaux, Emmanuel Van Der Auwera, Hannelore Van Dijk, Raphaël Van Lerberghe, Fernand Verhaegen.

Organisée par l’espace d’exposition Incise en collaboration avec le Musée des Beaux-Arts de Charleroi, dans le cadre de Charleroi 1911-2011.

Musée des Beaux-Arts 14.10.2011 - 25.02.2012

Website & source : Charleroi Museum

Website : Ville de Charleroi

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - COLMAR - Sous les tilleuls, les modernes : de Monet à Soulages

2011-12-13T09:03:00.001+01:00

.

Jacqueline De La Baume-Dürrbach, d'après Pablo Picasso, Guernica (1937), tapisserie de basse-lice, 1976, 3,30 x 7 m, musée Unterlinden, Colmar

L’accrochage «Sous les tilleuls, les modernes» met en lumière toute la richesse des chefs d’oeuvre des grands artistes de la collection d’art moderne et contemporain du musée Unterlinden. Un ensemble de 125 oeuvres est présenté, depuis la fin du XIXe siècle (Bonnard, Monet, Rodin) jusqu’au XXIe siècle, en passant par les représentants majeurs de l’abstraction d’après guerre (De Staël, Magnelli, Poliakoff, Soulages, Bram van Velde, Vieira Da Silva) et ceux de la figuration (Dubuffet, de Picasso et des surréalistes).

«Sous les tilleuls, les modernes» est l’ultime rendez-vous avec cette collection d’art moderne et contemporain avant l’inauguration de l’extension du musée colmarien, en novembre 2013. On pourra alors la redécouvrir dans l’écrin des anciens bains municipaux, dans la grande galerie et dans la nef contemporaine réalisées par le cabinet bâlois, Herzog & de Meuron.

Des impressionnistes à la seconde guerre mondiale
Du tournant du XXe siècle à la première guerre mondiale sont exposées des oeuvres d’artistes majeurs (Monet, Renoir, Rodin, Delaunay, Bonnard…) évoquant leur approche et leur conception nouvelles et singulières du corps, de la figure, de la nature et de l’art, mettant en avant leurs recherches sur la matière, la forme, lumière et la couleur. Les tensions engendrées par les grands conflits mondiaux suscitent des réflexions liées à l’identité humaine exprimées dans l’oeuvre et les portraits de certains des artistes de la collection du musée (Dix, Fautrier, Soutine, Zack…).

La tapisserie de Guernica
La tapisserie de Guernica, l’une des plus impressionnantes pièces des collections du musée Unterlinden, a été réalisée par Jacqueline de la Baume-Dürrbach d’après le chef d’oeuvre de Picasso.

Les dimensions des tapisseries sont inférieures (330 x 700 cm) à l’oeuvre peinte par Picasso (349 x 777 cm) pour s’adapter aux formats des métiers à tisser de l’époque.

Mise en regard avec d’autres peintres héritiers des cubistes (Baumeister, Bissière, Hélion, Léger), confrontée au Grand couple de Simone Boisecq et aux autres oeuvres de Picasso de la collection, la tapisserie de Guernica irradie par la puissance de son sujet et la force de sa réalisation.

Abstraits, surréalistes et héritiers du surréalisme, années 1970
Un espace est consacré aux artistes de la Nouvelle École de Paris (Manessier, Bazaine, Bissière) parmi lesquels figurent les peintres nationalistes qui se sont opposés pendant la guerre à l’idéologie nazie. Une autre section évoque les représentants de l’abstraction d’après guerre (Magnelli, Soulages, Atlan, Kupka, Vieira da Silva, Poliakoff), des surréalistes et de leurs héritiers (Victor Brauner, Boisecq, Lam, Alechinsky, Engelman…) et se termine avec les assemblages de Waydelich et Clavé qui témoignent de cette avant garde silencieuse, qui opère un retour à l’intime au début des années 1970. L’accrochage met en avant le fonds considérable d’oeuvres de Jean Dubuffet, entré dans les collections grâce au Legs Person en 2008.

Musée Unterlinden 1.10.2011 - 19.02.2012

Website & source : Musée Unterlinden

Website : Ville de Colmar

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - BRUXELLES - Bauhaus XX-XXI: Un héritage vivant - Photographies de Gordon Watkinson

2011-12-07T07:49:00.001+01:00

Le Bauhaus

Fondé à Weimar le 1er avril 1919 par l'architecte Walter Gropius, le Bauhaus eut une influence considérable sur l'architecture et le design bien au-delà de la fermeture brutale de l'Ecole en 1933 et des frontières de l'Allemagne.

Rares sont les principes de création dans le domaine de l'architecture et du design, à avoir eu un impact aussi durable et à avoir autant imprégné notre quotidien.

Gropius et ses deux successeurs à la tête du Bauhaus : les architectes Hannes Meyer et Ludwig Mies van der Rohe, énoncèrent les principes qui allaient façonner le socle de l'architecture moderne.

Tous privilégiaient des formes classiques dépourvues d'ornementation superflue ; imprégnée de technique, leur approche visait à résoudre les problèmes posés alors par l'aménagement urbain, le logement et la production utilitaire en grande série.

Le dos résolument tourné à l'esthétique historiciste, le Bauhaus raisonnait bien au-delà des simples questions formelles ; le souci de fonctionnalité des objets et des réalisations architecturales, ainsi que le renoncement à tout détail ostentatoire, faisaient partie intégrante d'un programme de modernisation sociale qui cherchait aussi à abattre les barrières de classes.

L'exposition

L'exposition « Bauhaus XX-XXI: Un héritage vivant - Photographies de Gordon Watkinson » fait dialoguer une sélection des créations architecturales les plus emblématiques du Bauhaus, avec une série de projets réalisés par des valeurs montantes ou des ténors reconnus de l'architecture contemporaine, l'ensemble étant présenté sous la forme de séquences photographiques, signées par l'Américain Gordon Watkinson.

Au carrefour de l'architecture, du design et de la photographie, « Bauhaus XX-XXI » propose la première analyse à la fois théorique et visuelle de l'héritage du Bauhaus et pose un regard original sur les principes créatifs de ce mouvement, sur leur application à l'architecture et sur leur actualité dans le monde d'aujourd'hui – depuis l'emploi du préfabriqué pour un habitat abordable jusqu'aux prémices de l'architecture durable ou 'verte'.

À travers des images aux nuances bleutées, qui révèlent un attachement particulier pour les détails et les matières, le photographe Gordon Watkinson souligne l'exceptionnelle qualité des édifices construits entre 1923 et 1930, par Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Hannes Meyer, Georg Muche et Richard Paulick.

Écartant le superflu pour ne retenir de ses modèles que l'essentiel, Watkinson restitue le caractère intemporel de l'architecture moderne et met à jour des correspondances, tant formelles que conceptuelles, entre certaines des constructions les plus emblématiques du Bauhaus et des bâtiments récents, présentant une typologie similaire et conçus entre autres par les architectes : Allmann Sattler Wappner (Munich / Allemagne), Rolf Disch (Fribourg / Allemagne), Hanno Vogl-Fernheim (Innsbruck / Autriche), Galli & Rudolf (Zurich / Suisse), Graham Phillips (Denham, Royaume-Uni), RCR (Olot / Espagne), Sauerbruch Hutton (Berlin / Allemagne), Werner Sobek (Stuttgart / Allemagne) et Wingårdhs (Göteborg / Suède).

Le parti pris original adopté par Watkinson révèle tout ce que le XXIe siècle commençant doit encore aux idées et au langage formel du Bauhaus, 90 ans exactement après sa création.

Les photographies de Gordon Watkinson sont accompagnées de brefs textes théoriques et de dessins d'architecture. Une sélection de meubles et luminaires, rééditions du Bauhaus dessinées avant 1933 et encore fabriquées aujourd'hui, complète la présentation et permet au visiteur de juger sur pièce de l'intemporalité de ces objets du début du XXe siècle, dans un contexte contemporain.

L'exposition a été conçue par le photographe américain Gordon Watkinson, en collaboration avec Foto+Synthesis. Les douze bâtiments du Bauhaus ont été sélectionnés par Michael Siebenbrodt ; la sélection de leurs pendants contemporains a été confiée à Falk Jaeger qui a aussi rédigé les textes présentés dans l'exposition.

CIVA 23.10.2011 - 05.02.2012

Website & source : CIVA

Website : Bruxelles

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DANMARK - EBELTOFT - Venice. 3 Visions in Glass

2011-12-07T07:14:00.001+01:00

Laura de Santillana - Bambu Vases

Venice, and in particular the island of Murano, is a place with strong traditions for glass making. For many centuries, the Italian maestros have kept secret and protected their knowledge about the many highly refined and demanding techniques, which characterize the world famous Venetian glass making.

Thus the three artists represented in the exhibition Venice. 3 Visions in Glass are extraordinary not only due to their distinctive work in glass but also for breaking from tradition. They work together with studios on Murano and are acknowledged worldwide for renewing form, aesthetics and techniques.

As Janet Koplos writes in the book, published in connection with the exhibition “each of the three [artists] brings to the work a non-standard approach: Laura de Santillana because she is a woman in what has been a man’s field. Yoichi Ohira because he is Japanese in Italy, and Cristiano Bianchin because he combines two contradictory materials. The artists thus escape convention in a way that few Murano craftsmen would choose to do – or even conceive of doing.”

Cristiano Bianchin was born in1963 in Venice. He graduated from Accademia di Belle Arti, Venice, in 1987, and made his first work in glass in 1992. Cristiano Bianchin combines glass with other materials and primitive figurines, inspired by African and native American culture. In his latest series of glass urns, he combines hand-blown glass with crocheted hemp and figurines into objects, which are both elegant and conceptual. Bianchin also makes large wall pieces, made from crocheted hemp, installations and works made of wood and paper.

Japanese born Yoichi Ohira (b.1946) has lived and worked in Venice for more than 35 years. He studied at Kuwasawa Design School in Tokyo, 1969, and Accademia di Belle Arti in Venice. His vessels combine Japanese aesthetics with traditional Italian techniques and colours into poetic pieces outside time and space. In his groundbreaking series Cristallo Sommerso he creates organic “torsoes” in clear glass.

Laura de Santillana (b.1955) was born in Venice and is the grandchild of the renowned founder of the Venini Glassworks, Paolo Venini. She graduated from the School of Visual Arts, New York, USA, 1975-77. Her blown objects in the series called Tokyo-ga are simple two or three coloured meditations on colour, form and surface, which are often compared with Mark Rothko’s abstracts paintings. Santillana’s works however, have a vibrancy which is not obtainable with canvas and paint. Lately she has developed a series of organic, metallic Meteors, which relate to fallen objects from the sky.

Venice. 3 Visions in Glass presents 91 works from the last 10 years made by three of the most significant contemporary artists working with glass today, made in collaboration with skilled craftsmen from Murano studios.

Cristiano Bianchin, Yoichi Ohira and Laura de Santillana are all represented in many international private and public collections and have received numerous prestigious awards for their groundbreaking works.

The exhibition has been arranged in collaboration with Barry Friedman Ltd., New York.

Glasmuseet Ebeltoft 15.10.2011 - 07.04.2012

Website & source : Glasmuseet Ebeltoft

Website : Ebeltoft Travel Guide

FIC123.BE een website met info en cultuur.

Belgique - Hornu - Michel François 45.000 affiches. 1994-2011

2011-11-29T20:18:00.001+01:00

Laurent Busine a choisi de consacrer l’exposition d’automne du MAC’s - Musée des Arts Contemporains du Grand-Hornu – à Michel François, artiste belge majeur présenté aujourd’hui dans le monde entier.

Les photographies de Michel François, et en particulier celles qu’il convertit en affiches disséminées à tous les vents et sans aucun commentaire, invitent le regardeur ou le passant à ne plus se suffire d’une connaissance de la vie par procuration, à troquer les images contre les sensations, la représentation contre l’expérience. Mettre la main à la pâte du monde, réinvestir les images de son propre regard.

La manifestation qui ne se veut pas rétrospective, est consacrée aux affiches grands formats qu’il réalise à partir de ses photographies. En effet, depuis 1994, à chaque nouvelle exposition une affiche est produite et offerte au public.Pour la première fois en Belgique, le musée a choisi de les rééditer dans leur ensemble, soit quelque 45 images (180 x 120 cm) tirées à 1000 exemplaires. Fidèle à la philosophie de l’artiste de permettre au public d’emporter avec lui des multiples de ses oeuvres, le MAC’s offre à chaque visiteur une des affiches exposées.

MAC's 23.10.2011 - 29.01.2012

Website & source : MAC's

Website : Hornu

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - BADAN-BADEN - Anselm Kiefer

2011-11-29T19:41:00.001+01:00

Mit der Ausstellung im Museum Frieder Burda stellt Anselm Kiefer zum ersten Mal seit seiner Übersiedlung nach Frankreich in seinem ehemaligen Heimatland Baden-Württemberg aus. Anselm Kiefer gilt als einer der national wie international wichtigsten Künstler unserer Zeit. 1945 in Donaueschingen/Baden-Württemberg geboren, verbrachte er seine Schulzeit in Rastatt, wo heute in der städtischen Galerie Fruchthalle eine monumentale Holzschnittinstallation von ihm zu sehen ist. Er studierte Bildende Kunst an den Akademien in Freiburg, Karlsruhe und Düsseldorf. Von 1993 bis 2006 lebte und arbeitete er in Barjac im südfranzösischen Département Gard. Seit 2007 ist Anselm Kiefer in Paris ansässig, wo er 2010 als Professor an das Collège de France berufen wurde. 1999 wurde ihm in Tokyo der renommierte Praemium Imperiale verliehen. 2008 erhielt er den Friedenspreis des deutschen Buchhandels.

Gezeigt werden ausgewählte Arbeiten aus der Sammlung Hans Grothe: 33 großformatige Bilder aus 30 Jahren, mit Schwerpunkt auf dem letzten Jahrzehnt. Erstmals öffentlich gezeigt wird die Arbeit „Essence“ aus der aktuellen Serie der Alpenlandschaften. Die Verbindung zum Museum Frieder Burda stellt das Werk „Böhmen liegt am Meer“ (1995) her, das sich schon seit vielen Jahren in der Sammlung Frieder Burda befindet.

Im Fokus der Ausstellung steht das monumentale Bild „Der fruchtbare Halbmond“ (460 x 760 cm), eine Arbeit aus dem Jahr 2010, die auf die Zusammenführung von Abendland und Morgenland verweist und zum ersten Mal in Deutschland gezeigt wird. Kiefer thematisiert hier den Turmbau zu Babel und die Wiege unserer Kultur im fruchtbaren Zweistromland. Der Turmbau entzweite die Religionen und Sprachen, aber Kiefer glaubt an das ursprünglich Einigende: Die Grundmauern sind nicht mehr nur zerstört, sie sind auch im Aufbau begriffen. Die einstigen Kräfte des fruchtbaren Landes können belebt werden, der Zusammenhalt der unterschiedlichen Kulturen ist möglich.

Bei den Werken, die für die Ausstellung ausgewählt wurden, steht nicht die sonst oft als charakteristisch dargestellte Aufarbeitung deutscher Vergangenheit im Mittelpunkt, Hierzu erläutert der Kurator Walter Smerling, dass es „vielmehr die christlich-jüdischen, die mythologischen Themen sind, die dominieren. Auch das oftmals beschriebene Pathos in Kiefers Werken erscheint eigentümlich gebrochen, zurückgenommen und neutralisiert. Die Sammlung beeindruckt, ohne zu überwältigen, und lädt ein zur analytischen Reflexion.“ Von Anfang an bewegt sich Kiefers malerisches Werk zwischen Abstraktion und Figuration. Symbolträchtige Verbindungen entstehen aus Blei, Beton, getrockneten Pflanzen, Glas, Stacheldraht und anderen heterogenen Materialien. Durch zahlreiche pastose, farbig zurückhaltende Schichten erhält die Bildoberfläche eine reliefartige Struktur und führt damit zu einer fast skulpturalen Plastizität der Bilder.

Von den Werken Anselm Kiefers hat sich Hans Grothe auch nach dem Verkauf seiner umfangreichen Kunstsammlung nicht getrennt. Seine ersten Kiefer-Bilder erwarb er aus reiner Faszination und emotionaler Berührung; denn inhaltlich-rational haben sie sich ihm zunächst nur schwer erschlossen. Die Sammlung enthält Werke aus drei Jahrzehnten, die unverwandt durch ihre einzigartige Materialität, ihre stringente Aussagedichte und ihre auratische Intensität faszinieren, die sich insbesondere in der Gegenüberstellung der Arbeiten vermittelt.

Die Ausstellung entstand in enger Kooperation zwischen dem Museum Frieder Burda und der Stiftung für Kunst und Kultur e.V. Bonn.

Museum Frieder Burda 7.10.2011 - 15.01.2012

Website & source : Museum Frieder Burda

Website : Baden-Baden

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - OOSTENDE - Hedendaagsekunst in dialoog met Jean Brusselmans

2011-11-22T08:39:00.001+01:00

Jean Brusselmans in dialoog met Jef Geys, Francis Picabia, Rodney Graham, Valérie Mannaerts, Jochen Lempert, Marc Nagtzaam, Christopher Williams, Philip Guston, Carol Bove, Marcel Broodthaers, Eugène Atget, Daniël Buren, Marc Camille Chaimowicz, Raoul De Keyser, Olivier Foulon, René Heyvaert, Pierre Klossowski, Sol LeWitt, Édouard Manet, Lucy McKenzie, Edward Krasinski, Jean-Luc Moulène, Charles & Ray Eames, Luigi Ghirri, Fischli & Weiss, Manfred Pernice, David Hockney, Walter Swennen, Alexandre de Wemmel en Willem Oorebeek.

Het zelfportret, het huis en de seizoenen brengt een nieuwe selectie schilderijen van Jean Brusselmans in dialoog met moderne en hedendaagse kunst. Na de solotentoonstelling deze zomer gaat Mu.ZEE verder met een onderzoek naar Brusselmans’ visie.

In deze groepstentoonstelling kijken we naar de bouwstenen van deze visie en het aanverwante onderzoeksveld van hedendaagse kunstenaars: genreoverschrijdende composities, het oeuvre als zelfportret en de gelaagde betekenis van kunst en individu, abstractie binnen het realisme, autonomie en anekdotiek, geometrie en allegorie, het grafische in verhouding tot het kleurenpalet, motieven versus herhalingen en het steeds weer naast elkaar plaatsen en (her-)structureren van elementen, de intuïtieve ervaring van fenomenen en een meetbare analyse van de werkelijkheid etc.

Met Het zelfportret, het huis en de seizoenen nodigen we iedereen uit om de actualiteit van Brusselmans’ visie te toetsen aan het onderzoek van hedendaagse kunstenaars, van de schilderijen van Raoul De Keyser, Philip Guston, Walter Swennen en Francis Picabia over de tekeningen en het grafische werk van Marc Nagtzaam, Lucy McKenzie, David Hockney, en Pierre Klossowski, tot en met documenten en publicaties gewijd aan Édouard Manet, Sol LeWitt en Edward Krasinski. De tentoonstelling brengt het werk van dertig verschillende kunstenaars samen. Daaronder bevinden zich bijzondere bruiklenen, zowel uit publieke als privécollecties. Mu.ZEE combineert ze met de presentatie van recente aanwinsten van onder meer Anne Daems, Jan Vercruysse, Valérie Mannaerts en Herman Van Ingelgem.

MuZEE 17.09.2011 - 15.01.2012

Website & bron : MuZEE

Website : Stad Oostende

FIC123.BE een website met info en cultuur

FRANCE - PARIS - Ilone et George Kremer, Héritiers de l'Âge d'Or hollandais

2011-11-22T08:11:00.001+01:00

L'exposition L'Âge d'Or hollandais, organisée à la Pinacothèque de Paris à l'automne 2009 autour des trésors des collections royales hollandaises, avait permis de mettre en lumière cette période unique en Europe au cours de laquelle une révolution humaine importante avait eu lieu un siècle et demi avant celle de la France.

L'Âge d'Or hollandais désigne une période faste qui a vu l'avènement au pouvoir politique d'une classe de marchands. Ce pays, qui, au XVIIe siècle, repose sur une richesse économique fulgurante, est l'un des seuls lieux en Europe où ne règne pas la guerre, l'inquisition et l'intolérance religieuse. Il devient un refuge pour les artistes, les écrivains et les philosophes qui ne trouvent nulle part ailleurs le moyen de s'exprimer librement.

Un extraordinaire mouvement artistique se développe alors, soutenu par une nouvelle catégorie de collectionneurs : les marchands et les bourgeois. Collectionner n'est plus à cette époque, en Hollande, l'apanage des aristocrates, comme ailleurs en Europe.

La collection exceptionnelle rassemblée par Ilone et George Kremer depuis plus de seize ans est à ce titre symbolique : comme si ce couple descendait directement de cette nouvelle catégorie de marchands collectionneurs. Tout comme leurs aînés, Ilone et George Kremer ont fait fortune dans le commerce international. Ce sont des collectionneurs passionnés, érudits, connaissant sans doute mieux leurs œuvres et les artistes hollandais que nombre de spécialistes et d'historiens d'art.

Le couple a constitué une collection unique de maîtres hollandais, de Rembrandt à Frans Hals en passant par Pieter de Hooch, Gerrit Dou et Gerrit van Honthorst. Ils ont également accordé une place importante aux maîtres aujourd'hui moins connus, mais tout aussi essentiels à l'époque.

La Pinacothèque de Paris présente un ensemble de cinquante-sept œuvres exceptionnelles qui privilégient la technique du clair-obscur, développée et largement diffusée durant l'Âge d'Or hollandais. Le parcours de l'exposition se concentre sur les scènes de genre et les rapports sociaux entre les différents métiers au XVIIe siècle hollandais et révèle également l'avénement de la bourgeoisie dans le monde des amateurs d'art et des collectionneurs. L'exposition présente aussi des natures mortes et des paysages représentatifs de cette période.

Découvrez le site de la Collection Kremer

La Pinacothèque 27.10.2011 - 25.03.2012

Website & source : La Pinacothèque

Website : Ville de Paris

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - LA LOUVIERE - Helvetica, Céramiques suisses d'aujourd'hui

2011-11-15T17:49:00.000+01:00

L'exposition rassemble des céramistes suisses dont l'œuvre sort du champ traditionnel de la céramique. Leurs démarches résolument contemporaines relèvent d'avantage de la sculpture et de l'installation plutôt que de l'objet. Travaillant pourtant la faïence, la porcelaine ou le grès, par coulage ou estampage, ils développent des œuvres tridimensionnelles voire conceptuelles. Celles-ci témoignent d’orientations audacieuses : déformation de la figure humaine (qui plus est historique) par Christian Gonzenbach ; interprétation de l’objet quotidien par Caroline Andrin ; rapport au corps chez Jean-Gabriel Cruz ; travail de citation et de relecture formelle de moules Art Déco par Philippe Barde ; rapport à l’espace cartographié par Margareta Daepp ou synthétique par Brigitta Briner. Deux sculptures puissantes d’Arnold Annen témoignent des limites du medium dans son utilisation sculpturale. Les œuvres sont mises en perspectives par un travail photographique de Matthieu Lavanchy.

Parallèlement, la Musée royal de Mariemont présente les collections du Musée historique et des Porcelaines de Nyon du 28 octobre 2011 au 12 février 2012. Fort de sa collection de porcelaines de Tournai, le Musée royal de Mariemont a noué des liens avec une Institution sœur qui possède également une importante collection de porcelaines du XVIIIème siècle. Présenté d'une manière contemporaine, cet ensemble dévoile un aspect peu connu de la tradition de la porcelaine en Europe.
Les photographies de Valérie Belin et Mathieu Lavanchy offrent un point de vue original de cet art ancien. Bettina Ammann et Fanny Liberek ponctuent ce patrimoine de leurs créations céramiques actuelles.

Musée Ianchelevici 29.10.2011 - 08.01.2012

Website & source : Musée Ianchelevici

Website : Ville de La Louvière

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - HAMBURG - Max Liebermann. Pioneer of Modern Art

2011-11-15T17:30:00.000+01:00

Max Liebermann (1847 - 1935), Der Papageienmann, 1902, Öl auf Leinwand, 102,3 x 72,3 cm, © Museum Folkwang, Essen

Max Liebermanns (1847-1935) is credited with introducing Modernism to German painting. For the first time, a new exhibition at the Hamburger Kunsthalle presents a comprehensive retrospective revealing how this process took place and the impressive oeuvre Liebermann was executing at the time.

Disillusioned by German academia, the young Berliner turned to France and Holland where he immersed himself in the progressive trends of the day. Liebermann studied outdoor painting in Barbizon, the cradle of naturalism; in Paris he came into contact with French Impressionism and in Holland he met supporters of The Hague School. In taking what he absorbed there and allowing it to flow into his work, Liebermann entered new territory both stylistically and in terms of subject. Liebermann's rendition of simple rural labor without literary and historical references drew harsh criticism at first, eventually culminating in the epithet "filth painter." In Berlin, Liebermann became the engine of an oppositional movement opposing the Prussian-Wilhelmine art policy. This comprehensive retrospective unites over one hundred key paintings from all phases of his creative development. They range from rustic, rural subjects to depictions of bourgeois leisure activity to his unerring portraits and the late, color-drenched garden paintings. Complementing the Hamburger Kunsthalle's large holdings are several other key pieces on loan from national and international museums, supplemented by work generously loaned from private collectors. The show is rounded off with examples of work by Liebermann's influences Mihaly Munkácsy, Adolph Menzel, Paul Cezanne and Auguste Renoir.

Accompanying the exhibition is a catalogue.

The exhibition was realized in cooperation with the Art and Exhibition Hall of the Federal Republic of Germany in Bonn.
Curators in Bonn: Dr. Robert Fleck, Agnieszka Lulińska, Marie-Amélie zu Salm-Salm
Curator of the exhibition: Dr. Jenns Howoldt

Galerie der Gegenwart, Sockelgeschoss - Hamburger Kunsthalle 30.09.2011 - 19.02.2012

Website & source : Galerie der Gegenwart, Sockelgeschoss - Hamburger Kunsthalle

Website : Stadt Hamburg

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - BRUSSEL-ELSENE - Pierre Lahaut, hommage

2011-11-09T08:09:00.000+01:00

De tentoonstelling brengt een hommage aan deze ondergewaardeerde kunstenaar, die tot onze vreugde deel uitmaakt van onze permanente verzameling. Ze vindt plaats naar aanleiding van zijn tachtigste verjaardag en de publicatie van een aan hem gewijde monografie.

Tijdens zijn schildersloopbaan experimenteerde hij met allerlei technieken – potlood, pastel, aquarel - uit, maar zijn voorliefde voor olieverf bleef een constante in zijn werk. In de loop der jaren evolueerde zijn kunst naar een andere, abstracte beeldtaal, die niettemin toegankelijk en gevoelig bleef.

Zijn universum confronteert ons met een fluwelige, raadselachtige, stille en poëtische wereld.

Koppig, met een nerveuze onrust maar ook met een duidelijk plezier, heeft Pierre Lahaut gebouwd aan een uiterst origineel oeuvre dat de innerlijke wereld openbaart van een schilder die trouw is gebleven aan zichzelf en die onvermijdelijk ooit door de profane wereld omarmd zal worden.
Uit F. Lalande, Pierre Lahaut. Portrait et autoportraits (Portretten en Zelfportretten). In het boek over Pierre Lahaut, Mercatorfonds

Pierre Lahaut is in 1931 geboren. Op zijn eenentwintigste beslist hij schilder te worden. Ondanks de economische problemen die het beroep met zich meebrengt, blijft hij trouw aan zijn keuze. Hij is vader van zes kinderen, wordt leraar, maar de overheid heeft het moeilijk met zijn originaliteit. Hij verblijft een poos in Parijs waar hij zich vervolmaakt in de gravurekunst en krijgt na zijn terugkeer en de nieuwe wind van mei 68 een vaste aanstelling. In 1969 wordt hij aan de beroemde Ecole supérieure des arts visuels (Hogeschool voor Visuele kunsten) van Ter Kameren benoemd tot leraar ‘tekenen en grafische verbeelding’. In 1980 richt hij het ‘atelier tekenen en grafische stimulering’ op, dat hij tot 1995 leidt. Hij trekt zich terug in Frankrijk waar hij, wars van enige mode, voortwerkt aan zijn originele oeuvre.

Op de tentoonstelling is een overzicht te zien van Lahauts werk tussen 1956 en 2008. Zijn oeuvre hoort niet thuis in een of andere categorie, het evolueert voortdurend, en met zijn scheppende kracht laat het zich in geen enkel systeem opsluiten. Het balanceert op de grens van abstractie en figuratie en maakt gebruik van wisselende technieken, van olieverf tot pastel. Pierre Lahaut openbaart een geheimzinnige, nu eens kalme en dan weer beangstigde wereld die door grote vrijheid gekenmerkt wordt

Museum van Elsene 20.10.2011 - 22.01.2012

Website & bron : Museum van Elsene

Website : Elsene

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - BERLIN - From Rembrandt's Time. The Art of Drawing in Holland's Golden Century

2011-11-09T07:55:00.000+01:00

Hendrik Avercamp Eisvergnügen, um 1615-20 Wasserfarben und Feder in Braun; 27,4 x 40,1 cm
© bpk / Kupferstichkabinett, SMB / Jörg P. Andersend of legend

With Dutch art from the 17th century, frequently referred to as the 'golden century', one usually thinks of paintings of landscapes and burlesque genre scenes with farmers, of Rembrandt's biblical scenes and of the still interiors of Vermeer. Dutch drawings seem to figure far less often in our general consciousness.

Great artists such as Rembrandt applied themselves with great dedication to creating works in pencil and ink, as did less well known, but nonetheless gifted artists, all of them producing works of the highest order. Important landscape artists such as Jan van Goyen and Jacob van Ruisdael, famous genre painters such as Adriaen and Isaac van Ostade all drew, either to make preparatory sketches for their paintings, play around with pictorial ideas or create separate small works for the market. In addition to their number, numerous amateurs also proved to be expert draughtsmen, including statesmen such as Constantijn Huygens Jr., or military engineers such as Valentin Klotz. These masters of the art are surprising for the timeless appeal of their private images of town and country.

There are only a few collections in the world in which this unusually rich period of the art of drawing is represented as systematically, clearly and in such great quality as in Berlin's Kupferstichkabinett, whose collection boasts not only works by the great masters from this era, but also from widely varying schools. Only here can one find, for instance, the tender plant studies of Pieter Saenredam, otherwise renowned as a painter of church interiors. A selection of 100 works, entirely taken from our own collection, provides a comprehensive overview of this alluring epoch. The exhibition spans from the pioneers who paved the way for the 'golden century' to the great masters as its heyday drew to a close around 1680.

Kupferstichkabinett 28.10.2011 - 26.02.2012

Website & source : Kupferstichkabinett

Website : Visit Berlin

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - ANTWERPEN - Circuito dos Diamantes

2011-11-01T08:10:00.000+01:00

Het Antwerpse Diamantmuseum wil een licht werpen op een eerder somber hoofdstuk uit de Antwerpse diamantgeschiedenis. De 18de eeuw was een periode vol verandering voor de diamantsector door de ontdekking van ruwe diamant in Brazilië rond 1714.

Zeker toen de Nederlanders het monopolie verwierven om Braziliaanse diamanten te kopen, beleefde de sector in Antwerpen een moeilijke periode. Toch konden de lokale slijpers hun talent tonen omdat onze noorderburen hen de lastigste diamanten doorschoven. De toevoer van Braziliaanse diamant in Antwerpen is vooral te danken aan James Dormer (1707-1758) - an Englisman abroad - die een heus zakenimperium stichtte, gebaseerd op de handel in Braziliaanse diamant. De tentoonstelling vertelt het opmerkelijke levensverhaal van James Dormer, toont buitengewone Braziliaanse mineralen en edelstenen, en uitzonderlijke pronkstukken uit onder meer de collectie van het Portugese koningshuis, de toenmalige kolonisator van Brazilië.

Diamantmuseum Antwerpen 20.10.2011 - 10.01.2012

Website & bron : Diamantmuseum Antwerpen

Website : Antwerpen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DANMARK - HUMLEBAEK - Klee & Cobra

2011-11-01T07:54:00.000+01:00

Two focal points of 20th century art, Paul Klee and the Cobra group, were fundamentally inspired by the creative power of children. Now, for the first time, the exhibition at Louisiana presents this surprising and important relationship.

When Paul Klee rediscovered his own childhood drawings in the attic of his parents’ home in Bern, it would prove to be a revelation for the young Swiss artist. Aged 23 at the time and longing to free himself from all classical restrictions and conventions, Paul Klee found in these drawings exactly the kind of authenticity and power of expression, that he was on the look-out for. Indeed Klee (1879-1940), one of the great classics of 20th century art, would remain deeply fascinated with and very directly inspired by the artistic creativity of children for the rest of his life.

In turn, Klee and this lifelong passion of his would become an important source of inspiration for the Cobra group, formed by artists from Denmark, Belgium and The Netherlands. After the devastations of World War II, this shortlived, but highly influential artistic movement (1948-1951), sought new ground, wishing “to start all over just like a child,” as one of its members, Karel Appel, stated. Cobra artists perceived Klee as a sort of father figure: “he has touched the innermost essence of art and made something come alive for us.” They explored the origins of art, as found a.o. in the pictures of children, in a collective and political spirit, often creating works that radiate a sense of freedom and childlike joy.

The exhibition at Louisiana brings together about 120 works by Klee and a similar number of works by Cobra artists, arranged into five key themes: children, acrobats, animals, war and masks – each highlighting a surprising amount of parallels and points of contact between the two parties.

Louisiana Museum of Art 30.09.2011 - 08.01.2012

Website & source :Louisiana Museum of Art

Website :Humlebaek

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - HASSELT - Architecture of Fear

2011-10-26T08:30:00.000+02:00

Jill Magid - A Reasonable Man in a Box, 2010

Architecture of Fear kijkt naar hoe onze hedendaagse mediamaatschappij gedomineerd wordt door angstgevoelens. In de media worden we dagelijks gebombardeerd met sensationele berichtgeving, als burger worden we geconfronteerd met steeds toenemende veiligheidseisen en controle.

De oorzaak van de angst lijkt voortdurend te verschuiven. Vaak gaat het om ongrijpbare of zelfs onzichtbare fenomenen (terreur, virale ziektes, de klimaatopwarming, het onveiligheidsgevoel, de financiële crisis).

Eerder dan een emotionele overlevingsstrategie wordt angst een diffuus gevoel op de achtergrond dat zich aan een veelheid van gegevens kan vastklampen om deze tot potentiële bedreiging uit te roepen. Hierdoor gaan we ons in een permanente staat van uitzondering bevinden waar angst de basis wordt van een nieuwe globale infrastructuur van veiligheid, preventie en risico management.

De tentoonstelling Architecture of Fear brengt een selectie internationale kunstenaars en ontwerpers die op diverse manieren reflecteren op de maatschappij van de angst en haar emotionele, sociale of ruimtelijke mechanismen.

Kunstenaars: Bureau D'Etudes, De Geuzen, Floris Douma, Laurent Grasso, Ilkka Halso, Susanna Hertrich, Charlotte Lybeer, Jill Magid, Jennifer and Kevin McCoy, Tracey Moffatt, Trevor Paglen, Marie Sester, Kin Wah Tsang en Els Vanden Meersch.

Z33 Huis voor actuele kunst 02.10.2011 - 31.12.2011

Website : Z33

Website : Hasselt

FIC123.BE een website met info en cultuur.

SWEDEN - STOCKHOLM - Turner, Monet, Twombly - Later Paintings

2011-10-26T08:17:00.001+02:00

J. M. W. Turner (1775-1851), Claude Monet (1840-1926) and Cy Twombly (1928-2011) are three of the greatest painters of the last 150 years. This groundbreaking exhibition focuses on their later work, examining not only the art historical links and affinities between them but also the common characteristics of and motivations underlying their late style.

While it proposes the modernity of Turner and Monet it also demonstrates the strong lure of classicism in the painting and sculpture of Twombly. A continuing interest in romanticism and the sublime, which far from ceasing in the mid-nineteenth century prevails today, are among the sub-themes of this show.

All three artists were considered radical in their time and met with negative comment when pushing the boundaries of the conventions of painting. Their late work has a looseness and an intensity that comes from the confidence of age, when notions of finish and completion are modified. A review of earlier preoccupations and a strong sense of mortality are also common characteristics of this period of life. By judicious juxtaposition the exhibition will not only illuminate the practice of each artist but will be informative about late creativity.

It is not simply the combination of Turner, Monet and Twombly that is groundbreaking. This will be an exhibition that examines each artist in some depth, and will introduce their work to new audiences in new ways.

Moderna Museet 08.10.2011 - 15.01.2012

Website & source : Moderna Museet Stockholm

Website : Stockholm

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - DEINZE - Joost Colpaert - Heterotopie

2011-10-18T08:57:00.001+02:00

Joost Colpaert zag het levenslicht in 1965 in Oudenaarde, waar hij tot op vandaag woont en werkt. We kunnen zijn oeuvre opdelen in een aantal vrij uiteenlopende reeksen van werken. Het vroege werk laat zorgvuldig opgebouwde kluwens van langwerpige gebogen volumes zien en heeft verwantschap met de geometrische abstractie. Een volgende reeks bestaat uit fictief samengestelde plattegronden van potlood op kalkpapier, deels in kleur opgehoogd met een kronkelende lijn die geïnspireerd is op een waterloop. Aansluitend volgt een serie van werken op doek, gebaseerd op luchtfoto's, die interessante patronen in de opdeling van het landschap weergeven. Een recente reeks van werken zijn dan weer gebaseerd op een videostill van waterdruppels die hij op verschillende manieren benadert. Het belang van het element water en de picturale weergave van de kronkelende lijn blijven twee belangrijke factoren binnen zijn werk.

Museum van Deinze en de Leiestreek 08.10.2011 - 27.11.2011

Website & bron :Museum van Deinze en de Leiestreek

Website : Deinze

FIC123.BE een website met info en cultuur.

U.K. - LONDON - Postmodernism

2011-10-18T08:36:00.001+02:00

Grace Jones in a maternity dress designed by Jean-Paul Goude and Antonio Lopez, 1979 © Jean-Paul Goude

Of all movements in art and design history, postmodernism is perhaps the most controversial. This era defies definition, but it is a perfect subject for an exhibition. Postmodernism was an unstable mix of the theatrical and theoretical. It was visually thrilling, a multifaceted style that ranged from the colourful to the ruinous, the ludicrous to the luxurious.

What they all had in common was a drastic departure from modernism’s utopian visions, which had been based on clarity and simplicity. The modernists wanted to open a window onto a new world. Postmodernism, by contrast, was more like a broken mirror, a reflecting surface made of many fragments. Its key principles were complexity and contradiction. It was meant to resist authority, yet over the course of two decades, from about 1970 to 1990, it became enmeshed in the very circuits of money and influence that it had initially sought to dismantle.

Postmodernism shattered established ideas about style. It brought a radical freedom to art and design, through gestures that were often funny, sometimes confrontational and occasionally absurd. Most of all, postmodernism brought a new self-awareness about style itself.

Presence of the past
The 1960s and 1970s saw widespread experimentation with architectural styles from the past. This tendency was attacked by hostile critics as a retreat, as pastiche or as merely ironic. But historicism could be radically expansive and optimistic, or inspired by an elegiac sense of the past that modernism had excluded. Postmodernism lived up to its central aim: to replace a homogenous idiom with a plurality of competing ideas and styles. That wide embrace was reflected in Hans Hollein’s façade for the Venice Biennale in 1980, which had as its centrepiece a ‘street of styles’ named the Strada Novissima. Hollein designed a set of columns that reprise the history of architecture, from the primitive garden through classical ruin to a modernist skyscraper. This extraordinary set piece is recreated in the V&A exhibition at full scale.

V & A 24.09.2011 - 15.01.2012

Website & source : V & A

Website : London City Guide

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - ANTWERPEN - Palazzo Rubens - De meester als architect

2011-10-12T08:24:00.000+02:00

Peter Paul Rubens was een echte architectuurkenner. Dat ziet u op heel wat van zijn schilderijen. Maar hij werkte ook mee aan spraakmakende Antwerpse bouwprojecten. Het bekendste is zijn eigen woning: het Rubenshuis.

In 1610 kocht Rubens dit huis met extra grond op de Wapper nabij de Meir, de chicste straat van de stad. Het werd grondig verbouwd volgens zijn eigen ontwerp. Het huis kreeg er een barokke portiek, een schildersatelier en een tuinpaviljoen bij. In dit ontwerp liet Rubens zijn artistieke idealen zien: de klassieke oudheid en de Italiaanse kunst. Door zijjn ingrepen kreeg het de uitstraling van een echt palazzo. Het verbouwde huis was een absolute bezienswaardigheid in Antwerpen. De portiek is nu nog steeds een van de pronkstukken van het museum Rubenshuis.

Als architect vond Rubens inspiratie bij de grote Italiaanse schildersarchitecten zoals Michelangelo en Giulio Romano. Ook in Italiaanse architectuurboeken deed hij ideeën op. Rubens publiceerde zelf trouwens een boek over architectuur. Daarmee wilde hij moderne voorbeelden van goede architectuur aanreiken, zoals hij die zelf in Italië had gezien.

In ‘Palazzo Rubens. De meester als architect’ ontdekt u het veelzijdige architectuurtalent van Rubens: gedreven kenner, bouwheer, ontwerper en uitgever!

Rubenshuis 10.09.2011 - 11.12.2011

Website & bron : Rubenshuis

Website : Antwerpen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - CASSEL - Fascination baroque - La sculpture baroque flamande dans les collections publiques françaises

2011-10-12T08:12:00.000+02:00

Guillaume Kerricx le Vieux (attribué à)

Notre-Dame de la Victoire portant l'Enfant Jésus

Cette exposition, qui rassemble plus de soixante oeuvres des plus grands sculpteurs flamands des XVIIe et XVIIIe siècles, témoigne de cet engouement en France, plus ou moins récent, pour la sculpture baroque flamande.

En Flandre, l'explosion du Baroque, marquée par le génie de Peter Paul Rubens, se traduit dans la sculpture par une émulation artistique sans précédent. Sous l'impulsion de la Contre-Réforme, les commandes affluent et les églises regorgent de sculptures des plus grands maîtres. Que ce soit pour les confessionnaux, les chaires ou les jubés, le talent est mis au service de l'exaltation de la foi. Ce mouvement se traduit par l'exacerbation des sentiments, des sens avec un raffinement dans les poses élancées. Les sujets antiques, qui possèdent un caractère dramatique, deviennent des sujets de prédilection.

Plusieurs musées et églises françaises possèdent de véritables petits trésors peu connus du grand public à l'instar de cette sublime Vierge en ivoire du musée diocésain de Lille. A travers un parcours thématique, c'est tout le processus de création qui est mis en exergue avec les étonnantes terres cuites et les extraordinaires dessins préparatoires. Une exposition sous le signe du Beau et du Sublime !

Le commissariat de cette exposition est assuré par Alain Jacobs, spécialiste de la sculpture baroque flamande.

Musée de Flandre 15.10.2011 - 28.01.2012

Website & bron : Musée de Flandre

Website : Cassel

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - BRUSSEL - Vlaamse miniaturen

2011-10-05T08:38:00.000+02:00

Voor het eerst brengen de Koninklijke Bibliotheek van België en de Bibliothèque nationale de France hun collecties samen en bundelen ze hun krachten om de bloeitijd van de Vlaamse miniatuurkunst in het volle daglicht te zetten.

Ze organiseren een dubbeltentoonstelling van internationale allure die opent in Brussel (van oktober tot december 2011) en daarna een vervolg krijgt in Parijs (van maart tot juli 2012). Het publiek krijgt op elke plaats verschillende handschriften te zien.

Dit gemeenschappelijk project is het resultaat van het onderzoek dat sinds meerdere jaren in beide instellingen wordt gevoerd en dat reeds verwerkt werd in een aantal wetenschappelijke catalogi.

In totaal worden maar liefst 140 van de meest prestigieuze verluchte handschriften aan het publiek voorgesteld. Sommige zijn al meer dan 50 jaar niet meer getoond, andere zijn onbekend.

De originele scenografie zal niet alleen oog hebben voor de stukken zelf, maar ook de context waarin die stukken tot stand zijn gekomen zal uitgebreid aan bod komen.

Zo dringt de bezoeker pagina na pagina steeds dieper door in een middeleeuwse fantasiewereld die wordt bevolkt door helden en legenden en waar we Alexander de Grote, Karel de Grote, Lancelot en de fee Melusine zij aan zij vinden met Reinaart de Vos, gevleugelde draken en aardige eenhoorns.

Dit evenement, een echte uitwisseling tussen twee nationale instellingen, biedt een uitzonderlijke en unieke kans om een deel van de verzamelingen van Belgische en Franse handschriften tentoongesteld te zien. Waardevolle miniaturen uit de Bibliothèque nationale de France zullen worden tentoongesteld in Brussel en vice versa. Zo krijgt de bezoeker de kans om handschriften te ontdekken die hij later niet meer zal kunnen bewonderen…

Koninklijke Bibliotheek van België 30.09.2011 - 31.12.2011

Website & bron : Koninklijke Bibliotheek van België

Website : Brussel

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - LILLE - Lanskoy, un peintre russe à Paris.

2011-10-05T08:26:00.001+02:00

L'exposition "Lanskoy, un peintre russe à Paris" présente pour la première fois une rétrospective d'envergure de l'oeuvre d'André Lanskoy dans un musée français. De fait, le musée possède un ensemble d'oeuvres unique et exceptionnel de l'artiste (une soixantaine de peintures figuratives et une dizaine de toiles abstraites), constitué par Roger Dutilleul et Jean Masurel, donateurs de la collection d'art moderne du LaM et mécènes indéfectibles de Lanskoy à partir des années 1920. À travers plus de 150 oeuvres provenant de diverses collections publiques et privées, l'exposition montre l'oeuvre de Lanskoy dans toute sa diversité, en insistant sur la variété des supports : peintures, gouaches, papiers découpés et collés, ainsi que livres, tissus, tapisseries et mosaïques.

LAM 24.09.2011 -15.01.2012

Website & source : LAM

Website : Lille

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - DROGENBOS - Paul Van Hoeydonck: de abstracte werken

2011-09-28T08:36:00.001+02:00

Compositie 1958

Ook al is zijn naam niet los te maken van de ‘Space Art’, omwille van het eerste kunstwerk op de maan (1971), mogen we niet vergeten dat Paul Van Hoeydonck een belangrijke vertegenwoordiger is van de tweede generatie abstracte kunstenaars. Na de Tweede Wereldoorlog werd de abstractie na twintig jaar stilte nieuw leven ingeblazen. De na-oorlogse drang voor vernieuwing versnelde de opkomst van non-figuratieve bewegingen. Talrijke kunstgroepen zagen het daglicht. Zo was Paul Van Hoeydonck medestichter van de Brusselse groepen ‘Art Abstrait’, ‘Formes’ en ‘Art Construit’, waarvan Jo Delahaut aan de basis stond. In 1956 en 1959 heeft hij reeds solotentoonstellingen in de beroemde Galerie Saint-Laurent en in 1961 en 1963 in het Paleis voor Schone Kunsten.

Van Hoeydonck heeft een belangrijke rol gespeeld in de oprichting van de Groep 58-Hessenhuis. Deze groep Antwerpse kunstenaars wou de dynamiek van Expo 58 evenaren en zorgde voor de geleidelijke verschuiving van het artistieke zwaartepunt van Brussel naar Antwerpen.

Paul Van Hoeydonck geniet een internationale uitstraling, met tentoonstellingen in onder andere Milaan, Venetië, Düsseldorf, New York en was actief in de NUL-beweging, de Nederlandstalige tegenhanger van de Duitse ZERO-groep. In 1959 organiseerde hij de prestigieuze groepstentoonstelling “Vision in Motion – Motion in Vision”.

Niettegenstaande zijn bijdrage aan verschillende kunstgroepen, is hij altijd zijn eigen weg blijven bewandelen. Hij trachtte verder te gaan dan de zuivere geometrische abstractie. Hij verliet de strakke evenwichtige structuren om door een spel van onregelmatige vormen, in vaak felle kleuren, bewegingsillusies op te wekken. Licht asymmetrische constructies zorgen voor een dynamisch en ritmisch geheel. Zijn experimenten mondden uit in driedimensionale reliëfs, waarbij hij later het gebruik van plexiglas introduceerde. Deze nieuwe materie liet hem toe met lichtbrekingen te spelen.

Beweging en licht zijn de sleutelwoorden in zijn abstract œuvre, en dit kondigt reeds zijn evolutie naar de Space Art aan.

Ter gelegenheid van de tentoonstelling wordt een uitgebreide monografie uitgegeven (met een analytische tekst van Jan Ceuleers). De uitgave is ontstaan uit de samenwerking tussen Ronny Van de Velde, het FeliXart Museum en uitgeverij Pandora.

FeliXart Museum 04.09.2011 - 18.12.2011

Website & bron :FeliXart Museum

Website : Drogenbos

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - MOULINS - L’art du costume à la Comédie-Française

2011-09-28T08:20:00.000+02:00

À l’occasion de son cinquième anniversaire, le Centre national du costume de scène et de la scénographie rend hommage à l’une de ses institutions fondatrices : la Comédie-Française. En exposant les plus belles pièces de ce théâtre emblématique, le CNCS retrace l’histoire du costume de théâtre, des ateliers de couture, comme celle de la Comédie-Française elle-même, à travers les grandes figures qui l’ont marquée, auteurs, comédiens, metteurs en scène, costumiers.

Depuis sa fondation par Louis XIV, le Roi Soleil, il y a plus de trois siècles, la Comédie-Française remplit la mission qui lui avait été assignée : arpenter le chemin de l’excellence dans tous les domaines du spectacle, dont celui du costume.

Hommage à la Comédie-Française, cette exposition est d’abord dédiée à ses ateliers de costumes et à leur directeur, ainsi qu’aux illustres noms qui ont marqué son histoire, en offrant un ensemble exceptionnel de plus de 200 costumes, issus des collections de la Comédie-Française déposées au CNCS et du fonds du théâtre. Une manifestation d’autant plus spectaculaire que la scénographie, directement inspirée de la célèbre Salle Richelieu, comporte une partie « salle » et une partie « coulisses», entraînant le public dans un parcours théâtralisé de l’univers de la Comédie-Française.

Centre national du costume de scène et de la scénographie 11.06.2011 - 31.12.2011

Website & source : CNCS

Website : Ville de Moulins

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - LIER - Bruegelland

2011-09-21T08:27:00.000+02:00

Sint-Joris kermis

Hoe groot was de invloed van Pieter Bruegel de Oude op de schilderkunst in Vlaanderen?

Naar aanleiding van de tijdelijke sluiting van het KMSKA Antwerpen, komen een honderdtal werken naar het stedelijk museum Wuyts-Van Campen & Baron Caroly. De tentoonstelling Bruegelland wordt aangevuld met stukken uit de eigen collectie.

De tentoonstelling Bruegelland onderzoekt de invloed van Pieter Bruegel de oude op de schilderkunst in de Lage Landen. Het Koninklijk Museum voor Schone Kunsten Antwerpen, tot 2017 gesloten voor een ingrijpende verbouwing, geeft hiervoor een honderdtal werken in bruikleen aan het Stedelijk Museum Lier.

Wie kent de volkse taferelen van Bruegel niet? Ze staan in ons collectief geheugen gegrift en zijn ook tot ver buiten onze landsgrenzen gekend.

Bruegels werken kenden al tijdens zijn leven een gigantisch succes. Door de grote vraag zetten Bruegels zonen de succesformule van hun vader verder. Later schilderden Van Craesbeeck, Van Ostade, Teniers en Steen hun interpretatie van de kermissen en kroegtaferelen. En in de achttiende en negentiende eeuw traden kunstenaars als Horemans en De Braekeleer in Bruegels voetspoor met volkse onderwerpen. Vlaamse expressionisten als Permeke, De Smet, Smits en Van De Woestyne bliezen in de vroege twintigste eeuw met aardkleurig coloriet en schrale verfbehandeling nieuw leven in de boerentaferelen. Kortom: de invloed van Bruegel reikt veel verder dan we op het eerste zicht denken.

Felix Timmermans voerde de kunstenaar in zijn veel gelezen roman Pieter Bruegel uit 1928 op als geniale rebel, een typering die ver staat van de historische realiteit. Het populaire/volkse Breugelbeeld bevestigt onze manier van opkijken naar het ‘eigene’ en onderschrijft het tegendraadse in de kunst van de zestiende en zeventiende eeuw.
Bruegelland volgt de rode draad van volkse traditie doorheen de Vlaamse en Hollandse kunst door wisselende opstellingen met telkens een vijftigtal schilderijen uit de collectie van het Koninklijk Museum voor Schone Kunsten Antwerpen aangevuld met werken en preciosa uit de verzameling van de Stedelijke Musea Lier. Ieder jaar wisselt een onderdeel van de opstelling.

Stedelijk museum Wuyts-van Campen & Baron Caroly 18.06.2011 - 31.12.2017

Website : Stedelijk museum Wuyts-van Campen & Baron Caroly

Website : Stad Lier

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - PARIS - Fra Angelico et les Maîtres de la lumière

2011-09-21T08:08:00.001+02:00

Le Musée Jacquemart-André consacre une exposition à Fra Angelico.
Le Musée Jacquemart-André est le premier musée français à rendre hommage à Fra Angelico, figure majeure du Quattrocento. L’exposition présente près de 25 œuvres majeures de Fra Angelico et autant de panneaux réalisés par les peintres prestigieux qui l’ont côtoyé : Lorenzo Monaco, Masolino, Paolo Uccello, Filippo Lippi ou Zanobi Strozzi.

Alliant dans ses œuvres l’éclat des ors, hérité du style gothique, à la nouvelle maîtrise de la perspective, Fra Angelico (vers 1400-1455) a pleinement participé à la révolution artistique et culturelle que connaît Florence au début du XVe siècle. Il a ainsi été l’initiateur d’un courant artistique que les spécialistes ont appelé les « peintres de la lumière ».

Autour de lui, seront évoqués les peintres illustres qui ont eu une influence significative sur son art, comme son maître Lorenzo Monaco (vers 1370-1424), Masolino (1383-vers 1440) et Paolo Uccello (1397-1475), ainsi que les artistes qu’il a inspiré à son tour, tels que Filippo Lippi (1406-1469) ou Zanobi Strozzi (1412-1468).

L’exposition « Fra Angelico et les Maîtres de la lumière » est réalisée en partenariat avec les grands musées italiens – dont la Galerie des Offices de Florence – et des collections de renommée internationale.

DES OEUVRES MAJEURES
Le génie de cet artiste est multiple et s’exprime avec une égale maîtrise sur des supports très variés. Fra Angelico, que l’on connaît surtout pour l’ample décor à la fresque qu’il a réalisé au monastère San Marco de Florence, excelle tout autant dans l’art raffiné de l’enluminure et de la peinture sur bois, comme l’exposition va permettre de le découvrir.

Ce sont en effet des panneaux et des ouvrages aussi richement ornés que le Triptyque du Jugement dernier (Galleria Nazionale di Palazzo Corsini, Rome), la Madone de Cedri (Museo Nazionale di San Matteo, Pise) ou l’un des volets de l’Armoire des ex-voto d’Argent (Museo di San Marco, Florence) qui seront exposés au Musée Jacquemart-André. Ces œuvres témoignent du goût de Fra Angelico pour les couleurs élégantes et contrastées. La délicatesse des nuances qu’il choisit met en valeur la finesse des figures qu’il représente dans des épisodes bibliques et des scènes de la vie des saints.

Les visiteurs pourront également découvrir le chef-d’œuvre de l’artiste : les fresques des cellules du couvent San Marco à Florence grâce à une vidéo présentée à l’entrée de l’exposition.

L’ORIGINALITE DE FRA ANGELICO AU COEUR DE LA PREMIERE RENAISSANCE FLORENTINE
Élève de Lorenzo Monaco, moine comme lui, Fra Angelico apprend son art à Florence, dans un environnement imprégné par le gothique international. La délicatesse de ce style, qui mêle influences du Nord de l’Europe et de l’Italie, inspire à Fra Angelico des compositions d’une grande profondeur spirituelle.

Les sujets auxquels Fra Angelico s’attache relèvent de la tradition picturale religieuse, mais il se plaît à les réinterpréter tout au long de sa carrière. Ainsi, les nombreuses variations qu’il propose autour du thème de la Vierge d’humilité témoignent de sa grande facilité à intégrer les audaces stylistiques promues par les tenants d’une nouvelle peinture. Il n’ignore rien des innovations des grands Maîtres de son temps, comme Masolino et Uccello, qui proposent une représentation du monde plus réaliste, soutenue par l’importance de la figuration humaine et la nouvelle maîtrise des règles de la perspective.

S’il adopte ces nouveaux préceptes picturaux, Fra Angelico reste cependant fidèle aux principes de la peinture religieuse médiévale : ses œuvres conservent en effet une fonction didactique, renforcée par la valeur mystique qu’il donne à la lumière. Au cœur de cette première Renaissance florentine qui marque un tournant dans l’art européen, Fra Angelico tient ainsi une place aussi significative qu’originale.

Musée Jacquemart-André 23.09.2011 - 16.01.2012

Website & source :Musée Jacquemart-André

Website : Paris

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - ANTWERPEN - Walter Van Beirendonck - Dream The World Awake

2011-09-14T09:11:00.000+02:00

Het Antwerpse ModeMuseum presenteert de eerste grote overzichtstentoonstelling van ontwerper WALTER VAN BEIRENDONCK.

Walter Van Beirendonck bouwde de afgelopen drie decennia een indrukwekkende internationale carrière uit. Hij geldt als het buitenbeentje van de Antwerpse mode en werd vooral bekend omwille van zijn kleurrijke collecties, zijn spectaculaire defilés in Parijs in de jaren 1990 onder het W.&L.T. label en de maatschappijkritische thema’s die hij in zijn ontwerpen aansnijdt. In zijn werk combineert hij de meest uiteenlopende inspiratiebronnen, gaande van technologie, kunst, popcultuur tot etnografie.

De tentoonstelling geeft naast een selectie van de meest bijzondere silhouetten uit Van Beirendoncks collecties een overzicht van zijn leefwereld, inspiratiebronnen en projecten. Aan de hand van verschillende thema’s gaan we dieper in op het verhalende karakter van zijn oeuvre, zijn fascinatie voor etnografie, spiritualisme en het bovennatuurlijke, rituelen, science fiction en technologie. We bekijken hoe Van Beirendonck de grenzen van de schoonheid aftast, zijn eigen invulling geeft aan door de maatschappij opgelegde denkbeelden met betrekking tot bijvoorbeeld gender en seksualiteit en hoe hij actuele thema’s als ecologie, aids of massaconsumptie verwerkt in zijn collecties en presentaties. Ook de diverse projecten waaraan Van Beirendonck naast de catwalk werkte, komen aan bod. Bijzondere aandacht gaat naar de kostuums die hij in 1997 ontwierp voor U2’s PopMart Tour. Speciaal voor de tentoonstelling werkte Van Beirendonck, samen met modefotograaf Nick Knight/SHOWstudio.com, stylist Simon Foxton en het Britse mannenmodeblad GQ Style, een nieuw foto- en videoproject uit.

ModeMuseum Antwerpen 14.09.2011 - 19.02.2012

Website & bron : ModeMuseum Antwerpen

Website : Antwerpen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - WUPPERTAL - Alfred Sisley der Impressionist

2011-09-14T08:55:00.000+02:00

Zeit seines Lebens hat sich Alfred Sisley um die französische Staatsbürgerschaft bemüht – vergeblich. Aber obwohl der in Paris geborene Sohn britischer Eltern nie einen französischen Pass bekam, wird er wie selbstverständlich mit Monet, Renoir, Degas, Pissarro in einem Atemzug genannt. Er gilt heute als einer der wichtigsten Künstler des französischen Impressionismus. Umso erstaunlicher ist, dass Sisley in Deutschland nie eine große Einzelausstellung gewidmet wurde.

Deshalb zeigt das Von der Heydt-Museum im Herbst 2011 nach den großen Ausstellungen zur „Schule von Barbizon", zu Renoir, Monet und Bonnard die erste große Sisley-Ausstellung in Deutschland.

1839 geboren und damit ein Jahr älter als Monet und zwei Jahre älter als Renoir, studierte Sisley 1857 in London Wirtschaftswissenschaften und bewunderte dort das Werk von William Turner und John Constable. Von 1860 bis 63 studierte er in Paris im Atelier des Schweizer Malers Charles Gleyre, wo er mit Monet und Renoir Freundschaft schloss. Da seine Gemälde vom offiziellen Salon mehrfach zurückgewiesen wurden, nahm er 1874 an der ersten Impressionisten-Ausstellung teil. Auch in den folgenden Jahren war er häufig mit Monet, Renoir, Pissarro, Degas und Manet zusammen und stellte mit den Impressionisten aus. Als Galeristen waren für Sisley vor allem Durand- Ruel und Georges Petit, die auch die anderen Impressionisten vertraten, tätig. 1880 verließ Sisley die Hauptstadt Paris, um sich mit seiner Familie auf dem Land niederzulassen, zunächst in Veneux-Nadon und ab 1882 in Moret-sur- Loing, wo er 1899 starb.

Das Oeuvre Sisleys umfasst 884 Gemälde, nahezu ausschließlich zauberhafte Landschaften, die er in der Umgebung von Paris malte. Wie Monet malte auch Sisley zum Teil in Serien, so gibt es zahlreiche Bilder, die an den Ufern der Seine entstanden, es gibt eine Reihe von Winterlandschaften, aber vor allem prächtige Frühlings- und Sommerbilder, viele Ansichten seines Wohnortes Moret-sur-Loing, eine Serie, die, analog zu Monets „Kathedrale von Rouen, die Kirche von Moret-sur-Loing zum Thema hat und die Bildserie „Überschwemmung in Pont-Marly", die er 1872 begann und 1876 noch einmal aufnahm.

Sisley selbst, der sein beträchtliches väterliches Vermögen im Krieg von 1870/71 eingebüßt hatte, lebte in bescheidenen Verhältnissen, aber seine Werke gehören zu den größten Kostbarkeiten des Impressionismus

Von der Heydt Museum 13.09.2011 - 29.01.2012

Website & Source : Von der Heydt Museum

Website : Wuppertal

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - LEUVEN - Goddelijke Klanken - Zeven eeuwen gregoriaanse handschriften in Vlaanderen

2011-09-07T08:40:00.000+02:00

Tsgrooten-Antifonarium © Universiteitsbibliotheek Gent

De Alamire Foundation maakte in opdracht van de Vlaamse Gemeenschap een inventaris van de muziekhandschriften die bewaard zijn in Vlaanderen en die dateren van de periode 1100 tot 1800. De tentoonstelling in M presenteert een beperkte selectie van die handschriften en maakt meteen duidelijk hoe een muziekhandschrift door de eeuwen heen veranderde op het vlak van productie, verluchting, de notatie van muziek en tekst en van de keuze van het repertoire.

Van de vroege middeleeuwen tot het einde van het Ancien Régime (10de - 18de eeuw) was het gregoriaans alomtegenwoordig in het Europese muziekleven. Hoewel Vlaanderen een belangrijke rol speelde in de ontwikkeling en verspreiding van dit repertoire, en er nog steeds een belangrijke hoeveelheid gregoriaanse handschriften bewaard wordt, blijft dit deel van Vlaanderens muzikale en artistieke patrimonium voor velen een onbekende, verborgen schat.

Neumen-notatie
De kern van de tentoonstelling wordt gevormd door een selectie van dertien handschriften die gemaakt werden in Vlaanderen en er ook worden bewaard, en die een opmerkelijke verscheidenheid tonen in ouderdom, presentatie, grootte en verluchting. Een groot aantal handschriften werd doorheen de eeuwen intensief gebruikt en getuigt dan ook van het muziek- en gemeenschapsleven in de instellingen waarin ze geschreven werden.

Het oudste handschrift toont aan dat deze muziek oorspronkelijk uit het hoofd werd uitgevoerd: het is zeer klein en maakt gebruik van ‘neumen’notatie, tekens zonder notenbalken. De grootte van de bronnen nam doorheen de eeuwen toe en ontwikkelde zich tot het formaat van een koorboek, waaruit een volledige groep zangers kon zingen. De grotere boeken zoals die uit Brugge, Tongerlo en Vorst, die dateren uit de dertiende tot de zestiende eeuw, zijn vaak prachtig verlucht.

Enkele van de bronnen werden gebruikt door beroemdheden in hun tijd: één van de manuscripten werd door Hildegard von Bingen naar de abdij van Villers gestuurd, andere handschriften werden gebruikt door de bekende Vlaamse mystica Beatrijs van Nazareth, de invloedrijke liturgist Radulph de Rivo van Tongeren en Johann Heinrich von Frankenberg, de laatste bisschop van Mechelen vóór de Franse Revolutie.

Klankinstallatie
Deze tentoonstelling plaatst zowel de manuscripten als de klinkende muziek in het middelpunt. Via de klankinstallatie 'Dioramatized #2' kan de bezoeker ook horen wat hij ziet en de verschillen in stijl, vorm en uitvoeringswijze beluisteren. Vier antifonaria uit respectievelijk de 11de, 13de, 15de en 18de eeuw worden op de tentoonstelling in beeld/klank gebracht door internationale topensembles.

Deze tentoonstelling is een samenwerking met Alamire Foundation en Illuminare.

Museum M 08.09.2011 - 27.11.2011

Website & bron : Museum M

Website : Stad Leuven

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - AACHEN - Sabine Weiss: Photographie aus fünf Jahrzehnten

2011-09-07T08:25:00.000+02:00

Sabine Weiss, 2 CV im Regen, Paris, 1957 © Sabine Weiss

Brillante Kompositionen, stimmungsvolle Licht- und Schattenwirkung und eine feinfühlige Darstellung der Menschen kennzeichnen die faszinierende Bildsprache von Sabine Weiss, eine der einflussreichsten französischen Photographinnen seit Mitte der 1950er Jahre.

1924 in der Schweiz geboren, wusste Sabine Weiss bereits in jungen Jahren, dass die Photographie ihre Berufung sein würde. Nach einer Ausbildung in Genf ging sie mit 22 Jahren nach Paris. Sie arbeitete als Assistentin des berühmten Modephotographen Willy Maywald, bevor sie sich 1950 als selbständige Photographin etablierte. Für das renommierte Magazin Vogue entstanden bis 1960 zahlreiche Modereportagen, außerdem Porträts bekannter Persönlichkeiten und Künstler. Neben Weiss’ fotojournalistischer Tätigkeit entstanden freie Arbeiten im Sinne einer "Photographie humaniste". Mit Willy Ronis, Robert Doisneau, Édouard Boubat und Izis gehört sie zu den bekanntesten Vertretern dieser Richtung, die in einfühlsamen Bildern menschliche Beziehungen und Alltagsszenen festhielt.

Aus ihrer großen Leidenschaft für das Reisen, die Kunstwelt aber auch Alltagsereignisse resultieren zahlreiche Bücher zu Themen wie Theater, Städte, Kinder, Weltreligionen sowie eine 1989 erschienene Monografie „Intimes convictions“. Im Laufe ihrer Ausflüge mit der Kamera hat sie es verstanden, intuitiv den Augenblick zu begreifen und Emotionen in einer einzigen Geste wiederzugeben, die das Wesen des anderen enthüllt.

Sabine Weiss erhielt zahlreiche Ehrungen und ihre Photographien sind in Sammlungen namhafter Museen vertreten. Mit einer Auswahl von 100 Photographien stellt das Suermondt-Ludwig-Museum Aachen das Werk dieser bedeutenden französischen Künstlerin zum ersten Mal in Deutschland vor.

Miit freundlicher Unterstützung von ABP Heerlen und des Deutsch-Französischen Kulturinstituts Aachen (DFKI).

Die Ausstellung steht unter der Schirmherrschaft des Botschafters der Republik Frankreich in Deutschland, Seiner Excellenz Maurice Gourdault-Montagne.

Suermondt-Ludwig-Museum 14.07.2011 - 16.10.2011

Website & bron : Suermondt-Ludwig-Museum

Website : Stadt Aachen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - LIEGE - Simenon, un enfant de choeur témoigne

2011-08-31T08:16:00.001+02:00

Dans l'œuvre colossale de Simenon, le souvenir vivace de sa ville natale, Liège, est indéniablement présent. L'exposition s'intéresse à un aspect tout à fait particulier de ces évocations : les églises de Liège dans l'œuvre de Georges Simenon.

Cette manifestation met en lumière la place prépondérante des églises liégeoises dans l'œuvre de l'écrivain. Ces souvenirs, qui ont marqué son enfance, ont laissé une trace indélébile dans la mémoire de l'artiste. Ses romans sont ainsi peuplés des témoins de ses plus jeunes années.

Au travers de cette exposition, de nombreux passages et extraits des plus célèbres romans de Simenon (Le pendu de Saint-Pholien, Le témoignage de l'enfant de chœur...) sont éclairés d'une quarantaine d'œuvres d'art majeures provenant des collections communales liégeoises et des lieux de culte qui y sont évoqués.

Le Grand Curtius 21.05.2011 - 12.09.2011

Website & source : Le Grand Curtius

Website : Liège

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - BAYREUTH - Georg Meistermann zum 100. Geburtstag - „Das Leben des Menschen ist eingehüllt in Farbe“

2011-08-31T08:04:00.000+02:00

Das Ausstellungsprogramm des Kunstmuseum Bayreuth steht in diesem Festspielsommer ganz im Zeichen der frühen Bundesrepublik. Im Haupthaus, dem Kunstmuseum Bayreuth im Alten Barockrathaus an der Maximilianstraße, ist von Juli bis Oktober eine Georg-Meistermann-Ausstellung zum 100. Geburtstag des Künstlers zu sehen, dazu parallel im Juli und August in der Ausstellungshalle im Neuen Rathaus am Luitpoldplatz eine Fotoausstellung mit Portraits berühmter Persönlichkeiten aus
Politik und Kultur der frühen Bonner Republik von Liselotte
Strelow, darunter natürlich auch der Festspiele von “Neu-Bayreuth“.

In seinen Sammlungen bewahrt das Kunstmuseum Bayreuth zahlreiche Werke der frühen Abstraktion der sog. „Stunde Null“ nach 1945, zum Beispiel von Emil Schumacher, Bernard Schultze, Hann Trier, K.O. Götz, Hubert Berke oder Caspar Walter Rauh.

Georg Meistermann, der in Düsseldorf bei Heinrich Nauen (dem Lehrer von Caspar Walter Rauh) und Ewald Mataré studiert hatte, entwickelte, nachdem er im Dritten Reich die Düsseldorfer Akademie (wie Rauh) verlassen musste, in den späten dreißiger und frühen vierziger Jahren „notgedrungen im Verborgenen eine neue Bildsprache“, in der Abstraktion und Expressivität einander vor allem mit grafischen Elementen ergänzen: „Strichlagen kennzeichnen die Motive, gestalten aber auch den Bildraum. Nahezu gleichzeitig bringt er in Gemälden der frühen vierziger Jahren Flächen aus dichten Pinselstrichen ein. Daraus entstehen ab den fünfziger Jahren des 20. Jahrhunderts und den drei Folgejahrzehnten Farbflächen, die aus vibrierenden Strukturen bestehen. Damit setzt er in großen Bildbereichen seine Begabung als Kolorist um. Flirrende Farbaufträge scheinen nicht mehr an die zweidimensionale Fläche gebunden, sondern entwickeln eine räumliche Präsenz, zeigen das Medium Licht als masselos.“ So schreiben Justinus Maria Calleen und Rolf Jessewitsch im Ausstellungskatalog des Kunstmuseum Solingen.

Meistermann ist einer der wichtigsten Kirchenfenstergestalter der Nachkriegszeit. Schon früh hatte er sich für das farbige Licht von Glasfenstern interessiert. Ein erster Auftrag für ein Kirchenfenster wurde allerdings 1938 von der Erzdiözese Köln mit den Worten abgelehnt: „In der ganzen Welt malt man wieder normal, nur Sie und einige Verrückte glauben, sie könnten die Kirche für ihre ‚entartete‘ Kunst missbrauchen.“ Erst nachdem ein Spender gefunden war, konnte das Fenster doch realisiert werden. Nach 1945 entstanden im Rheinland zahlreiche Glasfenster, darunter vor allem Kirchenfenster, in denen Meistermann mit zeichenhaften Formen und transluziden Farbflächen abstrakt-symbolhafte Bildwerke schuf.

Diese Ausstellung, die in Solingen, dem Geburtsort des Künstlers zu seinem 100. Geburtstag, konzipiert wurde, zeigt Werke aus allen Schaffensphasen zwischen 1927 und 1990, darunter Aquarelle, Zeichnungen, Gemälde – und Glasfenster! Zu sehen sind charakteristische Abstraktionen der frühen späten vierziger und fünfziger Jahre (wie der „Hummer“), Studien für ein Porträt des Bundeskanzlers Willy Brandt, das Portrait des Bundespräsidenten Walter Scheel, Fastentuch- und Schwingenbilder sowie bedeutende Beispiele seiner Kirchenfenstergstaltungen (wie „Hildegard von Bingen“ und die „Apokalyptischen Reiter“).

Die Meistermann-Ausstellung ist im Festspielsommer 2011 im Kunstmuseum Bayreuth parallel zu einer Ausstellung mit Fotografien von Liselotte Strelow (vom 6.7. bis zum 26.8. in der Ausstellungshalle im Neuen Rathaus) zu sehen. Opulente Bildkataloge und ein umfangreiches Vermittlungsprogramm begleiten beide Ausstellungen.

Kunstmuseum Bayreuth 03.07.2011 - 16.10.2011

Website : Kunstmuseum Bayreuth

Website : Bayreuth

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - KEMZEKE-STEKENE - MW Press: Publishing Art

2011-08-24T09:09:00.000+02:00

Ter gelegenheid van de retrospectieve Krijn Giezen wijdt de Verbeke Foundation een tentoonstelling aan het uitgeverswerk van Giezens echtgenote Martina Wagener. Gedreven door een passie voor de nieuwste kunstuitingen, gaf Giezen-Wagener in 1982 het eerste nummer uit van een krant die dat de laatste werken toonde van belangrijke kunstenaars zoals de Amerikaan Richard Long, de Fransman Robert Filliou of de Engelsman Barry Flanagan. In de vier daaropvolgende jaren gaf het in het Nederlandse Noordwijk gevestigde MW Press, negen andere kranten en uiteenlopende publicaties uit. Vandaag de dag zijn deze uitgaven echter moeilijk te vinden.

De tentoonstelling in de Verbeke Foundation vormt de aanzet tot een historische studie naar MW Press en de relaties die Martina Giezen-Wagener onderhield met de kunstenaars die haar originele werken ter beschikking stelden.

Verbeke Foundation 01.05.2011 - 30.10.2011

Website & bron : Verbeke Foundation

Website : Kemzeke-Stekene

FIC123.BE een website met info en cultuur.

NEDERLAND - DEN HAAG - Marthe Wéry - Kracht van de eenvoud

2011-08-24T08:57:00.000+02:00

Marthe Wéry was altijd op ontdekkingstocht, op zoek naar de fundamenten van de schilderkunst. In het retrospectief 'Marthe Wéry, Kracht van de eenvoud' staat deze speurtocht centraal.

Vergeten meester opnieuw in de schijnwerpers
SInds haar plotselinge overlijden in 2005 is er in Nederland weinig aandacht geweest voor haar werk, terwijl zij een van de belangrijkste moderne kunstenaars van België was. Het Gemeentemuseum toont deze zomer een prachtig overzicht van haar oeuvre; van het vroege geometrische werk, geïnspireerd op het constructivisme van Malevich tot aan haar poëtische monochromen waarmee ze doorbrak in de jaren ’80.

Malevich als inspiratie
Haar voortdurende studie naar de elementaire bouwstenen van de schilderkunst (drager, verf, kleur en lijn) begint met geometrische composities, beïnvloed door het constructivisme. Eind jaren ’60 leert Wéry het werk van de Poolse kunstenaar Wladyslas Strzeminski kennen, die nog had samengewerkt met de Rus Kasimir Malevich. Hij speelt een belangrijke rol in haar keuze de compositie geheel los te laten en zich te richten op het structureren van het gehele oppervlak. Ze werkt in deze periode veel in wit, grijs en zwart waarbij herhaling een belangrijke component was. Vanaf die tijd breekt Wéry ook internationaal door. Haar werk is te zien in de groepstentoonstelling Fundamentele Kunst in het Stedelijk Museum (1975) op de Documenta in Kassel (1977) en ze vertegenwoordigt België op de Biënnale in Venetië (1982). In 1987 heeft ze haar eerste solotentoonstelling in het Gemeentemuseum Den Haag, dat toen ook een werk van haar aankocht.
Van strenge lijn naar sferische kleur
Marthe Wéry (1930-2005) studeerde schilderkunst aan La Grande Chaumière in Parijs en leefde en werkte daarna in Brussel. Na een minimalistische periode waarin Wéry overwegend op papier werkt, maakt eind jaren ’70 het strenge karakter van de lijn plaats voor het sferische karakter van kleur. Vanaf die tijd maakt ze vooral vierkante en rechthoekige monochromen waarbij de plaats van het kunstwerk in de ruimte steeds belangrijker wordt. Haar installaties gaan altijd een dialoog aan met de omringende architectuur.

Verliefd op verf
Het atelier waar ze tot aan haar overlijden werkte, is nog steeds grotendeels intact, maar nu in gebruik als depot van haar werk. In de grote, ‘industriële’ ruimte zijn nog veel persoonlijke aandenkens te vinden, zoals een zuil met groeistreepjes van haar kleinkinderen en achtergelaten verftafels. Sommige panelen lijken te wachten de meester haar penseel weer zal pakken. Het is niet moeilijk voor te stellen hoe Wéry in het atelier aan het werk was. Hoe ze aluminium of houten panelen in een grote bak zette en daar langzaam laag over laag verf overheen liet lopen. Wéry hield van verf. Van de vloeibaarheid ervan, van de eindeloze invloed die kleur en transpantie op elkaar hebben en van de mogelijkheid om toeval en beheersing in elkaar over te laten lopen.

De tentoonstelling is gemaakt met medewerking van Bounameaux Art Expertise, Brussel, dat in opdracht van de echtgenoot en kinderen van Marthe Wéry haar artistieke nalatenschap beheert en bestaat voor een groot deel uit werken afkomstig uit haar atelier. Bij de tentoonstelling verschijnt een tentoonstellingsgids met tekst van Jet van Overeem.

Gemeentemuseum Den Haag 11.06.2011 - 02.10.2011

Website & bron : Gemeentemuseum Den Haag

Website : Den Haag

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - CHARLEROI - Charleroi 1911-2011… de Paulus à Herbet

2011-08-17T09:32:00.000+02:00

Le Musée présente une exposition organisée autour de deux artistes… “bien de leur temps”.

Le peintre Pierre Paulus (1881 – 1959) et le photographe Philippe Herbet (1964) posent un regard-miroir sur la ville et les gens qui la vivent.

Parmi les artistes majeurs de la collection, Pierre Paulus, natif de Châtelet, offre une vision de Charleroi déclinée sur le thème d’un paysage enfumé habité d’ouvriers laborieux et résignés. Composé de motifs parfois répétés à l’envi, son oeuvre peint fut sans doute un temps instrumentalisé. Ainsi, Jeunesse. C’est en effet cette seule oeuvre emblématique, qui fait désormais partie du patrimoine communal, que le Musée a choisi de mettre en lumière pour l’occasion.

Présentée au public du Salon d’Art moderne de 1911, elle fut longtemps considérée comme représentative de la glorieuse épopée industrielle et devint très vite l’étendard d’une difficile condition ouvrière…

Aux côtés de Paulus. Philippe Herbet. Originaire de Liège, ce “promeneur-photographe-écrivant” propose une autre approche de la ville, contemporaine celle-ci, et ouvre un nouveau chapitre de la grande histoire des regards posés sur la cité. Voilà six ans déjà, cet artiste de renommée internationale choisissait Charleroi pour en faire l’une des étapes d’un rhizome européen qui depuis n’a cessé de s’étendre… Il y revient en cette année anniversaire et reprend le fil d’un périple romanesque entamé alors. Cette résidence donne lieu à la présentation de 33 photographies et 13 textes, autant de fenêtres ouvertes sur la ville et ses habitants, en ces premiers jours de printemps.

Un habillage d’ambiances sonores, de musiques, de poésies, de chansons, invite dans les méandres d’un temps, ondoyant entre l’époque de l’exposition internationale et nos jours .

Dans un parti pris volontairement minimaliste, cette exposition, organisée dans le cadre de l’événement Charleroi 1911 – 2011, vous plongera dans une atmosphère particulière, celle née de regards qui se croisent… à cent ans d’écart.

Musée des Beaux-Arts 30.04.2011 - 11.09.2011

Website & source : Charleroi Museum

Website : Charleroi

FIC123.BE een website met info en cultuur.

ITALIA - ROMA - Giovanni De Angelis: Water Drops

2011-08-17T09:06:00.000+02:00

Giovanni De Angelis’s photographic project, "Water Drops", looks at the theme of twin births from two perspectives, social and anthropological, embarking on an in-depth exploration of the ideas of identity, uniqueness of the individual and relationships with others. Intrigued by the stories and news from Candido Godo, in the Brazilian state of Rio Grande do Sul, the photographer left for the South American town to see with his own eyes what is called "the land of twins", developing the project together with the psychotherapist Luisa Laurelli, who met and interviewed a number of twins. The two faces of research, artistic and scientific, have thus been integrated in a thorough investigation of the social, psychological and individual reality of this place and its inhabitants.

MACRO 25.06.2011 - 15.09.2011

Website & source : MACRO

Website : Turismo Roma

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - BRUSSEL - Barok onthult - Een nieuwe blik op de beeldhouwkunst in Brussel en in België

2011-08-10T09:07:00.000+02:00

In tegenstelling tot de grootsheid van de barokschilderkunst die alom aandacht krijgt, kwam de baroksculptuur de voorbije jaren in België nauwelijks aan haar trekken. En toch, dit erfgoed is er binnen het bereik van een ieder en heeft bij lange nog niet al haar pracht onthuld. Dit is in eerste plaats de doelstelling van deze tentoonstelling, die het startpunt wordt van een parcours doorheen de Brusselse binnenstad. Ons land heeft inderdaad zeer vooraanstaande beeldhouwers gekend; we zullen die herontdekken dankzij een aantal originele werken, maar ook door middel van terracotta's, tekeningen, schetsen, die het eindresultaat voorafspiegelen, culminerend in de prachtige kapel van Thurn und Tassis, onlangs gerestaureerd, in de kerk van Onze-Lieve-Vrouw ten Zavel, uitzonderlijk open tijdens de duur van de tentoonstelling. Verschillende werken van deze grote kunstenaars worden hier voor het eerst getoond: Faydherbe, Verbrugghen, Bergé, Kerricx, om er maar enkele te noemen!

Stadhuis van Brussel 08.06.2011 - 25.09.2011

Website & bron : Brupass

Website : Stad Brussel

FIC123.BE een website met info en cultuur.

UNITED KINGDOM - LEEDS - Darrell Viner - Early Work

2011-08-10T08:51:00.000+02:00

Computer Drawing

Darrell Viner, 1975/6, Courtesy Farah Bajull / Leeds Museums & Galleries (Art Gallery)

Darrell Viner (1947 - 2001) was a pioneer in the field of computer art. He originally turned to computers to pursue his interest in movement and animation and went on to apply the technology to kinetic and interactive sculpture.

Darrell Viner:Early Work focuses on Viner's experimental work at the Slade School of Art in the mid-1970s and celebrates the recent acquisition to the Leeds Museum & Galleries Sculpture Collection of a series of his computer drawings from this period. Created with a pen plotter, which Viner regarded as a pliable drawing tool, the images have a remarkable hand-drawn quality. The artist described them as a 'journey in mark making'.

Together with the drawings, the exhibition includes documentation of Viner's early kinetic sculptures that show the continuity between his work in two and three dimensions. For his degree show at the Slade, he made a set of animated wooden sculptures, which he described as 'creepy crawly creatures'. These were later shown at the Royal Academy, where the moving legs scratched the wooden floor, taking on the character of automated drawing machines. This experiment led to the computer animation 'Inside/Outside' (1976), a film drawn by a virtual automaton programmed to simulate the actions of a kinetic sculpture, which is screened within the show.

In addition to the works on paper and film, Darrell Viner: Early Work presents a later kinetic sculpture by Viner - from the mid-1980s - that is activated by the shadows of passers by. As with all of Viner's works, this opens a conversation between man and machine to propose an expanded understanding of the study of sculpture.

Background
Viner was born in Coventry in 1946. His father, a clerk, died when his son was only five, leaving his wife, a factory worker, to bring up the family. The young Viner found inventive ways to stimulate his wide-ranging curiosity: he played Beethoven to himself on a wind-up gramophone, and detonated objects with homemade explosives.

After leaving school with three O-levels, Viner worked in the research department at Courtaulds Textiles in the late 1960s, where he experienced computer and electronic systems. When he moved to London around 1970, he worked on the lighting and rigging for rock bands, testing his designs in his landlady's garage. He is known to have built the first sound activated lighting system in the UK in 1968.

First using computers whilst studying at Hornsey College of Art (1971 - 4), he worked alongside John Vince, lecturer in data processing, who developed one of the first computer packages for artists, PICASO. Viner learned to write in computer code and encouraged Vince to develop 'Rough' and 'Sketch' features for PICASO, which transformed clinical computer generated plottings into believable hand-drawn lines.

Studying at the Experimental Department at the Slade, which was established by Malcolm Hughes, a founder member of the Systems Art group, in 1973, Viner developed his own automated drawing systems and built a pen plotter in collaboration with other artists. He also produced computer-controlled kinetic and interactive sculptures, for which he became known later in his career.

Darrell Viner operated outside the gallery system, creating large-scale sculptures and installations in non-art spaces, including 'Is Tall Better than Small?' at the Science Museum in 2000. He was influential as a teacher, serving in a number of art schools, including Portsmouth Polytechnic, where he was Senior Lecturer in Sculpture (one of his pupils was Grayson Perry) and Chelsea School of Art on both the BA and MA courses.

Henry Moore Institute 28.07.2011 - 30.10.2011

Website & source : Henry Moore Institute

Website : Leeds

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - MACHELEN-AAN-DE-LEIE - ZULTE - ' Albisola '

2011-08-03T09:37:00.000+02:00

Jubileumtentoonstelling ter ere van de 90ste verjaardag van de kunstenaar

Roger Raveel in dialoog met Lucio Fontana, Asger Jorn, Wifredo Lam, Eva Sørensen & Serge Vandercam

Voor het Roger Raveelmuseum is de terugblik op Raveels werkzaamheden in Albisola de aanleiding voor de organisatie van een tentoonstelling waar het werk van Fontana, Jorn, Lam, Sørensen en Vandercam in dialoog wordt gebracht met dat van Raveel. Het is de jubileumtentoonstelling van het museum ter ere van dekunstenaar die in 2011 zijn 90ste verjaardag viert.

De titel Albisola moet symbolisch worden opgevat. De tentoonstelling gaat niet over de geschiedenis van keramiek in het gelijknamige stadje, maar over een dieper liggende artistieke verwantschap tussen de kunstenaars die er elkaar ontmoetten. Het Raveelmuseum toont dan ook een ruime keuze
van zowel schilderijen, tekeningen, sculpturen en keramiek, afkomstig uit diverse collecties in binnen- en buitenland.

Een zeer belangrijke inbreng komt van het Museum Jorn in Silkeborg (DK). Hier wordt niet alleen een grote verzameling van Jorns werk bewaard maar ook een ruime selectie werken van andere kunstenaars die Jorn persoonlijk heeft verworven, w.o. een gouache van Raveel die Jorn in Albisola kocht.

Daarnaast kan het Raveelmuseum rekenen op een uitzonderlijk omvangrijk bruikleen van de Ceramiche San Giorgio in Albisola met keramiek van alle geselecteerde kunstenaars.

Raveelmuseum 03.07.2011-30.10.2011

Website & bron : Raveelmuseum

Website : Machelen-aan-de Leie via Wikipedia

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - MONTPELLIER - Odilon Redon, Prince du rêve, 1840-1916

2011-08-03T09:18:00.000+02:00

© The British Museum, Londres, Dist Rmn / The trustees of the British Museum

En partenariat exceptionnel avec la Réunion des musées nationaux et le musée d’Orsay, le musée Fabre présente à l’été 2011 Odilon Redon, Prince du rêve, 1840-1916. Première rétrospective depuis celle de 1956 à l’Orangerie des Tuileries, l'exposition marque une véritable redécouverte de cet artiste, chantre majeur du symbolisme. Elle réunit près de 250 œuvres remarquables (peintures, dessins, pastels et fusains) issues des grandes collections françaises et internationales.
De l’époque angoissée des Noirs (fusains, lithographies) jusqu’à la profusion colorée des dernières œuvres, Odilon Redon (1840-1916) a profondément marqué la génération symboliste, puis celle des nabis et des Fauves, les jeunes peintres de la couleur. Il a été l’explorateur des méandres de la pensée, de l’aspect ésotérique de l’âme humaine, empreint des mécanismes du rêve.

L’exposition revient sur l’évolution stylistique de l’artiste, des noirs aux couleurs, dans un parcours chronologique, ponctué d’œuvres et documents inédits.

Parmi les temps forts du parcours, la reconstitution du décor de la salle à manger du château de Domecy, en Bourgogne, que Redon réalisa en 1900 : son art suggestif devient monumental dans les panneaux qu’il réalise à la demande du baron Robert de Domecy. « Je couvre les murs d’une salle à manger de fleurs, fleurs de rêve, de la faune imaginaire… » Cette décoration, démantelée, a fait l’objet d’une dation au musée d’Orsay en 1988.

Un partenariat avec l’abbaye de Fontfroide permet aux visiteurs d’aller découvrir Redon dans la région : grâce à ses liens avec Gustave Fayet, propriétaire de Fontfroide, l’artiste a fait plusieurs séjours en Languedoc-Roussillon, où il est aujourd’hui présent dans des collections privées. En 1910, à la demande de Gustave Fayet, il décore la bibliothèque de l’abbaye de deux grands panneaux, Le jour et La Nuit. A l’occasion de l’exposition Redon, l’abbaye de Fontfroide ouvre exceptionnellement les portes de cette somptueuse bibliothèque.

Musée Fabre 07.07.2011 - 16.10.2011

Website & source : Musée Fabre

Website : Montpellier

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - ARLON - Roger Greisch (1917-1999). Métamorphoses formelles et chromatiques

2011-07-27T08:51:00.000+02:00

D'une discrétion absolue, Roger Greisch était de ces artistes qui préfèrent l'ombre et la réserve ... Qu'importe ! Pour célébrer le centenaire de l'abstraction, le Musée Gaspar sort ses plus beaux atouts et met à l'honneur cet enfant du pays.

Le parcours artistique de Roger Greisch peut être comparé à un voyage à travers 50 ans d'histoire de l'art.

En effet, si ses premières œuvres sont figuratives, elles ne sont pas sans trace d'un certain expressionnisme, qui ne le quittera par ailleurs jamais.

Mais très vite, c'est l'abstraction qui intéresse l'artiste. Dès les années 1960, il crée dans ses tableaux un véritable dialogue entre l'abstraction géométrique et la figure humaine, seule, en nombre, de profil ou de face, …
Après les années 1970, l'homme se consacre exclusivement à l'abstraction. Dans ses premières œuvres abstraites, Roger Greisch organise l'espace pictural selon un graphisme subtil qui vient soutenir des plans de couleurs. Ces aplats se voient rythmés d'accents plus vifs, le tout dans une harmonie chromatique indéniable.

Dans un second temps, ses compositions vont se géométriser d'avantage en de larges plans monumentaux, individualisés par des segments tantôt rectilignes tantôt arrondis. Il utilise avec aisance et une sûreté de trait des modules décoratifs et des formes géométrisantes. Il les développe et les nuance au point qu'ils constituent un langage aussi peu imitatif et aussi expressif que la musique.

De telles réalisations requièrent la participation active du spectateur et font puissamment appel à la richesse intérieure de chacun.

Musée Gaspar 08.04.2011 - 25.09.2011

Website & source :Musée Gaspar

Website : Ville d'Arlon

FIC123.BE een website met info en cultuur.

NEDERLAND - AMSTELVEEN - Jacques Doucet. Le Cobra français

2011-07-27T08:38:00.000+02:00

Voor het eerst wordt een internationale retrospectieve tentoonstelling gewijd aan het werk van de Franse avant-garde kunstenaar Jacques Doucet (1924-1994). De expositie in het Cobra Museum is de eerste omvangrijke presentatie van Doucets werk in Nederland. De uit Frankrijk afkomstige Cobra kunstenaar speelde een opvallende rol in de aanloop naar Cobra. Andersom deed Doucet in de Cobra periode essentiële experimentele ervaringen op die van grote invloed waren op zijn werk. In juni 1947 ontmoette Doucet in Boedapest de jonge Nederlandse schilder Corneille, die onder de indruk raakte van de rijpheid van de jonge Franse schilder. Doucet trad via Corneille toe tot de Cobra groep. De kunst van Jacques Doucet is onlosmakelijk verbonden met de avant-garde van de twintigste eeuw en de door kunstenaars verworven vrijheid om vormen, kleuren en materialen op een spontane manier - niet gehinderd door academische tradities - te arrangeren.

De presentatie omvat ruim 80 werken uit het begin van het kunstenaarschap, de vroege jaren veertig, tot en met het laatste werk. De werken zijn afkomstig uit de nalatenschap van de kunstenaar, in bruikleen afgestaan door vele particuliere verzamelaars, alsmede door Franse en Noord-Europese instellingen. De schilderijen, grafiek, gouaches, kleine spontane collages uit de zestiger jaren, enkele beelden, keramiek en een tapijt, geven een goede indruk van de veelzijdige expressie van de kunstenaar en van zijn onophoudelijke nieuwsgierigheid met allerlei soorten technieken te willen experimenteren. De tentoonstelling is een gezamenlijk project van drie kunstmusea: het Lieu d'Art et Action Contemporain (LAAC) te Duinkerken (Fr), het Cobra Museum voor Moderne Kunst en het Musée de Beaux-Arts van Quimper (Fr).

Cobra Museum 21.05.2011 - 18.09.2011

Website & bron : Cobra Museum

Website :Amstelveen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - HASSELT - Prints! in mode- en kostuumgeschiedenis 1750-2000

2011-07-20T07:29:00.000+02:00

Bedrukt textiel is een decoratieve kunstvorm, zowel voor huishoudelijke interieurs als kleding, waarvan de variëteit aan motieven de collectieve smaak en tijdsgeest van bepaalde periodes weerspiegelt. Daarnaast is het bedrukken van textiel ook een complex en industrieel proces, onderhevig aan vernieuwing, mechanisatie, onderzoek en technologische vooruitgang.

De Europese textieldruk vindt haar oorsprong in het India van 2000 voor onze tijdsrekening. Via handel (Verenigde Oost-Indische Compagnie) werden deze stoffen geïntroduceerd in Europa. Het aantrekkelijke kleurgebruik en motieven verleidden de Europese smaak die hongerde naar alles wat exotisch was. Daarnaast vormde deze stof een dankbaar alternatief voor de zware zijde, wol en linnen. De vraag werd al snel groter dan het aanbod en er ontstond een bloeiende economie in het kopiëren van Indische stoffen. Deze indiennes werden aangepast aan de Europese smaak.

Tot op het einde van de 18de eeuw bleven de motieven voornamelijk afgeleiden van het originele florale patroon uit India, maar de Industriële Revolutie in het begin van de 19de eeuw betekende een radicale omkering. Het drukken van textiel werd een industrieel proces dat zich vanaf dan onder impuls van wetenschap en mechanisatie steeds verder zou ontwikkelen tot vandaag.

Ook in de hedendaagse mode is er een grote verscheidenheid aan prints terug te vinden, onderhevig aan bepaalde trends. Dit varieert van referenties aan historische patronen (landschappen, florale en bucolische figuren) tot vernieuwende, experimentele motieven. Verschillende ontwerpers en modehuizen zoals Emilio Pucci, Dries Van Noten, Hermès (carré) en Missoni maakten hier ook hun handelsmerk van.

Modemuseum Hasselt 25.06.2011 - 08.01.2012

Website : Modemuseum Hasselt

Website : Hasselt

FIC123.BE een website met info en cultuur.

UNITED KINGDOM - LIVERPOOL - René Magritte: The Pleasure Principle

2011-07-20T07:19:00.000+02:00

René Magritte (1898–1967) is one of the most revered and popular artists of the 20th century. This summer, Tate Liverpool presents René Magritte: The Pleasure Principle, the biggest exhibition of the Belgian surrealist’s work in England for twenty years.

Renowned for witty images depicting everyday objects such as apples, bowler hats and pipes in unusual settings, Magritte’s art plays with the idea of reality and illusion.

Magritte’s work has had an enduring effect on the art world, inspiring artists ranging from John Baldessari and Ed Ruscha to Jasper Johns and Andy Warhol. Magritte’s impact has also been felt throughout popular culture. Musicians such as Paul Simon, directors Jean-Luc Goddard and Terry Gilliam, and many writers and advertisers have all been influenced by Magritte’s famous images.

Tate Liverpool’s exhibition will reveal the inspiration behind the artist’s celebrated style, focusing on the less explored aspects of Magritte’s life and artistic practice.

Paintings will feature alongside drawings, collages, examples of Magritte’s early commercial work and rarely seen photographs and films. The exhibition will include iconic pieces by the artist as well as some more surprising works, offering visitors a fresh insight into the intriguing world of Magritte.

Tate Liverpool 24.06.2011 - 16.10.2011

Website : Tate Liverpool

Website : Liverpool.gov.uk

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - BRUSSSEL - Sarah Moon "Coincidences"

2011-07-13T08:48:00.000+02:00

Sarah Moon schept een droomachtig en mysterieus universum. De afgelopen veertig jaar is ze uitgegroeid tot een vrouwelijk figuur in de fotografie waar je gewoon niet naast kan kijken. Als een echte ambachtsvrouw van het beeld bouwt ze op verfijnde en volmaakte wijze kunstig bewerkte scènes op waarin werkelijkheid en fictie door elkaar worden gehaald.

Sarah Moon raakte bekend in de jaren ‘70 dankzij haar campagnes voor Cacharel, waarvan sommige legendarisch zijn geworden. Op het gebied van modefotografie hanteert ze een tijdloze stijl die niet in een bepaalde categorie onder te brengen valt. Haar werk won talloze prijzen en werd gepubliceerd in de meest prestigieuze tijdschriften zoals Vogue en Stern, om er maar enkele op te noemen. Halverwege de jaren ‘80 neemt de carrière van de kunstenares een nieuwe wending: ze beslist te stoppen met het “toegepaste werk” van de reclameopdrachten en enkel nog persoonlijke en zuiver artistieke projecten te verwezenlijken.

De favoriete thema’s van Sarah Moon zijn de kindertijd en de herinneringen. Ze schrikt er niet voor terug om de negatieven zelf te bewerken door ze te krassen of vuil te maken. Op die manier zet ze de stempel des tijds op de drager zelf. Haar bestudeerde ensceneringen verwijzen naar verre streken en vervlogen tijden. We vinden er personen die recht uit sprookjes lijken te zijn weggelopen, dieren die uit een andere wereld lijken te komen, en verlaten landschappen. De onwezenlijke atmosfeer die van haar foto’s uitgaat, wordt nog versterkt door haar gebruik van soft focus en tussentinten, en doet denken aan een droom of soms een nachtmerrie. Met een onmiskenbare hevigheid, en vol gratie en elegantie maken de camera-instellingen van Sarah Moon de behandelde onderwerpen los van de werkelijkheid en tekenen ze die scherp af.

De tentoonstelling omvat een groot deel van de werken van deze volledige kunstenares, die actief is als fotografe en als cineaste. De voorgestelde werken werden door de kunstenares persoonlijk en zeer nauwgezet gekozen uit de afdrukken en films die ze na 1985 verwezenlijkte, en uit haar oudste modefoto’s.

Botanique 08.06.2011 - 14.08.2011

Website & bron : Botanique

Website : Brussel

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FINLAND - HELSINKI - Kaj Franck - Universal Forms

2011-07-13T08:35:00.000+02:00

Photo by Rauno Träskelin / Design Museum.

The summer season of 2011 at Design Museum will feature Kaj Franck – Universal Forms, the main exhibition of the centenary of the birth of an iconic Finnish designer, Professor Kaj Franck (1911-89).

This exhibition provides a kaleidoscopic view of the oeuvre of this established designer and the starting points of his work in design. Its themes include Kaj Franck's relationship with the old industrial heritage, vernacular artefact culture and Japanese culture. The objects on display illustrate the designer's techniques, his choices of materials and principles of design, while revealing the course of the design process from sketches to finished products. Kaj Franck's strong aesthetic views, his open-minded design thinking and rational practical approach are demonstrated by both mass-produced and unique objects on display.

The exhibits include glass, ceramics, textiles, furniture and plastic and metal objects from Franck's extensive output. This selection encompasses Kaj Franck's work in design from over four decades, from the 1940s to the 1980s. The internationally best-known objects include unique, one-off glass and Iittala's Teema tableware items, which have been sold in the millions.

This exhibition explores Franck's various roles, as an artist, an industrial designer, an influential figure of the design community, a teacher of design and in private life. It also reflects less-known aspects of Franck's work, such as the design of textiles and gardens. Photographs and correspondence represent private aspects, along with letters from Franck's travels and drawings for the children of friends. The exhibition programme also features workshops and lectures for children and other visitors, introducing Kaj Franck's work to the younger generation.

Designmuseo 15.06.2011 - 25.09.2011

Website & source : Designmuseo

Website : Helsinki

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - DEURLE - Collectie Tony Herbert

2011-07-06T08:37:00.000+02:00

Na de ontsluiting van de Verzameling Roger en Hilda Matthys-Colle in 2007 en de Verzameling Wilfried & Yannicke Cooreman in 2009, presenteert het museum Dhondt-Dhaenens in de zomer van 2011 de Collectie Tony Herbert. De ontsluiting en presentatie van deze verzameling past in het beleid dat het museum Dhondt-Dhaenens voert rond het onderzoek naar de betekenis van geëngageerde privé-verzamelaars in België doorheen de twintigste eeuw.

Tony Herbert (1902-1959) stelde de meest consistente verzameling Vlaams Expressionisme samen. Hij legde zich voornamelijk toe op het werk van zes kunstenaars: Jean Brusselmans, Gust De Smet, Constant Permeke, Edgard Tytgat, Frits Van den Berghe en Rik Wouters. Tony Herbert was echter niet alleen een verwoede verzamelaar van hun beste werken, maar ook een invloedrijke promotor van hun kunst.

De tentoonstelling brengt de belangrijkste schilderijen, beeldhouwwerken, tekeningen en archiefstukken uit deze historische Verzameling opnieuw samen. Veel werken worden voor de eerste keer sinds lang publiek tentoongesteld.

Museum Dhondt-Dhaenens 19.06.2011 - 09.10.2011

Website & bron : Museum Dhondt-Dhaenens

Website : Deurle

FIC123.BE een website met info en cultuur.

SPAIN - VALENCIA -Masterpieces of Painting in the Collection of the IVAM. Past, Present and Future.

2011-07-06T08:09:00.000+02:00

Bleckner Ross
Red Flower 2 1993

This exhibition of a selection from the IVAM’s collection of paintings provides an overview of how art has evolved in Spain and other countries, through a transversal focus that includes many varied expressions of art. It features the work of particular artists who have been fundamental in the development of painting from the beginnings of modernity to the present day, offering a panoramic view of twentieth-century art from a broad perspective.

The starting point is set in the international avant-garde movements between the two World Wars, when the formalist model was first called into question. Another of the collection’s characteristics is the attention devoted to Spanish and international art produced in the 1950s and thereafter, as was corroborated by acquisitions of the Informalist and Abstract Expressionist art of those years, epitomised by the decisive figures of those movements, Tàpies, Chillida, Millares and Saura, and also by artists more representative of the following decade, such as Equipo Crónica and Eduardo Arroyo. The IVAM’s collection has now succeeded in going beyond those chronological boundaries and taking in the latest developments in this discipline of art.

To achieve a more dynamic spatial arrangement we have opted for a tripartite division, with three sections whose titles are FIGURE, NORM and ACTION, located in the museum’s galleries 1, 3 and 4, respectively. The designation FIGURE clearly places emphasis on the visual narrativity of much of twentieth-century and current painting. Indeed, “figurative painting” has been most abundant, especially in the interwar period, which was marked by the “return to order” and, above all, by the – not just political – sense of urgency of the 1930s, and it then reappeared after the Second World War, basically in the form of Pop Art and its many metastases and derivatives. In this section we have also sought out various examples that stand apart from this main trend, as some kind of indication of its predecessors and descendants.

In the section titled NORM, which covers the analytically oriented non-figurative trend in painting, we have included some of the historical examples of Geometrical Abstraction, which began in the second half of the 1920s, formed a more organised whole in the 1930s and then took on a new lease of life after the Second World War.

Alongside Normative Art, in abstraction or non-figurative or aniconic painting – designations that in themselves show the uncertainty about classifying these trends unequivocally – there was an approach that was more expressive than analytical, which appeared almost at the beginning of abstraction and has remained operative until the present. The peak period for this tendency was after the Second World War, with Abstract Expressionism in America and other, similar versions in contemporary Europe, prominent among which were those of the COBRA group and the so-called Informalist painters, among whom several Spaniards were especially important. This block, which we have called ACTION, concentrates on the dimension of pure matter and the sheer gesture of painting. Precisely because of the influence of Spanish artists in this movement the IVAM collection has placed particular emphasis on Action Painting, which may be the best term to cover the polymorphic sense of work based on automatism.

The exhibition’s subtitle, “Past, Present and Future”, seeks to indicate that this is not a closed collection and attempts to glimpse an opening, with items that fulfil the modest function of pointing to a possible way ahead for an enterprise that already has a quarter of a century of history behind it, while ensuring that this selection fits in smoothly with the backbone of the collection.

IVAM 18.05.2011 - 28.08.2011

Website & Source : IVAM

Website : Valencia

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - MONS - Tapta 1926-1997

2011-06-28T11:07:00.000+02:00

Grande Halle des Anciens Abattoirs accueille une exposition consacrée à l’artiste belge Tapta (1926-1997). Formée aux arts du tissage à La Cambre (Bruxelles), elle deviendra responsable de l’atelier Tapisserie en 1975.

Audacieuse, elle renouvelle le genre traditionnel du textile au moyen de structures et cordages. Déjà, elle oriente ses créations vers la forme sculpturale en choisissant d'investir l'espace. Elle donne à son atelier un nouvel intitulé, Sculpture souple, correspondant à la constante volonté de recherche de ses projets artistiques. Animée par une réflexion incessante, Tapta expérimente. Dessins et maquettes sont autant de notes d’une œuvre en construction. Ses assemblages de formes et de matériaux prennent vie dans le dialogue qu’ils suscitent avec l’espace environnant.

La démarche évolue et ne craint pas le bouleversement. Privilégiant les matériaux bruts, elle s’attaque au caoutchouc industriel (néoprène) qu’elle entend bien dompter. L’épanouissement des formes passe par la monumentalité. Esprit ouvert, sculpture urbaine placée à la Gare du Nord de Bruxelles, en est un bel exemple. Elle occasionne un jeu subtil de reflets dans le plan d’eau qui l’entoure. L’eau comme la lumière – dans les sculptures aux projections lumineuses – induisent une nouvelle dynamique dans l’œuvre. Sans jamais cesser de cheminer, Tapta crée une œuvre qui tend vers l’équilibre. Nourries de tensions, de jeux de résistances, les sculptures de Tapta se prêtent à l’échange et à la rencontre. Tisser du lien est sans doute le fil conducteur de toute son œuvre. La présente exposition offre au visiteur une opportunité de (re)découvrir des pièces uniques qui incarnent les temps fort de ce parcours singulier.

… Assembler. Bâtir. Structurer. Formuler. Construire. Sortir du chaos des éléments qui nous représentent le mieux et les assembler à notre manière. Transgresser les règles. Perturber. Provoquer l’émotion. Dire.
Tapta
Extrait du catalogue Recherche, Tournai, 1991, p. 31

La Grande Halle des Anciens Abattoirs 29.04.2011 - 24.07.2011

Website & Source : BAM

Website : Mons

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - FRANFURT AM MAIN - MMK 1991 - 2011 - 20 Years of Presence - 20 Jahre Gegenwart

2011-06-28T10:51:00.002+02:00

In the anniversary year 2011, however, we are going to make the hitherto impossible possible: the MMK Museum für Moderne Kunst will present its collection in an unprecedented overview exhibition and allow it to shine in full glory – at the MMK Museum für Moderne Kunst with the adjacent MMK Zollamt, and on four thousand square metres in a building slated for demolition in the MainTor-Areal on the bank of the river Main in Frankfurt.

For the first time in its history, the multiplication of the MMK’s exhibition space will allow it to spread out works by nearly all of the artists represented in the collection in a unique presentation. In addition to the staging of major works of outstanding significance by Nam June Paik, Christian Boltanski, Ai Wei Wei/Serge Spitzer or Franz Erhard Walther in new constellations and spaces at the MainTor-Areal, works from the MMK holdings never before shown to the public, for example by Michel Majerus, Ceal Floyer or Holger Bunk, will be introduced. The spatial concept for the exhibition building in the MainTor-Areal will be developed in cooperation with Frankfurt architect Prof. Christoph Mäckler – who incidentally is also responsible for one of the new high-rise sites in the so-called MainTor Panorama. The artist Tobias Rehberger will install his work Montevideo, Milan, New York, Moscow, Dubai, Singapore, São Paulo and Tokyo as a temporary museum café, and with the design of the 600-square-metre roof terrace overlooking the Main and the development of a visual routing system for the exhibition he will moreover introduce striking visual accents in the interior and exterior areas of the presentation.

At the building constructed for the MMK Museum für Moderne Kunst after a design by Hans Hollein in Domstrasse in 1991, a concurrent six-month presentation will feature top works from the MMK such as Roy Lichtenstein’s Yellow and Green Brushstrokes, Andy Warhol’s Green Disaster, Bruce Nauman’s Perfect Balance, Bill Viola’s The Stopping Mind, Gerhard Richter’s Fußgänger (Pedestrians) and Douglas Gordon’s Play Dead; Real Time. The post-modern building has lost nothing of its fascination; on the contrary, it has meanwhile taken on model character.

In the past two decades, many of the pieces on display here have been developed for specific spaces within the building by artists represented in the collection. No other museum in the world possesses such a large number of site-specific works.

Artists

A Ai Weiwei/Serge Spitzer Francis Alÿs Carl Andre B Francis Bacon Silvia Bächli Jo Baer John Baldessari Stephan Balkenhol Robert Barry Lothar Baumgarten Thomas Bayrle Bernd und Hilla Becher Lucie Beppler Michael Beutler Joseph Beuys Bernhard Johannes Blume Christian Boltanski Martin Boyce Marc Brandenburg Christoph Brech C Miriam Cahn John Chamberlain David Claerbout D Walter Dahn Hanne Darboven Jeroen de Rijke Willem de Rooij Thomas Demand WalterDe Maria Jim Dine Marlene Dumas E Cecilia Edefalk F Hans-Peter Feldmann David Fischli/Peter Weiss Dan FlavinJochen Flinzer Parastou Forouhar Katharina Fritsch G Cyprien Gaillard Isa Genzken Robert Gober Douglas Gordon Tue Greenfort H Herbert Hamak Gabi Hamm Anton Henning Georg Herold Carsten Höller Martin Honert BethanHuws J Christian Jankowski Hans Josephsohn Donald Judd K Ilya Kabakov Michael Kalmbach On Kawara Ian Kiaer Joseph Kosuth Gary Kuehn L Roy Lichtenstein Morris Louis Lee Lozano M Michel Majerus Piero Manzoni Fabian Marcaccio Teresa Margolles Anthony McCall Stephan Melzl Mario Merz Simon Dybbroe Møller Jonathan Monk Sarah Morris N Bruce Nauman Martin Neumaier Cady Noland O Marcel Odenbach Albert Oehlen Claes Oldenburg P Nam June Paik Palermo Steven Parrino Michelangelo Pistoletto Charlotte Posenenske R Arnulf Rainer Robert Rauschenberg Tobias Rehberger Gerhard Richter Pipilotti Rist Peter Roehr Reiner Ruthenbeck Robert Ryman S Tomas Saraceno Bojan Sarcevic Wilhelm Sasnal Julian Schnabel Gregor Schneider Markus Sixay Andreas Slominski Sturtevant T Wolfgang Tillmans Rosemarie Trockel James Turrell Luc Tuymans W Franz Erhard Walther Jeff Wall Andy Warhol Robert Watts Lawrence Weiner Matthias Weischer Peter Welz Franz West Cerith Wyn Evans Z Dolores Zinny/Juan Maidagan and many more

MMK, MMK Zollamt und MainTor-Areal 19.06.2011 - 09.10.2011

Website & Source : MMK

Website : Frankfurt am Main

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - ANDENNE - Figurines à la folie, un monde de porcelaine

2011-06-22T09:02:00.000+02:00

Une foule de figurines en porcelaine du XIXe siècle est mise en scène pour conter aux petits et grands les choses de la vie ! Des statuettes et miniatures d’Andenne ou d’ailleurs vous donnent rendez-vous pour une exposition pleine de surprises et d’amusement. Elles vous montreront les mœurs, us et coutumes de nos aïeux dans une diversité de tableaux tels que « A votre santé », « Entre chiens et chats » ou encore « Plaisirs de l’enfance ».

Figées dans des situations des plus variées, ces figurines ont des attitudes tendres, cocasses ou légèrement coquines… Leur parade colorée est un véritable divertissement fantasque et raffiné.

Tout au long du parcours, au rythme des vitrines, vous vous laisserez porter par la vitalité de ces petits personnages merveilleusement animés au cœur d’une mise en scène originale voire déconcertante jouant entre passé et présent.

Tantôt considérées comme purs morceaux de mièvrerie, pire, comme ramasse-poussières, ces figurines font pourtant montre d’un réalisme stupéfiant et ont fait la joie des collectionneurs. Qu’ils soient ou non des imitations des chefs- d’œuvre de la grande manufacture de Meissen en Allemagne, ce sont des objets aux vertus ludiques, éducatives ou simplement destinés à dépeindre et caricaturer la société d’alors.

Ce petit monde de porcelaine suscite étonnement, émotion, nostalgie, sourires aux lèvres et éclats de rire !

Musée de le céramique 02.04.2011 - 28.08.2011

Website & Bron/Source : Musée de la céramique

Website : Ville d'Andenne

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - ECOUEN - GEOFFROY TORY - Imprimeur de François 1er Graphiste avant la lettre

2011-06-22T08:46:00.000+02:00

Conçue par le musée national de la Renaissance et la Bibliothèque nationale de France, cette exposition propose de découvrir une personnalité incontournable de l’univers du livre à la Renaissance : Geoffroy Tory (vers 1480-1533).

Artisan du livre moderne et promoteur de la langue française, Tory marque profondément le monde de l’édition et s'illustre particulièrement dans la mise en page et le graphisme.

Précurseur des règles et usages de la langue française, il reçoit le soutien de François 1er et devient, le premier, imprimeur du roi. D’abord éditeur humaniste, puis traducteur, libraire et imprimeur, Geoffroy Tory est aussi un artiste de talent, créateur de caractères d'imprimerie propres à la transcription du français. Graphisme, typographie, reliure et illustration mais aussi grammaire, orthographe et ponctuation, cet humaniste, inconnu du grand public, explore tous les domaines de l’édition quelques décennies seulement après l’invention de l’imprimerie.

A travers le parcours de sa vie, de Bourges à Paris en passant par Rome et Bologne, ses recherches et découvertes, créations et ambitions, seront pour la première fois mises en lumière dans une exposition qui présentera de nombreux ouvrages, gravures, et son chef d’œuvre absolu : le Champ fleury, premier traité typographique à teneur philosophique dans lequel il conçoit des caractères à l'antique proportionnés selon le corps humain.

Musée National de la Renaissance 06.04.2011 - 04.07.2011

Website & Bron/Source : Musée National de la Renaissance

Website : Ville d'Ecouen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - ANTWERPEN - De Burcht. Verdwenen stadskern van Antwerpen

2011-06-15T08:41:00.000+02:00

Rond 1885 werd de Burcht, de wijk rond het Steen, gesloopt voor ingrijpende werken aan de Scheldekaaien. Hierdoor verloor Antwerpen op slag zijn oudste stadskern. Schilderijen, aquarellen, tekeningen, kunstvoorwerpen en archeologische vondsten brengen een verrassend beeld van Antwerpens verloren historische hart.

Rond 1880 werd de Burcht, de wijk rond het Steen, gesloopt voor de rechttrekking van de Scheldekaaien. Daarmee verloor Antwerpen op slag zijn oudste stadskern. De tentoonstelling De Burcht in Museum Mayer van den Bergh brengt een verrassende kijk op deze verdwenen site.

Het uitgangspunt van de tentoonstelling is een smeedijzeren slot dat Fritz Mayer van den Bergh in 1889 kocht. Dit slot werd opgegraven in de Burchtwijk, ter hoogte van de Vierschaar of de vroegere rechtbank. Daarnaast verzamelde Fritz Mayer van den Bergh ook andere objecten uit de oude stadskern. Die stukken worden aangevuld met waardevolle voorwerpen die gered werden van de sloophamer en geschonken werden aan het voormalige Museum voor Oudheden. Vandaag behoren ze tot de collecties van het Vleeshuis. Het Museum Plantin-Moretus

Prentenkabinet leent voor de gelegenheid een twintigtal aquarellen en tekeningen uit die de tentoonstelling verder vervolledigen.

Aan de hand van deze archeologische vondsten uit de Burcht, schilderijen, kunstobjecten, aquarellen toont de tentoonstelling de evolutie van deze wijk. Niet alleen de bewoners van de Burcht komen aan bod, ook de gebouwen en hun wisselende functie worden getoond en uitgebreid toegelicht.

Museum Mayer van den Bergh 30.04.2011 - 30.10.2011

Website & bron : Museum Mayer van den Bergh

Website : Antwerpen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

SPAIN - BILBAO - Painterly Abstraction, 1949-1969: Selections from the Guggenheim Collections

2011-06-15T08:26:00.000+02:00

Helen Frankenthaler

Canal
1963
Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Based mainly around works in the Solomon R. Guggenheim Foundation and the Guggenheim Museum Bilbao Collections, this exhibition explores the most important trends in US and European art in the 1950s and 1960s, revealing the surprising affinities in art on both continents. In the United States, the postwar period saw the appearance of its first internationally influential avant-garde movements, with the appearance of Abstract Expressionism, Colorfield painting, and Pop Art. In Europe, the CoBrA group, the Tachisme, and Art Informel shared Abstract Expressionism's tendency to reject traditional forms of composition in favor of more gestural painting. Included in the exhibition are works by major artists like Jackson Pollock, Willem de Kooning, Ellsworth Kelly, Robert Rauschenberg, Karel Appel, Alberto Burri, Antoni Tàpies, Yves Klein, Jean Tinguely, and Piero Manzoni, among others.

In the devastating aftermath of World War II and under the wing of Existentialist philosophy, European artists turned to expressive hybridization and synthesis as opposed to the utopian and experimental values that had marked the artists of previous generations. For those artists in Franco's Spain and Eastern Europe still oppressed by political and aesthetic tyranny, works of art signified political liberation. Art Informel, or art without form, encompasses a wide array of abstract practices and painterly methods that emerged in this postwar era.

Rejecting the last strongholds of classical humanism and its most significant artistic principles, such as tonal harmony, balance, and unitary composition, Informel painting instead embraced the expression of artistic freedom. The movement was known in its various manifestations as Gesture Painting, Lyrical Abstraction, Matter art, and Tachisme (from the French tache, meaning spot or stain). Such artists as Alberto Burri in Italy, Jean Dubuffet in France, and Antoni Tàpies in Spain applied materials other than oil paint to their canvases, while others explored a number of approaches they considered to be more scientific, objective, and interactive in nature, in particular monochrome painting and Kinetic Art, as demonstrated in the work of Yves Klein, Piero Manzoni, and Jean Tinguely.

Painting in the United States was simultaneously developing toward a gesture-based, highly expressive style. Like the artists of Art Informel, the Abstract Expressionists did not have one style or universal theme. However, an interest in the process and essentials of making art, as well as an overwhelming trend toward abstraction influenced by artists' unconscious or emotions, became the driving force behind the movement. Action Painting sought to unite form and emotion through innovative methods of applying paint-pouring and splattering, as well as using a brush-in an effort to emphasize the act of painting and the painted surface, and is exemplified by the work of Willem de Kooning and Jackson Pollock. Others, such as Robert Motherwell and Mark Rothko, employed large planes of color to evoke spiritual states. Drawn primarily from the collections of the Solomon R. Guggenheim Foundation and the Guggenheim Museum Bilbao, this exhibition, curated by Tracey Bashkoff, Curator of Collections and Exhibitions, and Megan Fontanella, Assistant Curator, both from the Solomon R. Guggenheim Museum, reveals the striking affinities between artists working continents apart in the burgeoning Cold War era.

Guggenheim Bilbao 14.06.2011 - 08.01.2012

Website & bron : Guggenheim Bilbao

Website : Bilbao

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - LEUVEN - Pieter-Jozef Verhagen - In het spoor van Rubens

2011-06-08T08:57:00.000+02:00

In 2011 is het 200 jaar geleden dat Pieter-Jozef Verhagen (1728-1811) stierf. Een uitgelezen moment om deze schilder terug in de kijker te plaatsen. M Leuven, het Stedelijk Museum van Aarschot en het Museum van Abdij van Park hebben de krachten gebundeld om een tentoonstellingsproject te realiseren dat verschillende aspecten van zijn leven en werk belicht.

Pieter-Jozef Verhaghen, geboren in Aarschot, is een 18de eeuws schilder die op een bepaalde manier de laatste schilder uit de school van Rubens kan genoemd worden. Hij schilderde grote historiestukken met religieuze en mythologische thema’s. Zijn voornaamste opdrachtgevers waren kerken en abdijen. Dit alles plaatst hem naadloos in de traditie van de grote Vlaamse meesters en de contrareformatie.

Maar hij markeert ook, ongewild, het einde van die traditie. De afschaffing van de reguliere geestelijken in 1783, de onrust van de Brabantse omwenteling en uiteindelijk de komst van de Fransen zullen ervoor zorgen dat het marktsegment waarvoor Verhaghen voornamelijk werkte drastisch verkleinde en hem geen werk meer opleverde. De grote religieuze historiestukken waren niet meer zo gewild in de 19e eeuw.

Pieter-Jozef Verhaghen wordt meestal beschouwd als een lokale volger van de Vlaamse school uit de 17e eeuw, meer bepaald Rubens en Gaspard de Crayer. De 18e eeuw, bij uitbreiding, wordt gezien als periode van decadentie van de Vlaamse school. Een periode waarin het “genie” van Vlaanderen wordt veronachtzaamd en de kunstproductie eigenlijk niet interessant is.

In deze periode is Verhaghen een van de weinige Vlaamse schilders die internationaal op bijval kan rekenen. Hij wordt eerste schilder van Keizerin Maria-Thérésia en krijgt zo de mogelijkheid om naar Italië en Wenen te reizen. Dit geeft hem ook in Brabant een groot prestige waardoor hij veel opdrachten krijgt van burgerlijke en kerkelijke overheden. Veel kerken zijn dan ook in bezit van een of meer grote altaarstukken van zijn hand.

Het Verhaghenproject zal plaatsvinden op 3 locaties. M - Museum Leuven focust zich in een grote tentoonstelling op Verhaghen als kunstenaar en illustreert de evolutie van de kunst van Verhaghen. Museum Aarschot brengt het verhaal van de mens Verhaghen. Aan de hand van originele brieven, documenten en kunstwerken wordt het menselijke aspect van de kunstenaar belicht. Abdij van Park toont werken van Verhaghen in situ en brengt het verhaal van Verhaghen en zijn belangrijkste opdrachtgevers: de Norbertijnen. De abdij bezit, samen met M, een van de belangrijkste collecties van Verhaghen en kan deze op hun originele plaats tonen.

M - Museum Leuven 07.04.2011 - 25.09.2011

Website & bron : M - Museum Leuven

Website : Leuven

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - BREMEN - Mathilde Vollmoeller-Purrmann. Fest der Farben

2011-06-08T08:41:00.000+02:00

Leben und Werk der Avantgarde Künstlerin (1876–1943) stehen exemplarisch für eine ganze Generation von Künstlerinnen um 1900, zu der auch Paula Modersohn-Becker gehört. Wie für viele ihrer Zeitgenossinnen sind die Metropolen Berlin und Paris die prägenden Stationen ihres künstlerischen Werdegangs.

Im Zentrum der Ausstellung stehen ca. 40 Werke der Künstlerin, die Stillleben, Porträts und Landschaften zeigen.

„Eine starke Begabung, ein noch stärkerer Wille", schreibt das Berliner Tageblatt anlässlich der Beteiligung Mathilde Vollmoeller-Purrmanns am Pariser Herbstsalon 1908. Die Malerin war zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine bedeutende Figur der künstlerischen Avantgarde. Lange Zeit ging man davon aus, dass Mathilde Vollmoeller-Purrmann nach ihrer Heirat mit dem Künstlerkollegen Hans Purrmann das Malen vollständig aufgab und dass ein Großteil ihres Werkes zerstört worden sei. Die Ausstellung des erst 1999 wiederentdeckten Werkes beweist jedoch eindrucksvoll, dass sie ihr Leben lang künstlerisch tätig war.

Wie auch Paula Modersohn-Becker beginnt Mathilde Vollmoeller-Purrmann ihre künstlerische Ausbildung in Berlin. Durch ihren Bruder, den Dichter Karl Vollmoeller, und ihre Lehrerin Sabine Lepsius begegnet sie den Künstlern der Berliner Secession, u.a. Max Liebermann, Lovis Corinth und Leo von König. Ihre Bilder, vor allem Landschaften und Porträts, bringt die Malerin mit dicht aneinander gesetzten Pinselstrichen in hellen Farbtönen auf die Leinwand, so dass ihre Malerei noch ganz im Zeichen der Berliner Interpretation des (Post-)Impressionismus steht.

Mathilde Vollmoeller-Purrmann zieht es, wie viele Künstlerinnen ihrer Zeit, in die französische Metropole Paris. Gemeinsam mit dem befreundeten Dichter Rainer Maria Rilke besucht sie 1907 fast täglich die große Pariser Cézanne-Retrospektive, die es Paula Modersohn-Becker nicht vergönnt war zu sehen. Ihre unter dem Eindruck von Cézanne entstandenen Stillleben machen verstärkt die Farbe zum Gegenstand der harmonischen Bildkompositionen. Die Hinwendung zu einer intensiven Farbpalette verstärkt sich durch ihr Studium an der Akademie des Fauvisten Henri Matisse. In dieser Zeit entstehen überwiegend Stillleben und Landschaften, die das Sonnenlicht des Südens einfangend und in kräftigen Farbkompositionen leuchten.

Mit der Familiengründung konzentriert sich die Malerin auf Aquarelle, die vor allem auf den gemeinsamen Reisen des Ehepaars entstehen und die in ihrer Farbkraft den Ölbildern ebenbürtig sind. Der nationalsozialistischen Diktatur entziehen sich die Purrmanns durch die Übernahme der Leitung der Villa Romana in Florenz, die sie gemeinsam zu einem Rückzugsort für in Deutschland bedrohte Künstler machen. Die groß angelegten Aquarelle aus der Florentiner Zeit zeugen davon, dass Mathilde Vollmoeller-Purrmanns künstlerische Schaffenskraft bis zuletzt ungebrochen war.

Paula Modersohn-Becker Museum 10.04.2011 - 3.07.2011

Website & source : Paula Modersohn-Becker Museum

Website : Bremen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - MORLANWELZ - La Verre Art Déco et Moderniste de Charles Catteau au Val-Saint-Lambert

2011-06-01T08:34:00.000+02:00

Depuis 2003, le Musée royal de Mariemont apporte un important soutien à la sauvegarde du patrimoine de la faïencerie des frères Boch à La Louvière (actuelle Royal Boch). C’est dans cette perspective que, dès 2008, l’association « Centenaire Charles Catteau » et le Musée royal de Mariemont décidèrent de mener à bien une exposition autour de des créations de Charles Catteau (Douai 1880 – Nice 1966) et de ses élèves dans le domaine verrier.

Ce créateur français, formé à Sèvres puis à Nymphenburg, participa à la renommée de la faïencerie des frères Boch durant l’Entre-deux-guerres. Ses vases aux décors animaliers, floraux, géométriques connurent un immense succès dès l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels de Paris de 1925.

Pourtant faïencier, la réputation de Charles Catteau fut telle qu’il fut sollicité pour créer des décors pour l’industrie verrière locale en pleine expansion. Il influença indubitablement l’esthétique des industries d’arts concurrentes, verrières notamment. Catteau fut également enseignant à l’école industrielle supérieure de La Louvière (Arts et Métiers dès 1928). Il forma la plupart des décorateurs (Paul Bernard, Henri Heemskerk, Paul Heller, Robert Hofman, Léon Mairesse pour les plus connus) qui furent actifs dans les verreries locales. Cette prédominance de l’esthétique de Charles Catteau et de ses élèves donne à l’ensemble des produits des verreries de Manage (Scailmont), Familleureux (Gobeleterie nationale) et Houdeng-Goegnies (Verreries du centre) une grande cohérence stylistique. La production qui en résulte fut fulgurante dans son intensité et sa courte durée de vie (moins de dix ans). Cohérente et étonnante de modernité, elle appartient probablement aux phénomènes insolites qui caractérisent les eldorados nés d’une industrialisation brutale que furent ces communes de la Région du Centre. Sur plusieurs centaines d’œuvres recensées, l’exposition dévoilera une petite centaine de créations majeures. Afin de mettre en perspective ce corpus inédit et l’apprécier dans sa modernité, l’exposition proposera aussi des créations de deux autres foyers de production: les cristalleries du Val Saint Lambert et des verreries de Boom (entre Malines et Anvers).

La plupart des œuvres exposées ont été créées entre l’exposition de Paris de 1925 et celle de 1937 (Exposition Internationale des arts et techniques dans la vie moderne), conclusion d’une période où l’Art Déco est au terme de son développement, renonçant à ses écueils historicistes pour retrouver un sens parmi les esthétiques modernes de l’aube du XXe siècle. C’est de ce point de vue que le vitrail moderniste, d’option plastique assez singulière, complice du discours architectural, apportera un éclairage complémentaire aux objets proprement-dits.

Musée royal de Mariemont 09.04.2011 - 04.09.2011

Website & source : Musée royal de Mariemont

Website : Morlanwelz

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DENMARK - EBELTOFT - Glass Mad - 25 years with contemporary glass staged by Bjorn Norgaard

2011-06-01T08:09:00.000+02:00

Glasmuseet Ebeltoft was founded in 1986 on the initiative of Finn Lynggaard, who is one of the studio glass artist pioneers. Among the first artists who supported the museum by donating works to the collection, are legendary pioneers such as Kyohei Fujita (Japan), Harvey K. Littleton (USA), Dale Chihuly (USA), Sybren Valkema (The Netherlands), Åsa Brandt (Sweden), Ann Wolff (Germany/Sweden), Bertil Vallien (Sweden), Klaus Moje (Germany/Australia), Lino Tagliapietra (Italy) and many, many more.

Today the internationally acclaimed collection numbers more than 1500 works donated or deposited by 700 artists from 48 countries. The collection represents a broad range of techniques and artistic expressions from heavy sculptures in cast glass to blown objects, panels and mixed media pieces.

GLASS MAD

The anniversary exhibition presents a large selection of works from the Permanent Collection. Behind the design of the show and selection of works is one of the most significant persons in Danish art: sculptor Bjørn Nørgaard (b. 1947). For the set design of the anniversary exhibition, Bjørn Nørgaard has used various materials – plaster, steel, lead, felt and glass as a background for the works. In the new wing the multitude of the collection is shown as the rich treasure trove it is, while in the old building, single works are positioned in a more classic set up.

Bjørn Nørgaard has completed numerous public works in Denmark and abroad. Among his latest are ”Kærlighedsøen” (the Love Island) in Ørestaden, Copenhagen (2000-2010), the housing project Bispebjerg Bakke (1997-2007), a large sculpture at Odense Railway station (2002-05) and the impressive historical tapestry for the Danish queen (1988-2000). In his sculpural experiments and happenings, Bjørn Nørgaard has often included glass. He has also chosen glass as the material for the sarcophagues, he has designed to stand in Roskilde Cathedral for HM the Queen of Denmark and HRH the Prince Consort. Studio glass

Glasmuseet is rooted in the international Studio glass movement, which arose in USA in the 1960’s and extended to Europe, Australia and Japan throughout the 1970’s and 1980’s. With Harvey Littleton’s and Dominic Labino’s (USA) development of the small one-man’s furnace in 1962, it became possible to work with glass in smaller workshops, called “studios” – and the studio glass movement was born. With the liberation of glass from large glass factories and their industrialized production, new artistic forms appeared and a widely branched network of glassmakers, who explored the material and its possibilities and exchanged their findings at international seminars and workshops. It was Finn Lynggaard, who introduced Studio glass in Denmark in the 1970’s.

Today contemporary glass is still characterized by the unification of craftsman and artist in one person. However, craftsmanship has grown much stronger amongst glass makers, and their works are characterised by great artistic inventiveness and a vast variation in techniques and form.

Glasmuseet Ebeltoft 15.05.2011 - 05.10.2011

Website & bron : Glassmuseet

Website : Ebeltoft

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË- BRUSSEL - Een hard bestaan

2011-05-25T09:13:00.001+02:00

Oude vrouw uit Quessant

Charles Cottet,
olieverf op doek
Coll. Musée Charlier

Recente cijfers tonen aan dat één op vijf werkenden in ons land in armoede leeft. Dat klinkt contradictorisch. Horen in de welvaartsstaat van de 21ste eeuw armoede en werk niet tegengesteld te zijn? Veredelt of verknecht arbeid de mens ? Maakt arbeid onafhankelijk en draagt het bij tot een rijker leven of, is arbeid slechts een overlevingsstrategie?

Met deze vragen in het achterhoofd keken we naar de collectie en onderzoeken we hoe beeldende kunstenaars in de 19de en vroeg 20ste eeuw het leven en werk van de medemens hebben uitgebeeld.

In taferelen van het landelijke leven wordt de boerenbevolking tot diep in de 18de eeuw idyllisch voorgesteld, als opsmuk van een onecht landschap. Pas met de opkomst van de openluchtlandschapsschilderkunst groeit de interesse naar een realistische weergave van het harde boerenbestaan. Omstreeks 1840 is de landbouwproductie in ons land hoog, de bevolking talrijk en opgeleid maar veeleer levend in armoede. Charles de Groux geeft de religieuze schilderkunst op om die maatschappelijke realiteit van sociale ongelijkheid en menselijke ellende te tonen. Beïnvloed door Courbet en Millet, oefent hij via de Société Libre des Beaux-Arts, opgericht in 1868, een grote invloed uit op de jongere generatie landschaps- en genreschilders die de rauwe werkelijkheid willen schilderen. Zo Constantin Meunier, die zich, na zijn reizen met Lemonnier, vanaf 1884 zal ontpoppen tot één van de belangrijkste uitbeelders van het industrieproletariaat. Tekorten nopen de bevolking tot het ontwikkelen van overlevingsstrategieën.

Adriaan Heymans’ Jagers in de sneeuw is in tegenstelling tot het impressionistische doek Palingvissers te Genk van Isidoor Verheyden realistisch van voorstelling, palet en tekening.
Jacob Smits’ Gust is een indringend, gestileerd portret van een boer, opgebouwd in talrijke lagen. Ook het oeuvre van Léon Frédéric neemt een aparte plek in.
Zijn Boerenmaaltijd is een haast religieuze voorstelling van een boerengezin levend in harmonie met het landschap.
De toonaarden refereren naar de prérafaellieten. Zijn werk herinnert aan Bastien-Lepage, doch de symbolische haast mystieke weergave primeert op het realisme.
In 1857 omschrijft criticus Castagnary de naturalistische schilderkunst als zijnde monumentale doeken die met een fotografische echtheid de proletarische ontberingen zonder schroom tonen. Hiermee sluit hij aan bij de atavistische familiegeschiedenissen zoals beschreven door Emile Zola.
In België zijn ondermeer Lemonnier en Eekhoud, Buysse en Streuvels naturalistische romanschrijvers.

De landelijke grisailles van Louis Pion zijn hyperrealistische, correcte fotografische weergaven. De schilder besteedt veel aandacht aan de natuurlijke omgeving, een ander aspect van het naturalisme.
Het stedelijk en industrieel proletariaat vormt het belangrijkste onderwerp in het oeuvre van Eugène Laermans.

Vertrouwd met het revolutionaire anarchisme van Kropotkin, schildert hij immense doeken met een massa in beweging zoals in De wandeling, stakers of het onzekere bestaan van landverhuizers. Zijn werk is expressionistisch, zijn figuren vereenvoudigd en ietwat karikaturaal doch weinigen hebben zo treffend de trieste eenzaamheid binnen een groep weergegeven. De oudere dierschilder Joseph Stevens schilderde vijftig jaar voordien vechtende honden als symbool voor de doffe ellende van het stadsproletariaat.
Ook het harde vissersbestaan inspireert kunstenaars. In Frankrijk verkiezen de realisten Bretagne, zo ook Charles Cottet en Lucien Simon. Simons Vissers zijn in volle actie op groot formaat afgebeeld, ze trekken met vereende krachten heldhaftig de netten binnen. Het is een krachtig geborstelde ode aan hun arbeid. Uit de collectie diepen we ook een postimpressionistisch portret van een visser op van Emile Thysebaert. Hij kwam op de Gentse scheepswerf van zijn grootvader op jonge leeftijd in aanraking met de leefwereld van arbeiders, een onderwerp dat hem niet meer zou loslaten.

Een “hard bestaan” is niet louter kommer en kwel, dat blijkt uit de kinderportretten. Er is ook mogelijkheid tot emancipatie en lotsverbetering: de Houthakker van Florent Crabeels leest de krant tijdens een pauze, de Arbeider op stap van Laermans gaat de dageraad tegemoet en Guillaume Charlier verenigt in zijn Monument voor Jules Bara (1903) De arbeid en de studie. De beeldhouwer toont de persoonlijke weg naar de lotsverbetering, hetzelfde jaar keurt het parlement de wet op de arbeidsongevallen goed, één van
de vele stappen die een menswaardiger bestaan beoogden.
Nathalie Jacobs

Charlier Museum 05.04.2011 - 30.09.2011

Website & bron : Charlier Museum

Website : Stad Brussel

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - GRANVILLE - Dior, le Bal des Artistes

2011-05-25T08:52:00.000+02:00

Au printemps et à l'été 2011, la Villa "Les Rhumbs", maison d'enfance de Christian Dior, accueillera l'exposition "Dior, le Bal des Artistes" pour faire revivre, sous le commissariat de Florence Müller, historienne de la mode, la passion du grand couturier pour l'art et les artistes de son époque. L'exposition évoquera en outre les nombreuses sources d'inspiration artistique puisées dans l'histoire de l'Art et à la culture qui n'ont cessé de nourrir la créativité de la Maison Dior, depuis la présentation par Christian Dior de sa première collection en 1947 jusqu'aux toutes dernières créations de la Maison Dior.

L'exposition s'ouvrira par l'évocation de la vie de galeriste du jeune Christian Dior, à Paris, dans les années 30, et des artistes qu'il contribua à révéler en association avec Jacques Bonjean puis Pierre Colle: Raoul Dufy, Giorgio de Chirico, Salvador Dali, Leonor Fini ou bien encore le groupe des "néo-humanistes": Christian Bérard, les frères Berman, Pavel Tchelitcheff... Mises en garde de ces artistes et de leurs oeuvres, plusieurs créations d'Elsa Schiaparelli ou de Paul Poiret témoigneront des premiers liens noués dans l'Entre-deux-guerres entre l'Art et la Mode; liens que les créations de Christian Dior révélèrent de façon éclatante à partir de 1947.

La seconde partie de l'exposition racontera comment Christian Dior, devenu dès 1947 l'un des plus grands créateurs de son temps, approfondit ses rapports avec tout le milieu artistique des années d'Après-guerre: les peintres, les sculpteurs, les photographes, les décorateurs mais aussi les écrivains, les poètes et les musiciens de ses années de jeunesse: Christian Bérard, Jean Cocteau, le compositeur Henri Sauguet... s'inspirant de l'oeuvre des uns et des autres pour créer des modèles qui auront pour nom "Concerto" ou encore "Menuet", faisant appel aux talents de Christian Bérard ou Victor Grandpierre pour la décoration de ses boutiques, baptisant ses modèles du nom des plus grands artistes du vingtième siècle: "Matisse", "Braque", "Picasso"... auxquels réponderont dans l'exposition les robes de Haute Couture "Hommage à Jean Cocteau" ou "Monet", l'un des modèles de la collection "Le Bal des Artistes" de 2007, créés ces dernières années par la Maison Dior. Les dessins de modèles par Jacques Darnel ou les très célèbres illustrations de René Gruau pour les parfums de la Maison Dior, les photographies de Willy Maywald ou André Ostier complèteront l'ensemble.

Musée Christian Dior 14.05.2011 - 25.09.2011

Website & source : Musée Christian Dior

Website : Ville de Granville

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - KNOKKE-HEIST - Het Internationaal Fotofestival Knokke–Heist 2011

2011-05-18T08:17:00.003+02:00

Het Internationaal Fotofestival Knokke–Heist is dit jaar aan zijn 33ste editie toe en biedt opnieuw een verrassend rijk en gevarieerd overzicht op internationale fotografie.

Diversiteit is een belangrijke drijfveer voor het festival. Jaarlijks staan internationale en Belgische topfotografen op het programma, gekoppeld aan exposities van opkomende jonge fotografen.

Het Festival vindt plaats op verschillende locaties in de gemeente Knokke-Heist. De hoofdlocaties zijn een tentoonstellingspaviljoen dat wordt gebouwd op het strand, ter hoogte van het Rubensplein, én het Cultuurcentrum Knokke-Heist.

De verschillende tentoonstellingen van het festival zijn makkelijk bereikbaar. Met een stadsplan in de hand kan elke bezoeker op een aangename manier de volledige tentoonstelling bezoeken, gekoppeld aan een heerlijke wandeling doorheen de kustgemeente. Het Fotofestival 2011 maakt van Knokke-Heist een uitgelezen plek waar liefde voor verfijnde kunst samengaat met genieten van alles wat Knokke-Heist te bieden heeft: natuurwandelingen, strand, gastronomie, shopping, puur genieten.

Het thema van 2011 is Future Portraits. Het festival zoomt in op theatrale portretfotografie en de manier waarop hedendaagse media worden ingezet om dit genre nieuw leven in te blazen.

Cultuurcentrum Knokke-Heist 10.04.2011 - 13.06.2011

Website & bron : Het Internationaal Fotofestival Knokke–Heist

Website : Knokke-Heist

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - PARIS - L'Invention de l'oeuvre, Rodin et les ambassadeurs

2011-05-18T08:05:00.001+02:00

Jean Arp, Marcel Duchamp, Joan Miro, Jean Fautrier, Lucio Fontana, Jean Dubuffet, Alberto Giacometti, Willem de Kooning, Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, Eduardo Paolozzi, Anthony Caro, Cy Twombly, Eric Cameron, Richard Serra, Bruce Nauman, Haim Steinbach, Sophie Ristelhueber, Ugo Rondinone, Douglas Gordon, Urs Fischer.

L’Invention de l’oeuvre, Rodin et les ambassadeurs s’intéresse à la réception de l’oeuvre de Rodin avec l’ambition de témoigner de son évolution, de la relecture dont elle a été et demeure l’objet. L’exposition propose de confronter une centaine d’oeuvres de Rodin (1840-1917) à une trentaine d’oeuvres modernes et contemporaines, postérieures à 1945.

Une approche inédite
Cette approche inédite situe l’oeuvre du sculpteur dans le contexte du regard critique qui lui a été porté depuis l’après-guerre. Elle considère aussi bien des oeuvres reconnues telles que L’Âge d’airain, Le Baiser, Balzac, L’Homme qui marche que la présentation des nombreux modèles qui figuraient dans l’atelier à la mort de l’artiste et dont l’étude a largement progressé depuis cette époque. Une telle relecture procède évidemment d’un travail de critiques, d’historiens de l’art et de conservateurs qui ont permis de découvrir et de valoriser le corpus de l’oeuvre en l’élargissant aux plâtres, aux figures partielles et aux assemblages. Sorte de work in progress, la création chez Rodin se nourrit d’une tradition dont l’artiste fait sa propre histoire en même temps que le sculpteur fait de son atelier un vaste chantier de recyclage, de réactivation, et de sa propre oeuvre une matrice qui vient s’alimenter elle-même, se reproduire, se répéter, s’assembler et se recomposer.

Le renouvellement du regard
Le renouvellement du regard sur l’oeuvre de Rodin est aussi le fait du travail artistique, c’est-à-dire de la production de certains artistes de l’immédiat après-guerre jusqu’à aujourd’hui. Leurs préoccupations - pour la matière et le modelé mais aussi la valorisation du fragment ou le recours à la combinaison d’éléments - ont eu des répercussions sur la façon de regarder Rodin comme sur la manière d’envisager la création contemporaine. De Marcel Duchamp (1887-1968) à Urs Fischer (né en 1973), chacun de ses artistes se fait « l’ambassadeur » d’un regard sur le monde, sur son oeuvre, et sur les oeuvres du présent comme du passé.

Un parcours en 11 sections
En se plaçant au niveau des procédés de la sculpture, comme le matériau, le lisse et le poli, l’assemblage ou la série, pour ne citer que ces quelques catégories, l’exposition se donne pour enjeu non pas d’établir des filiations ou des descendances mais d’interroger des permanences, des variations, des glissements. Les choix effectués, aussi bien concernant les onze sections qui structurent l’exposition que dans la sélection des oeuvres présentées, celles de Rodin et celles des 21 autres artistes, visent à susciter un écart, une tension, entre les unes et les autres, sans chercher de justifications historiques ou formelles.

On en veut pour seuls exemples le vis à vis entre les assemblages de Rodin et Butt To Butt de Bruce Nauman, le face à face entre La Robe de chambre de Balzac et La Peau de Joseph Beuys, ou bien encore dans le chapitre « séries et variations » la confrontation entre les 28 bustes exécutés pour le portrait de Georges Clemenceau et les 64 sculptures en cire moulées Diary of Clouds d’Ugo Rondinone.

L’exposition se prolonge dans la cour d’honneur de l’Hôtel Biron où, entre Le Penseur et La Porte de l’Enfer, sont présentées pour la première fois en extérieur trois oeuvres monumentales en fonte d’aluminium d’Urs Fisher.

Laissant aux oeuvres le pouvoir de dialoguer entre elles, cette exposition permet au spectateur de développer son propre parcours et de libres associations.

Un prolongement à l’hôtel Biron : Douglas Gordon
Et de poursuivre sa visite au sein des collections, à l’hôtel Biron, au premier étage duquel sera présentée l’oeuvre de Douglas Gordon, Predictable Incident in Unfamiliar Surroundings (1995), réalisée à partir de scènes de « baisers » extraites de la célèbre série télévisée américaine Star Trek. Par son principe de reprise et de répétition, cette installation vidéo vient en écho et comme point d’orgue à l’exposition L’invention de l’oeuvre, Rodin et les ambassadeurs.

Musée Rodin 06.05.2011 - 04.09.2011

Website & source : Musée Rodin

Website : Paris

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - KORTRIJK - Roelandt Savery. Visionair hofschilder in Praag

2011-05-04T08:29:00.002+02:00

Het Broelmuseum organiseert samen met de Národní Galerie Praag (het nationaal museum in Praag), een internationale tentoonstelling rond Roelandt Savery, de 16e eeuwse schilder met Kortrijkse roots. De tentoonstelling loopt eerst in Praag van 6 december 2010 tot 20 maart 2011. Vanaf 21 april tot 11 september 2011 zijn meer dan 40 werken van deze fantastische schilder in het Broelmuseum te bewonderen!

Roelandt Savery is geboren in Kortrijk in 1576. Hij reisde naar het keizerlijke hof van Rudolf II in Praag. In deze culturele smeltkroes voor kunst en wetenschappen ontmoette hij de belangrijkste kunstenaars, architecten, wetenschappers, filosofen en humanisten uit heel Europa. In Praag zag hij voor het eerst exotische dieren zoals: leeuwen, ara's, dodo's,... Sommige kon hij live bekijken in de keizerlijke dierentuin. Zij vormden samen met de uitzonderlijke fauna en flora en de weidse landschappen de inspiratiebronnen voor zijn fantastische schilderijen.

Savery ook voor kids!

Niettegenstaande Roelandt Savery leefde op het einde van de 16e - begin 17e eeuw, is hij helemaal geen oude vervelende knar! Zijn schilderijen zijn zo wonderlijk dat ze zeker spreken tot de verbeelding van de kinderen van nu. Voor deze tentoonstelling zetten we een superleuk en cool familieparkoers op dat zowel jong als oud zal weten te boeien. Dit familieparkoers kan ook in klasverband verkend worden. Het parkoers is bedoeld voor kinderen van 6 tot 12 jaar.

www.savery.eu is de website waar je alle actuele informatie kunt lezen in het NL, Fr en E.

Broelmuseum 21.04.2011 - 11.09.2011

Website & bron : Savery.eu

Website : Stad Kortrijk

FIC123.BE een website met info en cultuur.

ÖSTERREICH - WIEN - The Prophet - The World of Karl Wilhelm Diefenbach

2011-05-04T08:11:00.002+02:00

The first major exhibition in Austria devoted to Karl Wilhelm Diefenbach (1851-1913)

Karl Wilhelm Diefenbach (1851–1913) was an eccentric artist and outsider who first caused a sensation in Germany in the 1880s: as a barefoot vegetarian in a cowl, as a "life reformer" advocating nudism, as a self-styled prophet who preached peace, and not least as a painter of monumental pictures in late symbolist style, which he used to advertise his ideas.

In 1892, Diefenbach and his children moved from Munich to Vienna, where he exhibited his paintings – and was ridiculed as a "kohlrabi apostle", just as he had been before in Germany. Although he suffered an existential crisis following a conflict with the artists' association Wiener Kunstverein, he decided to stay in the city, founding the highly controversial "Himmelhof" commune where he ruled in authoritarian style. His restless life eventually led Diefenbach to the island of Capri, then a popular spot with artists and Bohemians. After his death there in 1913, he soon faded into oblivion.

The exhibition now on show at Hermesvilla has been curated by Diefenbach expert Claudia Wagner and was a great success at Villa Stuck in Munich, where it first went on display under the title Karl Wilhelm Diefenbach (1851–1913). "Lieber sterben, als meine Ideale verleugnen!" ("Let me die rather than deny my ideals!"). It includes about 30 paintings by Diefenbach, most of which have never been displayed in public before; many of them are on loan from private collections around the world. Also on show are the most important parts of his magnum opus, the 68-metre frieze Per aspera ad astra, which Diefenbach painted in Vienna. Some space has been reserved for Diefenbach's disciples, among them the well-known artist František Kupka, the "revolutionary" Gusto Gräser and Hugo Höppener, alias Fidus, a later sympathizer with Nazi ideology. Many photographs and private documents offer insights into the personal lifestyle and environment of Diefenbach, a key figure of the "life reform" movement in Europe around 1900.

Wien Museum - Hermesvilla 07.04.2011 - 26.10.2011

Website & source : Wien Museum

Website : Wien

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - GENT - L’Objet Sublime - Franse keramiek 1875-1945

2011-04-27T09:05:00.001+02:00

Met ongeveer driehonderd uitgelezen stukken wordt de geschiedenis verteld van de Franse keramiekkunst uit een uiterst boeiende periode: van het eerste japonisme over de art nouveau en art deco tot de onderscheiden reacties daartegen. De nadruk ligt daarbij op sleutelfiguren als Chaplet, Carriès, Delaherche, Lenoble en Decoeur, maar tegelijk worden ook vele anderen belicht, telkens met hoogstaand en representatief werk. 

Tot rond 1900 is de Franse keramiek internationaal toonaangevend: de creativiteit en kwaliteit, bereikt door de pioniers, de eerste moderne keramisten, is uitzonderlijk. 

Daarna is het vooral bij keramisten dat in Frankrijk nog voor 1910 de art deco geboren wordt. Het verlangen naar een tijdloze schoonheid en het zoeken naar een unieke en prachtige materie nemen in de decennia daarna nog toe, tot anderen afstand nemen van een elitair en decadent geworden estheticisme.

De stukken zijn afkomstig van een nog niet eerder getoonde privé-verzameling.

With about 300 exquisite pieces originating from a never before exhibited private collection, this exhibit showcases the history of French ceramic art from a fascinating time period: from the onset of Japonism, via art nouveau and art deco, to their various reactions. The emphasis is on key figures such as Chaplet, Carriès, Delaherche, Lenoble and Decœur, but at the same time many other artists will be featured, each with high-quality and representative work. 

Until around the year 1900 French ceramics set the tone internationally: the creativity and quality were exceptional. Subsequently, it is mainly with the ceramicists that art deco was born in France even before 1910.

The desire for a timeless beauty and the quest for unique and magnificent materials only grew in the following decades, until others decided to distance themselves from an aestheticism which had become elitist and decadent. 

Design museum Gent     26.03.2011 - 13.06.2011

Website & bron : Design museum Gent

Website : Stad Gent

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - HAMBURG - Power to the Imagination. Artists, Posters and Politics.

2011-04-27T08:50:00.001+02:00

Photo: Robert Indiana (*1928), Hope, New York 2008, Offset Print, 65 x 65 cm, © Robert Indiana, Courtesy Gallery Thomas München 

Artists’ posters tell the story of protest, commitment to freedom and human rights, the fight for equal rights and tolerance.

The exhibition presents in excess of 180 works by approximately 90 internationally renowned artists and thus offers a fresh and comprehensive overview over protest and opposition movements in the course of the past 60 years. At the same time it highlights the tensions between utopia, the wish for participation and political history – looking at the newly reviewed protests this subject is highly topical. Artists’ posters tell the story of protest, commitment to freedom and human rights, the fight for equal rights and tolerance. “Power to Fantasy” was the artist Pierre Soulages’ slogan of support to the students protesting in Paris in May 1968. The Post-War period when Picasso emphazised his support for peace with his doves of peace, was followed by the rebellions of the 60s. A decade later the freedom of minorities was at the centre of attention, and shortly after artists such as Joseph Beuys focussed on the pollution of the environment. By the mid-80s AIDS drew attention to discrimination and exclusion of minorities and equality was pursued by American artists especially, examples are Keith Haring or Jenny Holzer. Globalisation after the fall of the Berlin wall in 1989 left its mark on posters by Robert Rauschenberg and others. The history of international protest, illustrated by powerful designs by the great artists of our times is equally the history of art of this time – narrated selectively, yet expressing an astonishing continuity and authenticity.

MKG Hamburg     18.03.2011 - 13.06.2011

Website & bron : MKG Hamburg

Website : Hamburg

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - OOSTENDE - Jean Brusselmans

2011-04-13T08:21:00.000+02:00

Vanaf april tot eind augustus 2011 wordt Jean Brusselmans tentoongesteld in Mu.ZEE te Oostende. Dit is de eerste solotentoonstelling in dertig jaar tijd.

Het vroegere werk van Jean Brusselmans werd vooral gekenmerkt door zowel het realisme als het impressionisme, ook het fauvisme was nooit ver weg in zijn werk. Jean Brusselmans wilde niet onder de noemer ‘expressionist’ gevat worden en toch vertoont hij enige verwantschap met de expressionisten uit zijn tijd. Dit uit zich in het constructivisme van de platgedrukte vormen, die hij gestileerd tot geometrisch op het doek aanbrengt en in het gebruik van heldere, felle kleuren. Brusselmans’ persoonlijke stijl zal vele kunstenaars na 1945, waaronder Roger Raveel, sterk aanspreken.

Deze tentoonstelling is geen retrospectieve maar legt vooral het accent op de avant-gardejaren, meer bepaald de tweede helft van de jaren 1920 en de jaren 1930, met ruime aandacht voor zijn tekeningen. Vanaf de jaren 1930 ontwikkelde hij echter zijn eigen stijl, en het is net die periode 1930-1940 die Mu.ZEE in Oostende tentoonstelt. De verhaallijnen worden via enkele sleutelwerken uitgezet. De keuze van deze sleutelwerken werd ingegeven door de manier waarop Jean Brusselmans de geschilderde werkelijkheid wist weer te geven. 

Mu.ZEE   09.04.2011 - 04.09.2011

Website : Mu.Zee

Website : Oostende

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DEUTSCHLAND - BERLIN - The Architectural Dreams of Jugendstil. - Joseph Maria Olbrich

2011-04-13T08:07:00.000+02:00

Joseph Maria Olbrich

The year 2011 marks the centenary of the acquisition of the graphic works that Joseph Maria Olbrich (1867-1908) had in his possession upon his death. The more than 2000 drawings by the architect, designer and landscape architect form the bulk of the Art Library's collection of architectural drawings from the first half of the 20th century. A century ago a foundation had to be set up to facilitate the purchase, the committee of which included the then Director General of the Royal Museums in Berlin, Wilhelm von Bode, and the artist Max Liebermann. Remaining funds came from generous donations from around 42 private individuals and companies. Thanks to their combined efforts, the purchase of this part of Olbrich's estate was made possible and is to be honoured today with an exhibition by the Art Library.

Olbrich's fame largely rests on his design for the Vienna Secession building, his constructions for the artists' colony in Darmstadt on the slopes of the Mathildenhöhe and his last great contract, the department store built for Leonard Tietz AG in Düsseldorf. As an architect, Olbrich created complex worlds as Gesamtkunstwerke that left no aspect of design untouched. The areas he tackled ranged from the outer design of buildings and interiors, right up to linen, cutlery, porcelain and domestic ceramic products. Olbrich made his architectural dreams reality. Today's exhibition aims not only to reflect the creative output of this European architect by showcasing his designs that lay somewhere between historicism, Jugendstil and early modernism, but also to reveal to the public the beauty and aesthetic appeal of his drawings in their own right.

Kunstbibliothek Berlin   03.03.2011 - 13.06.2011

Website : Staatliche museen zu Berlin

Website : Berlin.de

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - STAVELOT - Andy Warhol and Co ... W

2011-04-06T09:11:00.000+02:00

L’exposition présente Andy Warhol, véritable témoin de son temps. Sa production artistique amène le monde de l’art vers une mutation profonde, puisqu’il substitue à l’œuvre unique des exemplaires multipliés et interchangeables. Il transforme très consciemment l’art en marchandise et emprunte aux supports médiatiques de son époque des images qu’il diffuse largement.

Avec ses contemporains Lichtenstein, Oldenburg, Rauschenberg, Johns,… il fait partie du mouvement Pop Art, qui a encore, de nos jours, une présence indéniable dans notre quotidien.

Artiste éclairé et éclectique, il est déjà un mythe de son vivant.

Abbaye de Stavelot     28.01.2011 - 25.09.2011

Website : Abbaye de Stavelot

Website : Ville de Stavelot

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - ROUBAIX - Paul Signac (1863-1935) - Les ports de France

2011-04-06T09:02:00.000+02:00

 Paul Signac - Port de Calais 

Dans la continuité du mouvement impressionniste illustré par l’exposition Degas, La Piscine, en partenariat avec le Musée Malraux du Havre, rend hommage à Paul Signac, peintre néo-impressionniste qui, avec Georges Seurat élabora les principes du pointillisme, avant de mettre au point la technique du divisionnisme.

Dans la continuité du mouvement impressionniste illustré par l’exposition Degas, La Piscine, en

partenariat avec le Musée Malraux du Havre, rend hommage à Paul Signac, peintre néo-impressionniste

qui, avec Georges Seurat élabora les principes du pointillisme, avant de mettre au point la technique

du divisionnisme. Il co-fondera avec lui la Société des artistes indépendants.

C'est en Provence et à Saint-Tropez où il résidera durant plusieurs années, que Signac peint ses

premières aquarelles lumineuses et dès 1910 celles-ci prennent véritablement le pas sur la peinture

à l’huile. Grand voyageur et marin, il peint le plus souvent des paysages, notamment des sites marins

ou fluviaux avec de nombreuses vues de ports comme Collioure ou Saint-Tropez.

Afin de souligner l’oeuvre de ce grand aquarelliste, le musée expose une série sur les ports de France

commandée par Gaston Lévy, grand mécène et collectionneur de l’artiste, également créateur de la

chaîne de magasins Monoprix. Signac écrit à son ami fin 1928 pour lui demander de soutenir son

grand projet qui doit le conduire sur toutes les côtes de France : "Mon cher ami, voici l’idée que j’ai, je

vous la communique telle qu’elle m’est venue... Depuis longtemps je rêve de faire une suite importante

d’aquarelles sur «les ports de France». J’ai relevé 40 ports de la Manche, 40 ports de l’Océan, 20

ports de la Méditerranée. En tout une centaine. Les peintres de marine Vernet, Ozanne ensuite, puis

Garneray ont publié sur le même sujet des séries de gravures très recherchées aujourd’hui. Je serais

heureux de laisser une oeuvre de ce genre".

Peintre de la Marine depuis 1915, Signac se situe donc dans une féconde tradition de vues portuaires.

Son contrat avec Gaston Lévy stipule que pour chaque site de son périple, il réalisera deux aquarelles.

Son mécène en choisit une pour lui, l’autre reste la propriété de l’artiste. Cette série dite des Ports

de France, exécutée de 1929 à 1931, sera donc le couronnement de la carrière d’aquarelliste de

Paul Signac.

Grâce à des prêts exceptionnels consentis par de grands musées français et internationaux et par de

très importantes collections particulières, l’exposition présente la totalité de ce travail mais s’attache

aussi à confronter certaines aquarelles avec des tableaux antérieurs ou postérieurs à la commande

mais également réalisés dans des ports français. Elle a aussi pour ambition de montrer comment le

travail de Signac se situe dans une riche tradition historique depuis Le Lorrain et Vernet jusqu’à Corot,

Jongkind et Boudin.

Le commissariat scientifique est assuré par Marina Ferretti Bocquillon, spécialiste de l’oeuvre de Paul

Signac et co-auteur, avec Françoise Cachin, du catalogue raisonné de l’artiste.

L’exposition est accompagnée de la publication d’un catalogue par les éditions Gallimard regroupant

les contributions scientifiques de conservateurs de musée et d’historiens de l’art.

Cette exposition bénéficie d’un mécénat exceptionnel de la part du CIC Nord Ouest.

PAUL SIGNAC (1863-1935)

LES PORTS DE FRANCE

12 FÉV RIE R - 22 MAI 2011

I EXPOSITIONS

IDans la continuité du mouvement impressionniste illustré par l’exposition Degas, La Piscine, en partenariat avec le Musée Malraux du Havre, rend hommage à Paul Signac, peintre néo-impressionniste qui, avec Georges Seurat élabora les principes du pointillisme, avant de mettre au point la technique du divisionnisme. Il co-fondera avec lui la Société des artistes indépendants.

C'est en Provence et à Saint-Tropez où il résidera durant plusieurs années, que Signac peint ses premières aquarelles lumineuses et dès 1910 celles-ci prennent véritablement le pas sur la peinture à l’huile. Grand voyageur et marin, il peint le plus souvent des paysages, notamment des sites marins ou fluviaux avec de nombreuses vues de ports comme Collioure ou Saint-Tropez. Afin de souligner l’oeuvre de ce grand aquarelliste, le musée expose une série sur les ports de France commandée par Gaston Lévy, grand mécène et collectionneur de l’artiste, également créateur de la chaîne de magasins Monoprix.

Cette série dite des Ports de France, exécutée de 1929 à 1931, sera donc le couronnement de la carrière d’aquarelliste de Paul Signac. Grâce à des prêts exceptionnels consentis par de grands musées français et internationaux et par de très importantes collections particulières, l’exposition présente la totalité de ce travail mais s’attache aussi à confronter certaines aquarelles avec des tableaux antérieurs ou postérieurs à la commande mais également réalisés dans des ports français. Elle a aussi pour ambition de montrer comment le travail de Signac se situe dans une riche tradition historique depuis Le Lorrain et Vernet jusqu’à Corot, Jongkind et Boudin. Le commissariat scientifique est assuré par Marina Ferretti Bocquillon, spécialiste de l’oeuvre de Paul Signac et co-auteur, avec Françoise Cachin, du catalogue raisonné de l’artiste.L’exposition est accompagnée de la publication d’un catalogue par les éditions Gallimard regroupant les contributions scientifiques de conservateurs de musée et d’historiens de l’art.

Cette exposition bénéficie d’un mécénat exceptionnel de la part du CIC Nord Ouest.

La Piscine        12.02.2011 - 22.05.2011

Website : La Piscine - Musée d'Art et d'Industrie André Diligent

Website : Ville de Roubaix

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - BRUSSEL - Luc Tuymans. Retrospective

2011-03-30T08:45:00.000+02:00

Voor het eerst vindt in eigen land een grote retrospectieve plaats rond de internationaal gereputeerde Belgische kunstenaar Luc Tuymans. Na vier Amerikaanse steden is Brussel de eerste en enige Europese stad waar de tentoonstelling, een coproductie van het San Francisco Museum of Modern Art en het Wexner Center for the Arts, te zien is. In hun selectie legden de curatoren de nadruk op reeksen die Tuymans als een samenhangend geheel opvatte en uitwerkte. Ze werden speciaal voor de tentoonstelling weer samengesteld uit voornamelijk privécollecties van over de hele wereld. Het geheel omvat 75 werken en biedt een chronologisch overzicht van dertig jaar scheppende arbeid. Via onderwerpen als de Tweede Wereldoorlog, het (post)- kolonialisme en 9/11 komen thema’s aan bod als macht en geweld, geschiedenis en nationalisme, waarneming en controle. Tuymans problematiseert de onmiddellijkheid van het alomtegenwoordige, consumeerbare beeld. Daarbij is een hoofdrol weggelegd voor zijn gedempt kleurenpalet en zijn unieke, bedrieglijk onbewogen maar betekeniszwangere stijl. Voor het eerst zijn ook de super 8, super 16 en 35 mm-filmpjes te zien die Tuymans in het begin van zijn carrière draaide en die tot op vandaag, naast foto’s en beelden uit de populaire cultuur, zijn werkwijze bevruchten.

Luc Tuymans - Retrospective wordt georganiseerd door het San Francisco Museum of Modern Art en het Wexner Center for the Arts van Ohio State University, Columbus. Met de vrijgevige steun van Bruce and Martha Atwater. Met steun van Carla Emil en Rich Silverstein, het Vlaams Huis, nieuw cultureel forum voor Vlaanderen in de Verenigde Staten en de Vlaamse Overheid.

Paleis voor Schone Kunsten     18.02.2011 - 08.05.2011

Website : BOZAR

Website : Stad Brussel

FIC123.BE een website met info en cultuur.

SUISSE - LAUSANNE - El Modernismo De Sorolla à Picasso, 1880-1918

2011-03-30T08:30:00.001+02:00

La Fondation de l’Hermitage présente une importante exposition consacrée à l’art espagnol à l’aube du XXe siècle. Centrée autour des peintres de la «génération de 1898» issue des turbulences extrêmes traversées par l’Espagne tout au long du XIXe siècle, l’exposition montre l’évolution que connaissent ces artistes. Oscillant entre respect des traditions hispaniques et modernité, leurs oeuvres s’inscrivent dans l’élan d’ouverture que connaît alors l’avant-garde espagnole. 

Extraordinairement riche et diverse, la production artistique en Espagne à l’aube du XXe siècle reste encore mal connue en dehors de son pays d’origine. Entre la mort de Goya et la période cubiste de Picasso s’étendent pourtant quelques décennies fascinantes, qui voient se former les prémices de l’art moderne espagnol. Grâce à cette exposition, la Fondation de l’Hermitage propose à ses visiteurs la découverte d’une partie des trésors cachés de l’Espagne, dont beaucoup sont présentés pour la première fois en Suisse.

L’exposition, qui compte une centaine de tableaux, réunit les artistes les plus significatifs de cette époque (Anglada, Beruete, Casas, Mir, Picasso, Pinazo, Regoyos, Rusiñol, Sorolla, Zuloaga). La grande majorité des oeuvres provient de musées publics espagnols (le Prado, le Musée Sorolla, le Musée Thyssen-Bornemisza, ou encore le Musée des beaux-arts de Valence et le Musée National d’Art de Catalogne de Barcelone), de même que de collections privées espagnoles. Quelques tableaux-phares du Musée d’Orsay et du Musée Rodin viennent compléter cette sélection rigoureuse et de haut niveau.

L’exposition est placée sous le Haut Patronage de Sa Majesté le roi d’Espagne Juan Carlos 1er et de Madame Micheline Calmy-Rey, Présidente de la Confédération suisse.

Fondation de l'Hermitage       28.01.2011 - 29.05.2011

Website : Fondation de l'Hermitage

Website : Ville de Lausanne

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - LA LOUVIERE - Jean-Michel Alberola - l'œuvre imprimé

2011-03-23T08:33:00.000+01:00

L’œuvre de Jean-Michel Alberola forme un ensemble composite. Il manifeste dans ses créations sa volonté d’interpeller et de bousculer les consciences : tordre le cou aux images prêtes à consommer, aux mots prêts à penser pour faire émerger des idées neuves. 

L’exposition propose 200 estampes et livres choisis dans les collections de la Bibliothèque nationale de France. De nature très variée dans les techniques utilisées (taille-douce, lithographie proches de ses dessins et peintures, sérigraphie, typographie, offset) mais également dans les formes abordées (estampes en feuilles, livres, affiches, cartes postales, cartes de vœux, tracts), les oeuvres exposées permettent de découvrir les différentes voies qu’explore depuis 25 ans ce créateur singulier. Trois murs peints in situ par l’artiste viennent compléter l’ensemble. 

Puisant son inspiration dans l’histoire de l’art, Jean-Michel Alberola travaille de façon ludique par associations d’idées, métaphores et références. Celles-ci y sont omniprésentes et questionnent l’œuvre d’art et son statut.

Il revendique également la double filiation de Marcel Duchamp et de Marcel Broodthaers, raison pour laquelle il a souhaité sélectionner, dans les collections du Centre de la Gravure, dix estampes de Marcel Broodthaers qui dialoguent avec ses propres œuvres. 

Jean-Michel Alberola accorde une place importante aux éditions qui permettent de toucher un public plus large que le cercle restreint des amateurs d’art. A ses yeux, elles sont « la seule activité permanente, noble, élégante et démocratique ». 

Centre de la Gravure et de l'Image imprimée    

19.02.2011 - 15.05.2011

Website : Centre de la Gravure et de l'Image imprimée

Website : La Louvière

FIC123.BE een website met info en cultuur.

NEDERLAND - MAASTRICHT - Schatten uit Moskou. Hollandse tekeningen uit het Pushkin Museum

2011-03-23T08:20:00.000+01:00

De tentoonstelling Schatten uit Moskou. Hollandse tekeningen uit het Pushkin Museum toont de 90 beste Hollandse tekeningen uit de zeventiende eeuw uit de collectie van het Pushkin Museum. Hiermee is het Bonnefantenmuseum de eerste plaats in anderhalve eeuw waar deze werken in zulke groten getale buiten Rusland te zien zullen zijn. 

De tekeningencollectie van het Pushkin Museum vindt zijn oorsprong bij een aantal Moskouse verzamelaars die hun bezit verwierven op veilingen, maar vooral uit de kunsthandel in Amsterdam, Parijs, Berlijn een een groot aantal andere Duitse steden. 

Schatten uit Moskou biedt een chronologisch en thematisch overzicht van de Hollandse tekenkunst uit de 17de eeuw. Getoond worden tekeningen van onmiskenbare grootheden als Rembrandt, Abraham Bloemaert en Adriaen van Ostade. De tentoonstelling omvat tekeningen van geboren Hollanders, maar ook van kunstenaars van elders die hun heil zochten in het 17de eeuwse artistieke middelpunt, zoals Gerard de Lairesse uit Luik.

De samenstellers hebben zich eerst en vooral laten leiden door de verbluffende kwaliteit van de kunstwerken, en hebben daarbinnen gestreefd naar diversiteit van thema's, compositie en functie. Zo zullen er schetsen te zien zijn naast volledig opgewerkte figuur- en compositiestudies. Zodoende geeft de tentoonstelling een schitterend en bovendien tot op heden nauwelijks gekend overzicht van de Hollandse tekenkunst van de Gouden Eeuw, en bovendien een blik op de Russische verzamelgeschiedenis van Nederlandse kunst. 

Bonnefantenmuseum      17.03.2011 - 19.06.2011

Website : Bonnefantenmuseum

Website : Maastricht

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - ANTWERPEN - Hungry Eyes

2011-03-16T08:31:00.000+01:00

Tony Le Duc

Tony Le Duc

Valérie Belin

Dimitri Tsykalov

In het voorjaar van 2011 prikkelt het FoMu meer dan enkel ‘the eye’: drie fotografen benaderen ‘food’ op een totaal andere manier.

Tony Le Duc (B) toont zijn omvangrijk oeuvre van maar liefst 25 jaar culinaire fotografie ondersteund door een historisch overzicht van het geïllustreerde kookboek.

De Russische kunstenaar Dimitri Tsykalov, die in Parijs woont en werkt, creëert vanitas symbolen uit overrijp fruit en drijft het concept van vergankelijkheid tot het uiterste wanneer hij geweren tot leven brengt met dood vlees.

Het thema Food komt in verschillende reeksen van Valérie Belin (F) aan bod. De objecten worden zo gefotografeerd dat ze hun status als ‘ding’ lijken te verliezen. De expositie toont hoe Belin die transformatie verbluffend in beeld brengt bij bijvoorbeeld een fruitmand of een zakje chips.

FotoMuseum      09.02.2011 - 05.06.2011

Website : Foto Museum

Website : Antwerpen

FIC123.BE een website met info en cultuur.

DANMARK - ODENCE - Bianca Maria Barmen

2011-03-16T08:22:00.000+01:00

Bianca Maris Barmen is born in Malmö and educated at the Royal Danish Academy of Fine Arts 1985-1992. She has been a frequent participant in Scandinavian group exhibitions and has also had several solo exhibitions, particularly in Sweden. Kunsthallen Brandts has invited her to present a large-scale solo exhibition that will allow visitors to experience her very personal, dedicated and philosophical approach to contemporary sculpture. Bianca Maria Barmen has recently received some major travel grants and awards, and her visits to Japan and periods of study there have been especially rewarding. The exhibition will comprise sculptures, drawings and architectural models. 

Kunsthallen Brandts     11.02.2011 - 07.08.2011 

Website : Kunsthallen Brandts

Website : Odense

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIQUE - MORLANWELZ - Illuminations : une aventure du livre en occident

2011-03-09T08:35:00.000+01:00

Grâce à l’exposition Illuminations, le Musée Royal de Mariemont propose une aventure du livre en Occident où l’on voit se formaliser la culture et l’imaginaire de l’homme moderne. Comprendre le rôle du livre dans notre histoire, c’est par conséquent découvrir les enjeux économiques, politiques et culturels qui lui ont permis d’exister ; c’est aussi comprendre les évolutions qui témoignent de nouvelles préoccupations et de nouveaux besoins. Aujourd’hui encore, l’ensemble de ces choix influence notre manière de concevoir et d’utiliser le livre. Entre objet sacré et objet profane, on pourra se poser diverses questions qui ont de près ou de loin affaire au livre : comment est né le livre de poche ? Quel est l’ancêtre des séries télévisées ? Quel est le rôle de l’Eglise et de la censure dans l’évolution du livre ? On s’étonnera aussi en apprenant le nombre de peaux, d’heures de travail ou d’hommes nécessaires à la réalisation d’un manuscrit en parchemin avant l’invention de l’imprimerie. 

Ludique et pédagogique, cette exposition permettra aux petits et grands de découvrir à quel point le livre comme la lecture font partie de leur quotidien, et ce depuis l’enfance. Ce constat n’a pas toujours été d’actualité : sur 10 personnes combien savaient lire au Moyen-âge ? Quels ont été les moyens techniques et institutionnels utilisés pour habituer les populations récemment alphabétisées à ce nouveau support ? Quels en sont les avantages et les atouts ? 

Entre fantasmes, réalités et devenirs possibles du livre et de la lecture, le Musée royal de Mariemont vous à un « lumineux » et « enluminé » voyage. 

A la lumière de l’histoire du livre, « Illuminations » invite le visiteur à découvrir l’histoire de l’Occident. 

Musée Royal de Mariemont     15.01.2011 - 29.05.2011 

Website : Musée Royal der Mariemont

Website : Morlanwelz

FIC123.BE een website met info en cultuur.

FRANCE - ANGERS - De l’ombre à la lumière - Tapisseries catalanes - De Picasso à Grau-Garriga

2011-03-09T08:20:00.001+01:00

Joan Miró , "Tapisserie" (tissée par Josep Royo), 1980 

Le musée Jean-Lurçat et de la tapisserie contemporaine présente un ensemble de plus de cinquante œuvres, tapisseries et cartons d’une trentaine d’artistes, représentatifs de la tapisserie catalane contemporaine. Construite en partenariat avec le musée du cloître de Sant Cugat et l’historien d’art Francesc Mirallés, l’exposition a été présentée en 2009 au musée de Sant Cugat puis au Centre Culturel Caixa de Terrassa, en Catalogne. 

C’est à Sant Cugat, dans la Manufacture Aymat que naît en 1955, sous l’impulsion de Miquel Samaranch son directeur, l’Ecole catalane de tapisserie. Il demande au jeune artiste Grau-Garriga de diriger l’atelier expérimental. Celui-ci fera le voyage en France pour rencontrer Jean Lurçat (dont le chef-d’œuvre Le chant du monde, est exposé à Angers). De retour à Sant Cugat, il fait venir de Madrid de jeunes liciers qu’il formera et qui tisseront les artistes de sa génération comme Ràfols Casamada, Tàpies, ou Guinovart, ainsi que leurs admirables aînés, Pablo Picasso ou Joan Miró.

Il favorise aussi l’émergence de liciers-créateurs catalans formés dans son atelier, qui s’inscrivent dans le mouvement de la Nouvelle tapisserie.

Après ses premières expositions à Angers en 1989, Grau-Garriga s’installe en Anjou. L’artiste y a tissé des liens étroits avec le musée Jean-Lurçat et de la tapisserie contemporaine, qui présente de façon permanente son travail des dix dernières années.

Josep Royo et Carles Delclaux ont également favorisé l’essor de l’atelier Aymat et son rayonnement international : le premier, qui s’engage dans une longue collaboration avec Miró fera date dans le domaine du textile, ouvrira une voie tout à fait nouvelle dans l’art de la tapisserie, et le second assure, à la suite de Grau-Garriga et Royo, la continuité de la manufacture Aymat-Samaranch en créant un centre-école à Gérone.

Parallèlement à ce renouveau, un ensemble d’artistes indépendants catalans explorent de nouveaux matériaux (jute, corde, chanvre mais aussi plastique, métal...) et cherchent à s’affranchir des limites bidimensionnelles. Pour Francesc Mirallés, la notion d’Ecole catalane s’applique aussi à ce courant hétérodoxe, dont deux de ses principales représentantes, Aurèlia Muñoz et Maria Teresa Codina, vont représenter la Catalogne aux Biennales de la tapisserie de Lausanne de 1965 et 1967, aux côtés de Grau-Garriga. A leur suite, d’autres artistes talentueuses, comme Mariona Sanahuja, Lluïsa Ramos, Teresa Lanceta ou Marga Ximènez vont s’inscrire dans ce courant de la Nouvelle tapisserie qui explore le volume et les matériaux.

De toutes ces œuvres émane, au-delà de la variété des techniques et des démarches, la force de la culture catalane faite d’ombre et de lumière, de violence et de douceur.

 Musée  Jean-Lurçat et de la tapisserie contemporaine     

20.01.2011 - 29.05.2011

Website : Musée Jean-Lurçat

Website : Anger

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - MACHELEN-AAN DE-LEIE - ZULTE - Tussenruimte - Het onzichtbare zichtbaar maken

2011-03-02T08:01:00.005+01:00

Het onzichtbare zichtbaar maken is een schijnbaar onmogelijke opdracht die tal van beeldende kunstenaars op zich hebben genomen. Bij Raveel is het beroemde witte vierkant slechts één van de middelen het schilderij te laten uitvloeien in tijd en ruimte. In 1974 en 1975 kopieerde Raveel elf schilderijtjes die hij in de jaren 1940, bij het begin van zijn loopbaan had gemaakt. Hij plaatste de oorspronkelijke afbeelding op een groter doek waardoor ze omgeven werd door een brede witte rand, die ze afscheidt van de realiteit er omheen. Zo ontstaat een nieuw beeld, waar de tussenruimte even belangrijk wordt als de voorstelling zelf.

Lucio Fontana bereikte een gelijkaardig resultaat door het schildersdoek te doorkerven. Zo ontstonden zijn beroemde Concetto spaziale ‘s.
Ook bij de jongere generaties is het streven merkbaar, bijvoorbeeld in de schilderijen van Jean-Marie Bytebier of in de sculpturen en installaties van Jan De Cock en Joëlle Tuerlinckx. Het begrip Tussenruimte geldt als algemene noemer voor de diverse toepassingen van dit streven.

Roger Raveel Museum      13.02.2011 - 19.06.2011

Website : Roger Raveel Museum

Website : Zulte

FIC123.BE een website met info en cultuur.

UNITED KINGDOM - LONDON - Modern British Sculpture

2011-03-02T07:42:00.004+01:00

The Royal Academy of Arts presents the first exhibition for 30 years to examine British sculpture of the twentieth century. The show represents a unique view of the development of British sculpture, exploring what we mean by the terms British and sculpture by bringing the two together in a chronological series of strongly themed galleries, each making its own visual argument.
The exhibition takes a fresh approach, replacing the traditional survey with a provocative set of juxtapositions that challenges the viewer to make new connections and break the mould of old conceptions.

Key British works include: Alfred Gilbert Queen Victoria, Phillip King Genghis Khan, Jacob Epstein Adam, Barbara Hepworth Single Form, Leon Underwood Totem to the Artist, Henry Moore Festival Figure, Anthony Caro Early One Morning, Richard Long Chalk Line, Julian Opie W and Damien Hirst Let’s Eat Outdoors Today.
Through these and other works, the exhibition examines British sculpture's dialogue within a broader international context, highlighting the ways in which Britain’s links with its Empire, continental Europe and the United States have helped shape an art that at its best is truly international in scope and significance.
The selection of works is not limited to the British Isles, but looks outward at Britain in the world including sculpture from Native American, Indian, and African traditions. These are represented by a series of significant loans from the British Museum and the V&A, which are shown alongside modern British sculptures from the period 1910-1930 to highlight the inquisitiveness of British artists when the Empire was at its peak and London was, almost literally, the centre of the world. The visitor is invited to make comparisons between these pieces and consider the dramatic effect that non-western techniques, iconography and cultural sensibility had on the development of British sculpture at the beginning of the twentieth century.
The exhibition is designed to be site-specific in relation to its own location at the Royal Academy in London. It shows how, for over 100 years, London and its museums have had a powerful appeal for sculptors, and how the Royal Academy itself has played a significant and controversial role in shaping modern British sculpture. To highlight the extent of the Royal Academy’s influence, the exhibition also features sculptures by three of its former presidents – Frederic Leighton, Charles Wheeler and Phillip King.
The exhibition provides a view onto this period of modern British sculpture without attempting to be comprehensive or definitive in its treatment of the subject. As such, it represents a point of view about the work of the period and seeks to highlight certain ways of looking at sculpture by thinking about its relationship with the wider world.
OrganisationModern British Sculpture has been organised by the Royal Academy of Arts. The exhibition has been curated by Dr Penelope Curtis, Director of the Tate Britain, and sculptor Keith Wilson, in conjunction with Dr Adrian Locke, Exhibitions Curator, Royal Academy of Arts.

Royal Academy of Arts    22.01.2011 - 07.04.2011

Website : Royal Academy of Arts

Website : LondonTown.com

FIC123.BE een website met info en cultuur.

BELGIË - MOL - Kempische landschappen

2011-02-23T08:40:00.006+01:00

Een kruisbestuiving tussen het oeuvre van Jakob Smits en het werk van Raymond Minnen, zo zou je deze expo kunnen omschrijven. Raymond kijkt in de landschappen van Smits en maakt een reflectie over jeugd en verleden met oud en recent werk in zijn eigen ironische stijl. Tegelijk met de opening van deze tentoonstelling wordt er ook een boek over het werk van Raymond Minnen voorgesteld. 260 foto’s bieden een overzicht van het werk van de kunstenaar onder de titel ‘La Subversion des Objets’ – ‘An Artist in Wonderland’.
Het wordt stilaan een traditie voor het Jakob Smitsmuseum: een confrontatie tussen hedendaags werk en Jakob Smits levert altijd een meerwaarde, voor beiden.

 
Jacob Smits Museum     05.02.2011 - 03.04.2011
 
Website : Jacob Smits Museum

Website : Gemeente Mol
 
FIC123.BE een website met info en cultuur.